30 abril 2009

GRAN CONCIERTO DE GALA CONMEMORANDO 25 AÑOS DE RADIO FILARMONÍA

Conmemorando su vigésimo quinto aniversario, Radio Filarmonía, 102.7 FM Stereo, la radio cultural del Perú, con la co-producción de la Universidad de San Martín de Porres, anuncia la presentación del GRAN CONCIERTO DE GALA, que se llevará a cabo el viernes 8 de mayo, a las 8:00 de la noche,  en el auditorio del colegio Santa Ursula, con la participación del maestro peruano Miguel Harth-Bedoya que dirigirá a la Orquesta Sinfónica Nacional y del pianista español Javier Perianes. 

El programa incluye “Varidanzas” Op. 12 de Rafael Junchaya, el Concierto N° 2 para piano y orquesta de Sergei Rachmaninoff y la Sinfonía N° 2 de Johannes Brahms.  

Luego del concierto habrá una Cena de Gala en el Swissôtel.

CO-PRODUCCIÓN: Universidad de San Martín de Porres

AUSPICIAN:  INSTITUTO NACIONAL DE CULTURA, SOUTHERN PERU, CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA, PRIMA AFP, CEMENTOS LIMA, BAPTIST HOSPITAL DE MIAMI, CROWNE PLAZA LIMA HOTEL, JOHNNIE WALKER Y VIÑA TACAMA

Venta de entradas: 

CONCIERTO Y CENA: Radio Filarmonía, avenida Pedro de Osma 501, Barranco, teléfono 512-6161.

SÓLO CONCIERTO: Teleticket de Wong y Metro, en donde los miembros del Círculo de amigos de Radio Filarmonía podrán adquirir hasta dos entradas presentando su carnet vigente.  

29 abril 2009

Todo el Met en video, GRATIS este fin de semana!


Met Player, el sistema pagado donde se pueden ver las producciones del Met a través de Internet, se abre este fin de semana. Completamente gratis, se podrá tener acceso a más de 200 títulos completos, incluyendo las transmisiones por HD de las tres últimas temporadas a los cines.

Uno debe registrar una cuenta para acceder al servicio. La oferta empezará a las 4pm hora de lima del viernes 1ro de mayo y terminará a la medianoche del domingo 3. Perfecta noticia para pasar el fin de semana largo viendo o escuchando buenas producciones sin restricciones.

El catálogo de Met Player incluye 20 títulos en High Definition, 40 óperas transmitidas por televisión, y más de 150 óperas completas de las transmisiones por radio, tan antiguas como de 1937. Todos los videos ofrecen subtítulos en inglés, con la posibilidad de escoger entre los idiomas francés, alemán y español para los titulos en HD de la ultima temporada (“Salome”, “Doctor Atomic”, “La Damnation de Faust", “Thais”, “Lucia di Lammermoor” y "La Rondine").

Atila en video!

Prologo. "Santo di Patria" - Dimitra Theodossiou, Ildar Abdrazakov

Prologo. Escena 3 y entrada de Foresto - Myung Hoon Ji, Coro "Ciudad de Lima"

Acto 1. Duetto Odabella y Foresto - Dimitra Theodossiou, Myung Hoon Ji

Acto 1. Escena Attila "Mentre gonfiarsi l'anima" - Ildar Abdrazakov, Manuel Rodriguez

Final acto 1. Entrada Leone y Concertante. Ildar Abdrazakov, Humberto Zavalaga, Dimitra Theodossiou, Myung Hoon Ji, Manuel Rodriguez, Coro "Ciudad de Lima"

Acto 2. Escena de Ezio "Dagli immortali vertici" - Claudio Sgura, Myung Hoon Ji
Compilacion de escenas del Coro "Ciudad de Lima"

Final Acto 2 - Ildar Abdrazakov, Claudio Sgura, Dimitra Theodossiou, Myung Hoon Ji, Manuel Rodriguez, Coro "Ciudad de Lima"

28 abril 2009

ARDAL concova voces para su Coro Lírico en Rosario, Argentina

ARDAL (Asociación Rosarina de Artistas Líricos), convoca a coreutas para formar parte en todas sus cuerdas del Coro Lírico de la institución. Los requisitos son: experiencia coral y/o conocimientos musicales elementales.

Los interesados deberán presentarse los martes y jueves a las 20:00 hs. en la calle San Juan 786, solicitando audición al director, Maestro Mauricio Barra.

El proximo evento a realizarse con la participación del coro es fragmentos de la Opera "Lucia de Lammermoor" el 25 de Junio de 2009 en la Bolsa de Comercio de Rosario. Luego en programación: Zarzuela y Opera "Le Nozze degli Tindaridi" (Alfredo Donizetti, a 100 años de su estreno en Rosario), ambas en el Teatro La Comedia de Rosario y otras obras que se presentarán en ámbitos municipales y privados.

Cristina Gallardo-Domâs estaría peor de salud


Articulo Publicado en la revista de El Mercurio de Chile, del sabado 25 de abril.


El Dolor de Cristina

Ha cancelado su agenda de conciertos por una dolencia a las cervicales que la inmoviliza. Algunos, sin embargo, creen que su problema es más grave. 


Por Marcela Escobar. Revista El Mercurio

Hace unas semanas, Cristina Gallardo-Domas le reveló a su amiga Pilar Arredondo la dimensión real de su estado de salud. "Hay días en que me quedo simplemente como estatua", le escribió por email, "sin contar con los dolores imposibles de resistir. Estos dolores me los llevo para todos lados: al dormir, conducir, hablar por teléfono, al escritorio. Y para cantar".

Pilar Arredondo tiene en sus manos las páginas en las que imprimió los últimos correos que, desde Gran Canaria, le envió la soprano. Desde septiembre pasado, Cristina Gallardo ha empeorado de una afección que compromete cuatro de sus discos cervicales, de los cuales el C5 y el C6 están completamente gastados. El diagnóstico es una artrosis aguda, que le impidió cumplir con los conciertos que tenía en agenda para marzo, abril y –hasta el momento– también para mayo.

Los médicos le han dicho que la recuperación le llevará mucho tiempo y que quizás no es operable. Su mal es antiguo y la actividad que realiza es contraria a cualquier mejoría. Como toda cantante de ópera, Cristina no es sólo voz cuando canta. Cuando canta, Cristina lo hace con todo el cuerpo.

Ya estaba complicada cuando se subió al escenario del Metropolitan Opera House, en Nueva York, la noche del 27 de febrero último. Se puso las ropas de Cio-Cio- San, la geisha de Madama Butterfly, un rol al que ella le dio su sello: histriónica, esbelta como pocas cantantes, Cristina ha dado forma a una Butterfly que, dicen algunos, es la mejor del mundo. Aquella noche de febrero en Nueva York fue la última vez que encarnó a la geisha.

Ella dice que en el Metropolitan sufrió "una situación absolutamente desagradable e injusta", que le desencadenó, además, una depresión. En el principal referente operático neoyorquino la respuesta es diplomática: "Patricia Racette cantó el rol principal de Madama Butterfly el martes 3 de marzo y el sábado 7 de marzo, reemplazando a Cristina Gallardo-Domâs, quien estaba enferma".

Pero hay quienes achacan su receso no sólo a la artrosis, sino que a graves problemas vocales. Cristina parece asumirlo y en el diario que mantiene en su página web confiesa que se encuentra "muy afectada": "He tenido que retirarme a dar oídos a las habladurías (sic)… sobre por qué en mi último tiempo he tenido que estar cancelando mis compromisos agendados, lo cual se ha visto exclusivamente ligado al diagnóstico médico".

En los mails que le ha escrito a Pilar Arredondo, Cristina reconoce que en el concierto de Nueva York "si bien podía cantar, más o menos a nivel de espalda llevar la cosa, tampoco era el ideal". La cantante ha intentado ya varios tratamientos para manejar su dolencia: a los remedios le ha sumado fisioterapia, acupuntura y, últimamente, hidroterapia.

Nada ha resultado. El dolor continúa.

"Esto es algo de lo que no sanaré nunca…", se lamenta Cristina, en otra de las líneas escritas a Pilar Arredondo. "Hay momentos en que lo único que desearía es cortarme la cabeza".

 

Para seguir leyendo, pulse aqui.

 

27 abril 2009

ULTIMO MINUTO: Hoffmann fue todo un éxito en Las Palmas

Pepe Corzo me acaba de contar por Messenger que el estreno fue un éxito total. 

Más de Pepe Corzo y sus diseños para “Hoffmann” en Las Palmas

Hoy domingo se dio el estreno de “Les Contes d’Hoffmann” de Offenbach en Las Palmas, y mientras nos enteramos que tal les fue, vayamos viendo mas bocetos de las creaciones de este talento peruano para esta producción de Mario Pontiggia.

Como Pepe comentó en la entrevista que le hice a propósito de este estreno, los diseños se basaban en la Bauhaus e inspiraciones mecánicas para el acto de ‘Olympia’, en “Escher” y oscuridad tétrica para el acto de ‘Antonia’, y en un “Dark-Leather-Romantic” para el acto de ‘Giulietta’.

(Fotos robadas 'ilegalmente' del Facebook del autor)









Bocelli en San Juan y Caracas, antes de llegar a Lima

Andrea Bocelli ofrecerá este jueves su primer concierto en el Perú en su gira latinoamericana. Antes dio un concierto el jueves en San Juan y este sábado en Caracas.

Aquí un artículo de Claudio Gaete, de El nuevo Dia de San Juan, sobre este concierto (recibido via ProOpera)

El encanto de Bocelli

El tenor italiano entregó un recital que unió ópera y canciones populares junto a la puertorriqueña Ana María Martínez

Aquí también fotos de la reunión que tuvo Bocelli con el dictador de Venezuela Hugo Chávez mientras estaba en Caracas (fotos de agencias, obtenidas via OperaChic)




25 abril 2009

Hoy escuchamos el final del 'Anillo': "Götterdämmerung" en vivo

Modelo de la produccion de LePage de "Das Rheingold"

Hoy a partir de las 11am escucharemos la última parte del “Anillo del Nibelungo” de Richard Wagner vía Filarmonía. En directo desde el Met. Es la última vez que se pone en escena la producción de Otto Schenk en este teatro. 

El gran Robert LePage, quien presentó una de las producciones mas importantes en décadas con su “Damnation de Faust” de Berlioz, vuelve al Met para preparar un Anillo fiel a la historia, pero utilizando los mas avanzados recursos tecnológicos para su elaboración. La primera parte, “Das Rheingold” abre en setiembre de 2010, y los ciclos completos empiezan en 2012, con un cast interesante: Bryn Terfel es Wotan, Deborah Voigt y Katarina Dalayman son Brunnhilde, Ben Heppner es Siegfried, Jonas Kaufmann es Siegmund, y Eva-Maria Westbroek es Sieglinde.

Desde ya se puede reservar prioridad y apoyar esta producción con donaciones que van desde el 10 mil hasta los 25 mil dólares. La información a través de la página Web del Met.

El arte de Pepe Corzo ahora en los "Cuentos de Hoffmann"

Por Gonzalo Tello (Operaperu.com)

Pepe Corzo, reconocido diseñador, vestuarista y director de arte quien durante años presentó colecciones para pasarelas internacionales, así como dirigido comerciales, y también creado vestuarios para producciones teatrales, esta vez empieza una nueva rama ascendiendo en su carrera. Entra de lleno en la ópera, ¡y de que modo! Pues preparando el vestuario completo de la muy complicada “Les Contes d’Hoffmann”, ópera cómica en 5 actos de Jacques Offenbach para la nueva producción de Mario Pontiggia que se presenta en el Festival “Alfredo Kraus” de Las Palmas de Gran Canaria a partir de este 26 de abril. En el elenco participan Richard Leech, Ruxandra Dunose, Isabel Rey, Chester Patton, entre otros.

Pero ¿cómo llego Pepe a esto? No fue de la noche a la mañana. Hace pocos años, Pepe recibió el encargo de crear el vestuario para una ópera barroca totalmente olvidada. “La Paz Universal” o “El Lirio y la azucena” es el nombre de esta obra que estaba siendo resucitada después de 300 años gracias al esfuerzo de Caja Madrid. Luego le llegó un gran encargo: Preparar el vestuario de la zarzuela “El Rey que rabió” para el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Esta producción fue un éxito inmediato y estuvo de gira por todo España, incluso haciendo de Corzo protagonista de una importante muestra de sus diseños en el mismo teatro de la Zarzuela en Madrid.

¿Como van los preparativos para este ‘Hoffmann’?

Estamos ensamblando casi todo al 100%. Estos días son los ensayos generales. El Domingo pasado se introdujo el vestuario en el escenario pero recién hoy día con las luces y la orquesta se verá bien todo. Felizmente llegué a los primeros ensayos con el 99% de vestuario listo, lo cual es muy bueno, y a pesar de que ha sido complicado. No se si te comenté que el 50% del vestuario se hizo y se trajo de Lima, y el resto se hizo aquí, pero todo llegó perfectamente. En lima se hicieron las cosas complicadas, porque tenía los proveedores allá. La otra mitad de vestuario la hicimos en talleres aquí. Solo quedan detalles mínimos por resolver. Aquí hay una gran organización, y es una cosa bien compleja esto de la ópera.

¿De qué va esta propuesta para la ópera?

Esta ópera está dividida en 5 actos. El primero y el último los estamos situando en un mundo real, y el resto de actos que son los cuentos los estamos diferenciando en tres mundos estéticos distintos. El acto de ‘Olympia’ es inspirado en la estética de la Bauhaus, de la mecánica, un poco de esta escuela de diseño que se introdujo y se presta para eso, El acto de ‘Antonia’ es un mundo que va por el lado de M.C. Escher e inspirado en “El Gabinete del Dr Caligari”, mas tétrico y oscuro. No es estricto, nos tomamos libertades y se respiran aires de todo. El acto de ‘Giulietta’ que es en Venecia, tiene un toque fashion en la tendencia “Dark Leather Romantic”. Hemos jugado con esto y hemos hecho un burdel bien gótico ‘Dark’. Hemos buscado que los actos sean bien diferenciados para que se note este viaje de Hoffmann por sus historias.

Me comentaste que llevabas sorpresas de Lima…

¡Si! El acto de ‘Olympia’ es el más grande porque participan como 70 coros, más solistas, bailarines, figurantes. Este acto se ha fabricado al 100% en Lima y es un escándalo (ríe) porque hemos hecho para Olympia y las bailarinas faldas mecánicas que dan vueltas. Los del coro son como científicos con trajes que parecen mecánicos, las mujeres tienen los trajes inspirados en la grafica de la Bauhaus. Todo esta muy bonito, sobretodo que contrasta con el Prólogo que se ubica en una ‘boite’, todos en frac y esmoquin, muy 20’s, y de pronto ¡bum!, se da este shock, este cambio de ambiente…Aquí en Las Palmas hay una tradición bien fuerte de ópera y es un público muy tradicional, entonces esta producción no se sabe muy bien que reacción va a tener. Jaja!

¿Cómo terminaste cayendo en este proyecto?

El director Mario Pontiggia estuvo en el estreno de “El Rey que rabió” en Madrid. Le gustó lo que hice y consiguió mi teléfono. Me llamó, conversamos y me dijo que estaba muy interesado en que haga “Hoffmann”. Volé de Madrid a Las Palmas por dos días, conversamos, y luego en noviembre regresé a Lima y estuvimos trabajando desde allá hasta ahora, por casi 6 meses. El ya había visto trabajos míos en Madrid y en Canarias y me imagino que como esta ópera es fantástica, y mi perfil iba por ahí, me escogió para hacer esto, porque normalmente los vestuaristas en la zona de España tienen un estilo un poco más tradicional

¿Es muy diferente este nivel y exigencia de trabajo a lo que hacías antes para teatro o publicidad?

No creas, en Lima yo trabajaba en teatro ya con buenos presupuestos. No he trabajado en ópera en Lima pero si en buen nivel de producción, tanto en comerciales de televisión como en teatro, y no hay una diferencia extrema. Sin embargo me parece súper interesante porque, si bien el año pasado hice una ópera barroca con la fundación Caja Madrid y he trabajado con el Teatro de la Zarzuela, que han sido cosas grandes, esa son obras tradicionales y no había tenido la oportunidad de trabajar en algo así. Me doy cuenta de las particularidades que tiene, es muy interesante y estoy aprendiendo un montón, tiene muchas cosas distintas: la manera de trabajar, el lenguaje de trabajo…aquí todos hablan italiano que es el lenguaje de la ópera y todos se entienden así, el ingles queda aparte. Incluso me han invitado a comidas donde todo se habla en italiano. Toda la dirección es en italiano, todo el mundo lo habla: coreógrafos, técnicos, casi no se escucha español. Así que lo primero que voy a hacer cuando vuelva a Lima es meterme a clases de italiano, ¡Ja Ja! 


Nota aparte: Mientras Pepe preparaba la producción, pudo asistir  a los ensayos y funciones de “Roberto Devereux” de Donizetti, que se presentó antes de ‘Hoffmann’ en el Festival. Allí la protagonista era Dimitra Theodossiou, con la que Pepe hizo amistad. Ella le contó que estaba contenta de venir a Lima a cantar ‘Attila’.

Mientras nos llegan las fotos de la producción, veamos algunos de los trabajos de Corzo para “La Paz Universal” y “ El Rey que rabió”:


El Teatro Real prepara "El Holandés Errante" de Wagner para su temporada 09-10



El pasado mes fue presentado en el Teatro Real de Madrid la que será nueva temporada del coliseo madrileño para la temporada 09-10, y que será la última antes de que el belga Gerard Mortier se haga con la dirección artística del teatro a partir de 2010. La nueva programación contará con 199 espectáculos entre recitales, representaciones operísticas y de ballet.

De entre los 16 títulos de ópera programados destaca uno wagneriano, El Holandés Errante, que podrá verse en enero de 2010, y que contará con la dirección de Jesús López Cobos, actual máximo responsable musical del Teatro Real. Se trata de una coproducción junto al Liceu de Barcelona a cargo de Àlex Rigola, y que ya pudo verse en la ciudad condal en abril de 2007. Rígola es el director del Teatre Lliure de Barcelona y este Holandés supuso su primera incursión en el mundo de la ópera. Su propuesta escénica de la obra sitúa la acción en la actualidad en un pueblo costero de Noruega, donde Daland es propietario de una fábrica de conservas de pescado. El director ha dado al mar una presencia escénica recurrente tal y como exige el libreto y la música.

El reparto será el formado por Hans-Peter König y Eric Halfvarson (Daland), Anja Kampe y Elisabete Matos (Senta), Stephen Gould y Endrik Wottrich (Erik), Nadine Weissmann (Mary), Vicente Ombuena (Un timonel) y Johan Reuter y Egils Silins (El holandés).

Entre el resto de títulos programados destacan "Lulu" de Alban Berg, "La vera costanza" de Haydn, "L’italiana in Algeri" de Rossini, "L’incoronazione di Poppea" de Monteverdi o "Salomé" de Strauss y tambien el "Simon Boccanegra" de Verdi donde Plácido Domingo hará el rol principal. Ademas de " I Puritani" con Juan Diego Flórez.

Via Wagnermania

24 abril 2009

Mas de Dimitra Theodossiou

Por que? solo porque si...





23 abril 2009

"Samson et Dalila" en Colonia: Tan malo que hasta el coro lo boicotea

La producción del director Tilman Knabe esta causando gran revuelo en Colonia, Alemania, antes de su estreno, y es que según Deutsche Welle:

“28 de los 64 miembros del coro y tres de las voces principales han dejado de asistir a ensayos. De acuerdo al portavoz Johannes Wunderlich. La mezzo Dalia Schaechter y Samuel Youn, quienes interpretan a Dalila y el Sumo sacerdote, han tirado la toalla”.

La puesta de este director esta basada en el medio oriente del presente, en vez de la Palestina bíblica.

Traducido y tomado de Opera Chic

Attila y el lado feo


Este post lo debí escribir antes, pero por falta de tiempo no pude. Algunas impresiones negativas se había llevado el público y yo mismo pude notar en la organización del Festival Granda. Por ejemplo:

Dejar pasar al público durante la función: Si bien llegar al Callao a las 7:30pm es difícil, por trafico, etc. Eso no debe ser excusa para dejar pasar a la gente bien avanzada la primera parte, es una total falta de respeto para los asistentes, especialmente de mezzanine, los cuales se incomodaban. Lo correcto es que no entren hasta el intermedio, o en todo caso, el más diplomático, hasta la primera bajada de telón.

Resulta increíble escuchar a la gente contestando llamadas en plena función, o los interminables timbres, especialmente de Nextel, que interrumpen.

Los constantes portazos con nombre y apellido: Marcelo Oxenford, director del Teatro Granda. Identificado por quien escribe y por muchas otras personas como quien se movía y tiraba portazos como "Pedro en su casa" (siendo esto cierto, ya que siendo director del teatro) desde este blog las mas grande llamada de atención, pues se trata de un actor que con mayor razón debería tener respeto por lo que allí se esta representando.

Algo que no se puede criticar, aunque resulte incómodo para mucho en el momento, son las reacciones del público de aplaudir fuera de lugar, o gritar o no. En ópera existe la libertad de emocionarse cada uno como desee, obviamente sin interrumpir con esto la acción, pero frente a una partitura tan poco conocida como esta, los momentos se prestan. Eso le da un espíritu a la noche.

Covent Garden enfrenta la crisis con Plácido Domingo



El tenor español regresará con dos títulos, y debutará en el teatro londinense como barítono.
Escribe Maureen Lennon Zaninovic

A sus 68 años, Plácido Domingo está bien lejos de un posible retiro de los escenarios.

Ayer, los principales medios británicos comentaban que el popular tenor español es la carta más segura de la Royal Opera House de Londres (ROH) para enfrentar la crisis.

En el lanzamiento de la temporada lírica 2009-2010 del Covent Garden se confirmó la presencia de Domingo en dos títulos. En marzo, interpretará el papel de Bajazet en "Tamerlano", de Haendel, y en julio del 2010, el artista español (ya se habla de que marcará un hito histórico) asumirá el protagónico de "Simon Boccanegra", de Verdi; con dirección musical de Antonio Pappano. Si bien Domingo debutó en 1959 como barítono (Borsa, en "Rigoletto"), será un acontecimiento ver su incursión en este gran papel verdiano.

Por su parte, Tony Hall, presidente de la ROH, dijo que, a raíz de la crisis mundial, no subirán los precios de las entradas de su temporada 2009-2010 y que monitorearán, cada tres meses, la respuesta del público.

"Podemos estar en una burbuja. Espero que no. Me da la impresión de que ésta va a ser una temporada fantástica para superar una recesión", puntualizó el ejecutivo.

Juan Antonio Muñoz

Crítico de "El Mercurio"

"Con Domingo, la venta está asegurada. Él es un gran verdiano y su debut en el Covent Garden como barítono ('Simon Boccanegra') resulta natural. Su voz, por lo demás, evoluciona hacia un registro más grave. Y con respecto a 'Tamerlano', acaba de interpretar este título en España con gran éxito".

Mario Córdova

Conductor Radio Beethoven

"Interesante mezcla que hará Plácido Domingo en Londres: en un repertorio barroco, como Haendel (toda una curiosidad para los melómanos) y en un gran papel verdiano. Hay que escucharlo. Sin duda su nombre es una carta más que segura para enfrentar la crisis".

20 abril 2009

“Attila” y el debut de otro grande en el Callao


Por Gonzalo Tello (Operaperu.com) 

Este Segundo Festival Internacional de Opera Alejandro Granda terminó por coronarse como el festival de referencia de la región. Por segundo año consecutivo, se logra convocar a artistas de primer nivel, para darle realce y renombre a esta iniciativa del Gobierno regional del Callao, la asociación Romanza y los Amigos Peruanos de la Ópera. Destaco esto además, porque no sólo se presentaron títulos interesantes con artistas aún más interesantes, sino que además, nos dimos el lujo de tener dos sucesos únicos en el mundo: Ver debutar a dos figuras internacionales en roles que luego verá el resto de primeros teatros. Hablo de Juan Diego Flórez en su debut como el Duque en “Rigoletto” y ahora el ruso Ildar Abdrazakov, quien debuta este papel en escena, en una muy esperada actuación antes de participar en ese esperadísimo ‘Attila’ en el Met. Desde ya eso es un privilegio que no se da así nomás en cualquier lugar, y el Callao y el Perú son privilegiados.

En esta producción del italiano Massimo Gasparón, participan además del ya mencionado Ildar Abdrazakov, la consagrada soprano griega Dimitra Theodossiou, el barítono italiano Claudio Sgura, el tenor coreano Myung Hoon Ji, el director de orquesta Christopher Franklin y el correpetidor Gioele Muglialdo, así como el coro lírico ‘Ciudad de Lima’ dirigido por Javier Súnico, y la orquesta de la Universidad de Lima.

Desde que conocí la opera hace más de 5 años, me volví fan acérrimo de ésta. Debo decir que no es una partitura fácil, exige lo máximo de cada solista y los coros, por lo cual el resultado no es óptimo la mayoría de veces, y es tremendamente difícil encontrar la versión definitiva. Especialmente cuando uno es tan exigente con cada rol.

La producción, como es costumbre en Gasparón, no pretende darnos escenarios realistas o mayor exhibición o audacia escénica. Es una serie de recuadros cuidados, y exhibición de vestuario, lo cual, visto desde esa perspectiva, no solo nos resulta atractiva, sino que permite el mayor lucimiento vocal de los solistas y coro. Algo que también alabo es el tratamiento de la iluminación que marca de buena manera cada grupo o personaje, así como los momentos dramáticos y cada secuencia por separado, supliendo así el único escenario, una gran escalera con arcos que varia de acuerdo a la escena. Hermoso resulta también el efecto que estos arcos, revestidos de metal, proyectan sobre el teatro y los laterales del escenario. Incluso siento que aportan al clima psicológico de la trama: momentos de terror como de esperanza. Otro acierto fue el del bello vestuario de cada grupo creado por Gasparón y realizado por el equipo peruano encabezado por Emilio Montero. Buen cuidado en la presentación e interesante la separación del color negro de los Hunos, mas parecidos a árabes, y los italianos en colores azules y blancos.

Ildar Abdrazakov superó las expectativas que le tenía como el Rey de los Hunos. Su voz es muy diferente a la de sus predecesores, como Samuel Ramey o Ferruccio Furlanetto. Es una voz redonda, nada áspera, noble y suave, pero a la vez contundente y muy asentada en sus bases, que combinadas con su gran dominio escénico, nos dan un resultado que, me atrevería a decir, no he visto antes en los resultados de este cantante en otros roles y le abriría una puerta a roles mas grandes en un nuevo capitulo en su carrera. Este “Attila” muestra que Abdrazakov puede ser más asfixiante y aterrador que sus ya versiones de los “Mephistopheles” de Gounod y Berlioz.

Dimitra Theodossiou se lleva la ovación del público por ese dominio perfecto en su propio estilo de las riesgosas notas de su rol. Desde ese imponente “Santo di patria”, hasta su perfecto legato en piano del “liberamente or piangi”. Ni que decir del Re y los dos mi bemol sobreagudos que despeinan al publico y opacan a orquesta y coro cuando los lanza.

Claudio Sgura es una gran sorpresa en este rol. Uno puede percibir su identificación como italiano en el rol. Hay mucha interpretación escénica, notas correctas y una presencia que impone respeto. Su gran momento es el del aria “Dagli immortali vertici” y la suicida cavaletta “E gettata la mia sorte” que enloquece al publico, sobretodo por la entrega a toda voz, y un sol agudo final.

Myung Hoon Ji aprendió el rol en poco tiempo, y pese a no ubicarse completamente cómodo con este, nos entrega una versión muy interesante de su Foresto, mas ligero de lo habitual pero convincente, y muy lírico e imponente en su escena del acto tercero. Los agudos de este tenor son muy interesantes, regalándonos un do de pecho larguísimo en su escena del prólogo y obligando a la soprano a ir hasta el Re sobreagudo en el dúo del primer acto.

Mención especial y felicitación merece el Coro Ciudad de Lima, conducido por Javier Sunico. Un coro joven y entusiasta que se entrega al papel en la medida de sus posibilidades, y que musicalmente responde de manera tal que entrega un Verdi brillante y emocionante. Alabo especialmente esa intención teatral de cada miembro, que es muy importante, debido a que todas las producciones anteriores en nuestro medio presentan un coro ajeno a su rol y muy estático, lo cual desmerece cada escena. Su aporte fue fundamental en el impacto teatral de la obra.

Lo mismo para la orquesta Universidad de Lima, que dirigida por Christopher Franklin, logró un balance y buen color italiano, abusando en muy correcta medida de los momentos fuertes junto con el coro, y sus balances ‘in crescendo’ en los momentos donde todo el elenco está en escena nos ofrecieron una interpretación dinámica y emocionante.

Un paso adelante se dió en esta producción de “Attila”, a favor de la difusión y crecimiento de la escena lírica nacional, que debe servir como ejemplo para superar las próximas producciones, y dejar en el pasado el poco valor estético y musical de las mismas. Mirar al futuro y superarse en calidad artística es un deber de sus promotores.

Christopher Franklin, el director de "Attila"


Por Gonzalo Tello (Operaperu.com)

Christopher Franklin es un joven y dinámico director que empezó estudiando en Baltimore, donde inició su trabajo en obras sinfónicas diversas. Luego recibió una beca Fullbright que le permitió ir a estudiar y trabajar en Europa, junto a grandes maestros como Peter Maag y Gianluigi Gelmetti. Habiendo crecido en Alemania y ahora siendo casado con italiana, y también  teniendo la ciudadanía italiana, se siente ha gusto con su nuevo hogar y es una persona bastante europeizada. Es cotizado especialmente para dirigir obras americanas y contemporáneas, e incluso, comenta, es vendido fuera de Italia como un director de ópera italiana. “Francolino” lo llaman.

Este director es muy cercano a Ernesto Palacio y Juan Diego Flórez, pues dirige sus conciertos alrededor del mundo, y lo volveremos a ver aquí en el Callao dirigiendo en concierto que ofrecerá el tenor peruano en noviembre.  Esta entrevista, que resultó siendo una muy larga y divertida conversación, ocupo un poco de todo.

Pero, ¿empezaste en ópera o música sinfónica?

En ambos, es importante estar en ambos, pero realmente empecé en sinfónica, pero en Italia ‘Opera es el Rey’…

Solo porque si, o…

Esta en tu sangre, no te la puedes quitar. Además creo que es un arte completo.

¿Cuál fue la primera que condujo?

Hice varias operas contemporáneas en Estados unidos antes de ir a Europa. La primera ópera grande que hice en Italia fue “Gina”, la primera opera de Francesco Cilea, que compuso cuando tenia 18 años. He trabajado con esa y otras óperas en diferentes teatros en Italia. También he hecho varias contemporáneas, como “Billy Budd” de Britten o “Jackie O” de Daugherty. Es una gran pieza, es como una “pop-opera”. La hice el año pasado en Bologna y el DVD esta por salir. También hice y volveré a hacer “Sweeney Todd”. Cuando se hace algo americano, de preferencia me llaman…

Será por ser americano que tiene la esencia de las obras…

Si, quizás porque crecí y tengo mas experiencia con esas obras desde el inicio, y entiendo la energía o el ritmo, comparado con un director europeo que quizá no entre a ese tipo de obras.

¿Un director tiene que especializarse en un tipo de música?

Desafortunadamente tienes que hacerlo. De la forma como la carrera se desarrolla desafortunadamente te categorizan. Pero si miras el calendario de los artistas, ellos hacen todo de todas formas. Como director joven, es tu misión trabajar con obras actuales, no porque sean realmente buenas, o vayan a sobrevivir, pero es importante impulsarlas y no dejar que se empolven. Si no las haces te niegas como artista. Es verdad que la obra de Verdi es fantástica, pero también debes hacer obras de compositores vivos.

¿Has trabajado en EEUU?

Solo un par de veces, con Juan Diego en Miami, y ahora he tomado contacto con una agencia, así que podré hacer algo más. Desde que fui a Europa, si tú quieres meterte en la cultura y asimilarla, simplemente te quedas ahí, y no regresas…

¿La cultura te come?

Si, te come, no vuelves más (ríe) Lo cual es malo, porque mi familia vive allá. Son dos lugares diferentes, pues en Italia los teatros están interconectados y es como un gran grupo, “La Famiglia”. En EEUU programan sus carteleras con años de anticipación y es más un tema de negocio y otros parámetros políticos

¿Cómo conociste a Juan Diego y Ernesto Palacio?

Como dije, todo esta conectado y es como una gran familia, así que conocí a Ernesto a través del maestro Gelmetti, porque trabajan en proyectos juntos, y mi esposa ha trabajado con sus artistas, sobretodo en Pesaro, donde yo dirigí “Viaggio a Reims”. Ella ha cantado con Juan Diego “Le Comte Ory” o “Barbiere di Siviglia” hace un par de años. Así que nos hicimos amigos. Ernesto me pidió hacer giras de conciertos con Juan Diego y lo hicimos en Moscú, Paris, etc., desde hace 5 años.

¿Cómo es dirigir conciertos con solista, comparado a dirigir música sinfónica u opera?

Es muy diferente. Con el es una experiencia fantástica, porque es trabajar con el mejor tenor del mundo en su repertorio ahora, así que los conciertos con el son un gran evento y se trabaja en teatros importantes. Además son eventos divertidos, porque hay interacción con el público y conmigo, con bromas y demás, así que son grandes eventos de interacción.

Generalmente trabajan con las mismas arias y repertorio…

Si, pero por ejemplo en México incluimos mucho repertorio latinoamericano, como el ‘medley’, que incluye “Jurame” y otras canciones mas.

¿Siente que, por ejemplo, dirige la obertura de “Semiramide” del mismo modo que lo haría haciendo la ópera completa, o se toma licencias? Puede que sea mas relajado hacerlo en concierto…

Entiendo. Se hace de diferente forma. Es divertido en concierto, porque generalmente viene la obertura de una ópera, y luego el aria de esa misma. Creo que se convierte en un ‘splash’, pues es un evento para la orquesta despegar, tocar y tener un gran momento, y luego viene el artista. En eso tienes razón. Pues una obertura en la opera completa es el inicio de una noche larga en el teatro. Así que si es más relajado.

¿Cómo llegaste a conocer y dirigir “Attila”?

Ernesto me invitó a participar hace un año y las fechas se dieron. Antes hice varios Verdi, siendo la primera “Falstaff”, así que empezar con esa obra es algo particular. Luego hice “Rigoletto” Traviata o “Nabucco”, que es también un Verdi particular porque es el joven, que es esquema formal: Obertura, coro, aria, etc. No se si es por vivir en Italia, pero creo que “Attila” es de las mejores operas que compuso.

¿Diría que es tu favorita?

En este momento particular diría que si, porque la vives todo el día, todos los días. Pero creo que en este punto es una de mis favoritas. Por ejemplo cuando Ezio canta “Tutta Italia Piangera” me siento italiano en ese momento. Así como cuando diriges ópera francesa te sientes francés así no lo seas. Con estas obras sientes la italianidad, que también está presente en el sonido. Creo que desde el punto del director, no se de la audiencia, el personaje de Attila, que la historia ha condenado como un malvado, al final queda como una figura simpática, y es con el que te identificas. Ezio, Foresto y Odabella aportan al lado del romance y la intriga, pero al final te identificas mas con Attila porque es al que traicionan.

¿La ha escuchado y explorado?

He vivido con ella por un tiempo, y eso que en Italia no se hace mucho. Creo que encontrar el reparto es lo difícil, y es una suerte tener aquí a Dimitra Theodossiou, porque tiene la agilidad y la capacidad de subir y bajar hasta el fondo. No se puede hacer con cantantes líricos ligeros.

¿Que piensa del reparto de este Attila?

Es un placer trabajar con ellos. Trabajé antes con Claudio en una opera contemporánea, a Ildar lo conozco hace varios años, y a Dimitra la he conocido aquí, así como a Ji, el tenor. Usualmente cuando trabajas en Italia, la gente trabaja junta y luego se separa, aquí no, aquí prácticamente convivimos en el mismo hotel y estamos juntos todo el tiempo, así que es como una pequeña familia.

¿Y eso es bueno o malo?

Es diferente. Creo que es la única forma de hacerlo aquí. Ernesto es un muy buen anfitrión, nos lleva a buenos sitios, nos muestra la ciudad. Cuando vamos a ensayar al Callao nos muestra los alrededores y explica. Es un buen anfitrión/director artístico.

¿Cuál es tu aporte personal a este Attila?

Aquí en los ensayos trato de dar un sonido diferente, con las cuerdas trabajando en los recitativos con un sonido fuerte sin opacar a los cantantes. Mi trabajo principal aquí es moldear la orquesta y convertirla en una orquesta italiana en muy pocos días. Al mismo tiempo mantenerla calmada pero rítmicamente interesante y traer y unir al grupo del escenario con la orquesta. Algo que he aprendido es a trabajar mucho con lo que pasa sobre el escenario. Cualquier cosa que pase, la atención esta completamente sobre el escenario. Es importante estar con ellos. Al inicio de la carrera es difícil hacerlo porque no tienes el comando con la orquesta, en este caso mi labor es ser el conductor entre orquesta y cantantes.

Theodossiou también de recuerdo en "Attila"


Porque escuchar sólo a Ildar Abdrazakov si también podemos escuchar a Dimitra Theodossiou? Ambos aun no tienen la grabacion juntos, solamente recién cuando salga la version comercial del "Attila" del Callao. Mientras tanto escuchemosla en una de sus mas interesantes grabaciones.

Giuseppe Verdi
ATTILA

Parte 1
Parte 2


Attila: Ferrucio Furlanetto
Odabella: Dimitra Theodossiou
Ezio: Alberto Gazale
Foresto: Carlo Ventre
Uldino: Alessandro Cosentino
Leone: Daniele Tonini

Orchestra e Coro del Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste
Director: Donato Renzetti

Prologo: Santo di Patria...da te questo


Atto 1: escena y aria: Liberamente or piangi



19 abril 2009

Un recuerdo del Attila de Abdrazakov

Para todos los que se quedaron tarareando las melodías luego de haber ido a ver Attila, les doy un buen regalo. Como se sabe, Ildar Abdrazakov hizo su debut en escena como Attila en el Callao, pero la cantó por primera vez en Amsterdam en el 2007. Aqui la grabación de la versión en concierto de Attila, con Ildar Abdrazakov.



Giuseppe Verdi
ATTILA

Parte 2

Attila: Ildar Abdrazakov
Odabella: Hasmik Papian
Ezio: Paolo Gavanelli
Foresto: Massimiliano Pisapia
Uldino: Giorgio Trucco
Leone: Dennis Wilgenhof

Orquesta y Coro del Concertgebouw de Amsterdam
Director: Jaap Van Zweden

Aria y cavaletta: Mentre gonfiarsi l'anima

Ópera Perú se asocia con PRO ÓPERA

Desde ahora, Ópera Perú, o 'Maldito Candelabro' estará asociado a ProÓpera, una revista y portal mexicano dedicado a difundir la Ópera de nuestro continente. A través de una red de periodistas, críticos y medios escritos y de Internet, podremos conocer de primera mano las producciones que se hacen en latinoamérica, así como en el resto del mundo.

Mas fotos de ATILA, el suceso del año!































Carmen Espectacular, la noche de Jossie Pérez


POR CLAUDIO GAETE
EL Nuevo Dia, Puerto Rico
Via ProOpera

ESTA ÓPERA es concebida como un espectáculo completo. Música, canto, teatro,ballet, gran escenografía, vistosos vestuarios, luces, más de 50 personas en escena y una orquesta sinfónica. Si a eso se une un auto sobre las tablas, reproducciones de cuadros del pintor cordobés Julio Romero de Torres y tres caballos marchando con el porte y elegancia de un duque, entonces se está frente a un espectáculo completo.

Eso es exactamente lo que ocurrió la noche del jueves en el estreno de la ópera “Carmen” de Georges Bizet, en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré. Fue una noche larga y que el público disfrutó enormemente, pese a que la función terminó casi a la medianoche.

Jehan François Boucher, director de escena de esta producción, logró revitalizar la ópera, ambientándola en los años 20, concretamente en 1921, como
se puede leer en uno de los dos afiches gigantescos que aparecen en el último
acto donde se anuncia la corrida de toros de Escamillo. El cuidado en cada
detalle es algo que se agradece. Ya sea el taxi amarilloen el que se escapa Carmen
al final del primer acto y el desfile de los ya citados caballos, Empeño, El Halcón y El Rey, que arrancaron calurosos aplausos de la audiencia.

En términos musicales, la batuta de la Sinfónica de Puerto Rico estuvo a cargo del director general de la Connecticut Grand Opera, Laurence Gilgore, quien manejó con sobriedad la partitura bizetiana, muy intensa en los pasajes más hispanos y también rica en melodías llenas de lirismo, como el dueto entre Micaela y don José en el primer acto y el preludio del tercer acto, momentos en que tuvo especial lucimiento. En el inicio del segundo acto, cuando Carmen baila en el tablao, el tempo inicial fue excesivamente lento, pero finalizó con la intensidad requerida.

La gran estrella de la noche fue la fogosa mezzosoprano puertorriqueña Jossie Pérez. Desde el momento en que aparece en escena (y de donde casi no sale por el resto de la velada), logra concentrar las miradas con su belleza, su sensualidad, su estilizada figura y -ciertamente- con su canto. Si bien “Carmen” no es una ópera muy difícil en términos vocales, si lo es por su longitud y por el crescendo dramático que requiere la obra.

Carmen es una mujer sin dios ni ley, sólo la suya, caprichosa, temperamental, intensa, apasionada en extremo y, en palabras de un vicario, probablemente con la moral de una gata callejera.

Cuando cantó su habanera no escatimó recursos actorales ni vocales para dar con el personaje. ¿Y qué más se puede hacer cuando se dice: L’amour est un oiseau rebelle / que nul ne peut apprivoiser ” (“El amor es un pájaro rebelde que nadie puede domesticar”)?

La voz de Jossie es cálida, de un timbre muy agradable y sin temor a aventurarse en la zona aguda de la partituracon tal de acentuar el dramatismo y, en su caso, la pasión irrefrenable.

Su contraparte es el joven tenor polaco Arnold Rutkowski, quien hace su debut en América. Con un comienzo más bien tímido y sin lograr una buena
proyección de su voz de tenor lírico, de hermoso color, pero de poco volumen, al parecer Carmen fue demasiado para él y de alguna manera lo intimidó en el primer acto y no logró dar con un don José embrujado por esta gitana. En el segundo acto se le vio con más ímpetu -la partitura lo exige-, con más dominio de su instrumento y, definitivamente, con más sangre en las venas. Eso sí, hizo un paréntesis para entregar una sentida versión de “La fleur que tu m’avais jetée”
(“La flor que me arrojaste”), una de las más hermosas arias para tenor.

En el último acto el don José, enceguecido por los celos, sólo apareció
en los minutos finales, lo cual es una lástima porque ésa es su escena más fuerte, donde muchos tenores hacen despliegue de un gran histrionismo.

Escamillo, el torero triunfador y supermacho, fue encarnado por otro joven cantante, el barítono norteamericano Trevor Scheunemann, quien debuta en este rol. Ciertamente que su físico es de gran ayuda -más de 6 pies-, buena presencia escénica y una voz resonante y con volumen suficiente le permitieron asumir el rol con propiedad. Su dicción de la lengua francesa, tanto como la del tenor, debe mejorar aún más para hacer más convincente su papel.

El hermoso rol de Micaela fue asumido por la experimentada Magda Nieves, una soprano puertorriqueña dueña de una voz generosa, de gran volumen e intensidad y también capaz de lograr pianísimos sublimes. Su aria del tercer acto fue una entrega memorable y ciertamente que recibió una merecida ovación del público. Lamentablemente, ello no quita que debió haberse elegido a una soprano más joven para el rol debido, precisamente, al carácter de muchacha inocente e ingenua que representa Micaela y que contrasta, especialmente en esta producción, con el
joven don José.

En roles secundarios, es necesario destacar a Melliangee Pérez, como
Frasquita y Patricia Vásquez, como Mercedes.

Muy bien estuvo el coro de Teatro de la Ópera, dirigido por Jo-Ann Herrero y especialmente el Coro de Niños de San Juan, preparado por Carmen Acevedo Lucío.

Para el final, una nota a nuestro público. Todo este esfuerzo por hacer ópera de calidad en Puerto Rico se empaña si la gente no tiene el comportamiento adecuado. Se trata simplemente de permanecer callado cuando se desarrolla la obra, y no hablo del uso de celular, sino de comentar a viva voz tal o cual cosa cuando un cantante se está entregando por completo en el escenario. Por respeto a ellos, al público y a quienes aman de verdad la música.

18 abril 2009

DIMITRA THEODOSSIOU y el coraje de Odabella


Entrevista exclusiva para OperaPeru.com

Por Gonzalo Tello

Pocas veces en Lima podemos disfrutar de la visita de una cantante tan grande e importante en la escena mundial como es la griega Dimitra Theodossiou. Nacida en Zurich, aunque creció en Atenas, Dimitra saltó a la fama y al primer circuito internacional cuando cantó por primera vez la Odabella, rol que canta hoy en Lima, en Bologna. A partir de entonces un sinnúmero de llamadas la han hecho cantante obligada de los principales teatros europeos. Su repertorio no es fácil, canta roles como “Lucrezia Borgia”, Elisabetta en “Roberto Devereux”, “I Lombardi”, Abigaille en “Nabucco”, así como la gran mayoría de Odabellas que se producen. Lo particular de esta soprano es su gran sencillez. Desde que llego a Lima se la observa con los ojos bien abiertos, bien atenta a lo que sucede alrededor, sin ningún rasgo de divismo, y conversar con ella es algo entretenido, pues además de contar sus cosas con entusiasmo, es una mujer muy segura de lo que dice. Ella, de forma muy simpática, me concedió una entrevista mas larga de lo habitual, junto a Ernesto Palacio, quien me apoyo con la traducción.

¿Que le parece hasta ahora su estadía en el Perú?

Es un mundo diverso, la gente es muy gentil y el clima es muy bueno.

¿Pensaba venir alguna vez?

¡No!, es uno de esos países que parecen lejanos (ríe)

¿Como se inició en la ópera?

Era mi amor y pasión desde los 6 años, desde que mi papá me llevo a ver “Il Trovatore”, yo quería ser Leonora ni bien salí del teatro. Yo quería estudiar canto, pero fue difícil, pues mi padre no la veía como una carrera seria. Estudie economía y cuando termine la carrera, conocí a mi profesora en un viaje.

Entonces se dio de forma casual…

¡Si! (ríe) el destino, y mi amor por esto que lo atrajo.

¿Desde siempre Atenas ha tenido una gran tradición lírica?

Si, desde siempre. Desde chica que yo iba al Teatro estable de Atenas, pase mi juventud en ese teatro. Hay una gran cultura de la ópera. Ahora hay cuatro grandes auditorios, y gran actividad.

Sin embargo con tanta actividad, no se considera esta una carrera seria.

Digamos que para un griego, no hay tanta oportunidad, pues tendría que ir fuera a perfeccionarse. La gran actividad que se da es con artistas y producciones de fuera.

¿En qué momento le llega su oportunidad de insertarse en el circuito operístico?

Con “Attila” en 1999 en Bologna, en la producción de Pier Lugi Pizzi y el director era Danielle Callegari. Además, da la casualidad que el asistente de la dirección era Massimo Gasparon, el director que ahora nos dirige. Apenas la hice, de repente me llegaron una cantidad enorme de contratos.

Aun en ese tiempo “Attila” no se hacia mucho…

Si pero yo gracias a dios yo la he cantado muchísimo luego de eso.

¿Como así llegó a encontrar este rol y hacerlo suyo?

Fue en Bologna que me lo dieron para hacer unas audiciones, y yo ni sabia quien había escrito al opera. El director Tanducci me eligió para cantar el rol, y yo lo acepté. Me dijo que vaya y lo estudie, y si no me iba bien lo podíamos cambiar, aunque creía que era la indicada para hacerlo. Compré la partitura y el disco, y cuando lo escuché la primera vez, me dije: “¡Dios! ¡Como pude haber aceptado esto!” (Ríe). Era un gran cambio, porque antes que eso yo cantaba todo el repertorio ligero de Mozart, también “Lucia”, “Traviata”, etc. Y era impensable que yo hiciera esta Odabella

¿Que versión escuchó?

Era la de Cristina Deutekom. Era la versión de Gardelli. Me acuerdo porque la compré por él.

Este rol, como el de Abigaille, esta prohibidísimo para estudiantes y sopranos que empiezan carrera. ¿Siempre tuvo esta predisposición para la coloratura y la voz grande?

Bueno, yo no canté estos roles desde el inicio, ya había cantado cosas ligeras antes de entrar a este repertorio. Por el lado técnico es muy difícil, y una soprano debe tener mucho coraje. Yo veo la música de un modo diferente: Si me gusta la música la acepto, luego si técnicamente me va bien, sigo para adelante.

¿Cómo piensa que es el personaje de Odabella?

El personaje es muy fuerte y de mucho coraje, y creo que es provocador al enfrentarse a Atila. También siente que hay riesgo, pues no sabe que puede pasar. Yo me siento identificada con estas características, por eso me gusta mucho.

¿Su repertorio se ampliará a personajes más grandes o diferentes?

Yo escucho las propuestas, las veo. Si el personaje me gusta, luego veo las dificultades musicales, y si las puedo hacer, lo hago. Además, me gustan los roles que no se han hecho mucho o son nuevos, porque así puedo crear el rol a mi manera.

Además, ya ha hecho esos roles nuevos…

Si, por ejemplo, “Cleopatra” de Lauro Rossi, últimamente “Coraddo de Altamura” de Ricci, “Ruy Blas” de Varchetti.

¿Hay algún rol imposible que le gustaría hacer pero no puede?

Me gustaría hacer “Il Pirata”,” I Puritani” o “La Vestale”, pero ese tipo de voz va en otra dilección. Esos roles los cantó la Callas.

Hace un año hizo un concierto en homenaje a Callas. ¿Qué tanta influencia tiene ella en su carrera?

Grandísima. Somos griegas, y además tenemos en común la lengua, el sonido que gracias a nuestra lengua lo podemos hacer de una manera particular, y el tema de la tragedia griega, que es parte de nosotras. Nos da una particularidad. Desde que ella murió, y cuando la descubrí, cuando yo tenia 10 años, le pedía a mi papa que me trajera sus discos en los viajes que hacia a Italia. Me refiero a ella cuando aprendo un rol, y si son roles que ella no ha cantado, recién ahí busco otros referentes.

¿A qué otros cantantes admira?

Por ejemplo, Leyla Gencer, por su modo de pensar y cantar. También a Nelly Miriciou. Es por su técnica y su forma de cantar, la cual capto y puedo aplicar a mi técnica, por eso lo disfruto mucho. También me gustan Caballe, o Sutherland. Claro que hay un límite técnico entre ellas y yo, pues cuando escucho cantar a la Caballe, no puedo encontrar la posición en su técnica, así que eso me perturba un poco porque yo no puedo seguirla. Me gustan más las cantantes en las que puedo encontrar esa técnica.

¿Qué piensa de priorizar la producción a la parte musical?

Yo creo que un cantante tiene un valor, y yo en el nivel que tengo busco que eso no me opaque. Personalmente cuando la producción es muy moderna, yo no la hago. Me parece que la parte musical es lo más importante. Yo hago todo lo que el director me dice, pero si la propuesta va en contra de la música, ahí es donde no estoy de acuerdo. Asi que me concentro en mi trabajo, que es el canto.

¿Cual es el Atila que mas la impresionado?

Yo diría tres: Scandiuzzi, Furlanetto y Pertusi. Seguro Ildar dará una buena impresión y un buen carácter, con ese ímpetu que tiene.

¿Que expectativas de esta producción?

Cuando firmo un contrato, llego hasta el final y quiero estar dentro. Veo que el reparto es excelente. Las condiciones no son las mismas que de los otros teatros, son un poco duras porque surgen situaciones, pero pongo de mi parte para lograr el mejor resultado.

¿Como lleva su vida privada?

¡Es un desastre! (ríe) Es una lucha constante entre el trabajo y la vida privada, que no me parece que sea tan relevante. Me gusta y aprecio la atención del público, pero no me gusta cuando se vuelve obsesiva.