29 octubre 2009

La gran Guadalupe Sánchez, entre barquillos y mollejas, celebra la zarzuela en Lima

Por Gonzalo Tello
Operaperu.com

La soprano española Guadalupe Sánchez ostenta una carrera envidiable. Ha cantado tanto opera como zarzuela junto a grandes como José Carreras, Pedro Lavirgen y Placido Domingo, así como ha sido una de las ganadoras del importante premio "Cardiff Singers of the World". Actualmente es una institución en el mundo de la zarzuela, cantando como prima donna en un sinnúmero de montajes en Espana y alrededor del mundo.

Lima tiene la suerte de recibirla después de muchos años para hacerle balance a la otra grande Milagros Martín, en estos dos titulos que presenta Romanza en la presente temporada, y que conforman parte del famoso triptico de Ruperto Chapi, completado por la famosa "La Revoltosa"

Cien años del Teatro Segura: Zarzuela brava


EL CENTENARIO DEL TEATRO SEGURA SE CELEBRA CON UN DESFILE DE MAJAS, CHISPEROS, ABATES Y CASTAÑERAS. “LAS BRAVÍAS” Y “LA CHAVALA”, PIEZAS DEL MAESTRO RUPERTO CHAPÍ, ABREN LA TEMPORADA DE ZARZUELA DE ROMANZA

Por: Enrique Planas
El Comercio, 29 de octubre

Todo verdadero amante de la zarzuela puede canturrear los dúos más conocidos de “La revoltosa” (estrenada en Madrid en 1897), una de las más célebres zarzuelas del maestro español Ruperto Chapí. Sin embargo, pocos saben que esta pieza formaba una trilogía junto con otras dos obras olvidadas por un siglo: “Las bravías” (1896) y “La chavala” (1898), ambas redescubiertas recientemente por el director madrileño Juan de Udaeta y que sonarán en Lima por primera vez en casi un siglo, en la breve temporada con la cual la Asociación Cultural Romanza celebra en grande los 100 años del teatro Segura.

Con estas composiciones, Chapí concibió tres historias de mujeres, de carácter y destinos distintos. Si la hoy famosa Maripepa era la revoltosa y desenfadada gitana que se divierte provocando a los hombres del modesto patio madrileño en el que vive, la menos conocida Patro de “Las bravías” aprenderá que la dulzura vence a la agresividad en los terrenos del amor; y Concha, la gitana protagonista de “La chavala”, conmueve por su frustrado, contenido y silencioso amor, obligada por las circunstancias a convertirse en “confidente” del hombre que desea.

En ambas piezas de género chico, por llevarse a escena mañana y el sábado 31 de octubre, hay un elenco notable: desde España arribaron las sopranos Milagros Martín y Guadalupe Sánchez, el barítono Javier Galán y el tenor cómico Carlos Crooke, quienes se encontraron en los ensayos con sus pares peruanos Francesco Petrozzi, Andrés Veramendi, Jackeline Terry, José Marino y Lorena Aranda.

LO POÉTICO Y LO POPULAR
Además de contar con la maestría del compositor Chapí, la trilogía compuesta por “La revoltosa”, “Las bravías” y “La chavala” tuvo como libretistas a un extraordinario tándem: José López Silva, un experto en el habla popular madrileña, y Carlos Fernández Shaw, académico y gran poeta lírico en su tiempo. “Es de admirar que en esa época el ego del creador no era tan fuerte como hoy”, comenta el director De Udaeta. “En el trabajo de ambos se dio una coincidencia histórica: el gracejo y el conocimiento del habla popular pasan por una estructura muy pensada y un altísimo vuelo poético. Allí está la genialidad de estas obras: saber combinar en su medida exacta el populismo y la finura del trazo del personaje”, explica.

28 octubre 2009

"Aida" y "Turandot" tendrán mas repeticiones en UVK Larcomar

"Turandot". Producción de Zeffirelli


Radio Filarmonía, a través de su página en Facebook, acaba de anunciar que, a pedido del público , se han extendido las repeticiones de las óperas "Aida" y "Turandot". La primera tendrá una tercera repetición el lunes 2 de noviembre a las 7:30 pm, y la segunda el lunes 16 de noviembre a la misma hora.

Ambas son títulos muy populares en nuestra afición, por lo que las entradas se agotaron rápido creando molestias, discusiones y mucha expectativa. No se descarta que los próximos títulos, como "Cuentos de Hoffmann", "Carmen" y los próximos también tengan mas repeticiones, por la demanda que tienen estas transmisiones, que ya sobrepasaron la capacidad de la sala.

Escena de "Aida" con Violeta Urmana y Carlo Guelfi

Las entradas para estas repeticiones, así como para "Les Contes d'Hoffmann", están a la venta desde hoy en la boletería Opera de UVK Larcomar.

27 octubre 2009

Milagros Martín conmemora a Chapí



Por Gonzalo Tello
Operaperu.com

Milagros Martín es considerada la mas importante figura de la zarzuela por su versatilidad como actriz y cantante, y también como una real "Show woman". Hace días pude verla ensayando la romanza de "La Chavala", y un par de regalos que ofrecerá en estas galas de zarzuela que se realizaran en el Teatro Segura. Su interpretación y magnetismo son evidentes y poco usuales.

Milagros converso conmigo sobre su visión del genero y específicamente sobre estos dos títulos, absolutas rarezas en estos tiempos que se vienen a recuperar aquí en Lima.



26 octubre 2009

"Aida" desde el Met. Hasta hubo caballos


Por Gonzalo Tello
operaperu.com

"Aída" es una opera con un drama intenso, que para cualquier director teatral representa un reto importante y emocionante, pues debe poder mostrar sentimientos complejos. De como Aída ama a Radamés, pero a la vez se siente frustrada por la guerra que libra Egipto contra su natal Etiopía, y como esta frustración trasciende en su autoestima y decisión de sacrificio. Por otro lado está Radamés, quien siente el fervor patriótico (típico de las obras de Verdi) y sueña con estar al frente y pelear por su patria, ama a la esclava etiope y siente la presión de Amneris que quiere casarse con el.

En la producción de Sonja Frisell, estrenada en 1988, y esta vez repuesta por Gianni Quaranta, no vemos bien desarrollados estos temas, como quizá los podemos desarrollar actualmente. Muchos momentos dramáticos se pierden por esa falta de necesidad tipica de la época y de lo que se buscaba con esta producción.

Y lo que se buscaba era deslumbrar. Hacer que los escenarios y vestuarios sean todo, lo que llene la vista y satisfaga la ilusión del público. Cada escena es cuidada en detalle y presenta un paisaje fastuoso, sobretodo la escena de la preparación religiosa de Radamés para ir a la guerra. Excelente coreografia de cantantes y extras que dieron un ambiente sacro al momento.

Los protagonistas estuvieron geniales, destacando Dolora Zajick, con una voz que no tiene mayor indicio de cansancio a pesar de haber cantado este rol por tantos años. Su tremenda escena del último acto arrancó la ovación general. También fue ella la que plasmó el mayor dramatismo en su actuación. La Aida de Violeta Urmana estuvo vocalmente pareja. La soprano alternó um excelente legato con pasajes en piano deliciosos en sus ambas arias, y fue poderosa en sus agudos en los concertantes.

Johan Botha, al que he visto muchas veces en vivo, fue un Radamés de lujo, pues este tenor no tiene pierde. De voz pareja y potente, también fue convincente en su actuación, ayudado por los planos cerrados de las cámaras.

Al que le queda el rol a pelo es al barítono Carlo Guelfi quien canto a Amonasro, Rey de Etiopía. Gran control de la voz en su exigente escena del tercer acto con Aida. Personalmente fue un placer escucharlo.

Vale destacar también al bajo Stefan Kocan como el Rey, de potente voz e imponente presencia; y al destacadísimo, y uno de mis favoritos, Roberto Scandiuzzi como Ramfis.

Daniele Gatti fue un monstruo con la orquesta. Elegante, ostentoso, y muy conocedor de la obra. Por momentos iba muy rápido a lo habitual, justificando lo más dramático en el texto. No entiendo por qué lo abuchearon en su primera noche.

Cabe destacar que este revival presentó una coreografía revitalizada dinámica e interesante, preparada por Alexei Ratmansky.

Las repeticiones de "Aida" van este lunes y miércoles a las 7:30pm en UVK Larcomar.

Luego de 50 años como tenor, Domingo se torna baritono


Por MIKE SILVERMAN
The Associated Press

Dio perfectamente todas las notas, su voz tuvo la calidez y potencia que le son características. Su técnica sigue siendo impecable.

Hay un pero.

Parece que ni el trabajo duro ni la fuerza de voluntad pueden transformar a Plácido Domingo en barítono, la tesitura para la que Giuseppe Verdi escribió el papel principal de su ópera "Simon Boccanegra".

Y ese problema se volvió evidente el sábado por la noche, cuando el legendario tenor español cumplió un sueño largamente acariciado, al actuar por primera vez como el Duque de Génova, en una nueva producción del Staatsoper Unter den Linden de Berín.

Pese a su determinado esfuerzo por oscurecer su voz y darle un mayor peso a su registro más bajo, hay poco que pueda hacer Domingo para modificar la colocación natural de su voz. Por ejemplo, cuando un barítono canta las notas más agudas en la gran escena de la Cámara del Consejo, la presión de la voz, al llegar al límite de las notas más altas en las que el cantante puede sentirse cómodo hace que la interpretación sea emocionante.

Para un tenor como Domingo, esas notas son simplemente demasiado fáciles.

En el otro extremo, logró dar algunas notas bajas de muy buena forma, cuando se concentró cuidadosamente. Pero en los pasajes que le pedían bajar repentinamente, el sonido de la voz fue notablemente más delgado. Tanto en su dúo con Amelia, la hija perdida durante años en el primer acto, como en el trío cuando se une la prometida Gabriele Adorno en el acto siguiente, la línea vocal de Domingo fue opacada por las demás.

En lo dramático, Domingo resulta creíble el personaje, que comienza la ópera como un joven marino, envejece 25 años para la segunda escena y tiene que mostrar tanto liderazgo político como ternura paternal. Si a esas exigencias se añade una muerte por un veneno de efecto lento, se tiene que el personaje está hecho a la medida para un actor de talento tan enorme como el que tiene Domingo.

Después de cinco funciones más en Berlín, hasta el 13 de noviembre, Domingo repetirá la actuación en Nueva York, Londres, Zurigh, Milán y Madrid.

Domingo ha reconocido que no puede convertirse en barítono, pero que este papel le atraía mucho, y los productores de la ópera no podrían negarle un gesto a un cantante de su estatura. Además, sus actuaciones en todo el mundo suelen agotar las localidades.

A sus 68 años, Domingo ha reducido su zona de tenor y ello ha restringido su repertorio.
Pero el solo sonido de su voz _aunque sea colocada en una tesitura que no le corresponde_ es capaz de provocar júbilo en un teatro, y esa capacidad debe apreciarse, especialmente ahora, que Domingo parece más cerca del final de su carrera con cada presentación.

Por lo tanto, era natural que el público en el estreno se pusiera de pie y que pidiera a Domingo y al elenco salir de nuevo para recibir los aplausos, que duraron 20 minutos.

Centenario del Segura se celebra con dos estrenos latinoamericanos


"Las Bravías" y "La Chavala" de Ruperto Chapí serán presentadas por primera vez en latinoamerica, como parte de las conmemoraciones del centenario del fallecimiento del compositor español. Esta temporada de zarzuela 2009, trae un reparto de lujo encabezado por MILAGROS MARTÍN Y GUADALUPE SÁNCHEZ. Estas dos obras no son montadas en decadas, y de seguro traeran gran atención a la temporada en Lima, sobretodo por la importancia del elenco presentado aquí.

Mas información en la página web de ROMANZA.

25 octubre 2009

Plácido Domingo triunfa en su debut como barítono en la Staatsoper berlinesa

EFE - BERLÍN. El tenor español Plácido Domingo ha puesto este sábado en pie al público de la Staatsoper berlinesa con su interpretación del atormentado Simón Boccanegra, el primer papel de su carrera operística en el que canta como barítono en una ópera.

Bajo la batuta del director argentino-israelí, Daniel Barenboim, el tenor español cumple así con su sueño de interpretar al corsario de la obra de Giuseppe Verdi, para el que no ha dudado en cambiar su registro, para deleite del respetable.

El público de la ópera de Unter den Linden reconoció los esfuerzos y el virtuosismo del español en el estreno con una acalorada despedida y con aplausos esporádicos que arrancaron con su primera aparición sobre el escenario y se fueron repitiendo durante las más de tres horas de espectáculo.

Intensa interpretación
Plácido Domingo, que ya había actuado de barítono en zarzuelas españolas, se ganó los aplausos de los entregados asistentes con su interpretación intensa, arrebatada y digna del Dogo de Génova.

La melodramática obra de Verdi, de tintes shakespearianos, aúna muertes, traiciones, celos y reencuentros familiares orquestados alrededor de la figura de Boccanegra, quien por aclamación popular e intrigas palaciegas pasa de corsario a gobernante de la ciudad italiana.

El "Simon Boccanegra" de Domingo se representará en Berlín durante varios dias de octubre, noviembre y marzo y posteriormente viajará a la Scala de Milán, en abril y mayo.

Kwangchul Youl en el papel de Jacopo Fiesco y Fabio Sartori en el de Gabriele Adorno consiguieron dar la réplica al maestro español y conformar memorables duelos vocales, lo que les granjeó algunas de las ovaciones más sentidas de la noche.

Críticas a la puesta en escena
La pieza de Verdi, de la que se interpretó su segunda versión de 1881, no convenció, sin embargo, en lo relativo a la puesta en escena del italiano Federico Tiezzi, que recibió los únicos abucheos de la velada, atenuados por los vítores brindados a Domingo y a Barenboim, principalmente.

El veterano tenor español, de 68 años, volverá a actuar el próximo 4 de noviembre a las órdenes de Barenboim en un concierto benéfico, en la Filarmónica de Berlín, destinado a recaudar fondos para la remodelación de la Staatsoper que dirige el músico.

Al término de la presente temporada, el 5 de junio de 2010, el histórico edificio de la avenida Unter den Linden bajará el telón durante un periodo de tres años con una función de "Eugen Onegin" de Piotr Tchaikovsky, que protagonizará el tenor mexicano Rolando Villazón.

Durante ese tiempo, en que la ópera berlinesa será sometida a una profunda renovación técnica, sus funciones se representarán en el Schiller Theater.

22 octubre 2009

Dudamel dirige Mahler y John Adams


Podemos ver en internet un especial de una hora del debut de Gustavo Dudamel frente a la LA Phil. El programa es conducido por Andy Garcia, y podemos escuchar y ver fragmentos de la primera sinfonia de Mahler y el estreno mundial de "City Noir" de John Adams. También podremos ver la magnitud de las celebraciones para recibir al director venezolano.

21 octubre 2009

"Aida" de Verdi, es lo que viene en vivo desde el Met a Multicines UVK


Radio Filarmonía y UVK Multicines presentan este sábado en vivo y el próximo lunes y miércoles en diferido la super producción de "Aida" de Giuseppe Verdi, en directo desde el Met.

Esta producción es una de las mas grandes que tiene este teatro. Estrenada en 1988, la directora Sonja Frisell preparo una version tradicional de la historia ubicada en el Egipto de los faraones. El elenco original fue encabezado por Aprile Millo, acompañada por el energético Placido Domingo, junto a Dolora Zajick y el gran Sherrill Milnes.

En este revival, veremos caballos, grandes pirámides y un espectacular despliegue de vestuarios, danza y luces, que estarán a cargo de Violeta Urmana, en el papel protagonista, debutando el rol en este teatro. Esta soprano Lituana, (quien casi llego a la presidencia de su país), nos entregara su version muy bien lograda, y que ya podemos apreciar, ya que existe el DVD donde ella encarna a la esclava etiope en la produccion de la Scala junto a Roberto Alagna.

Junto a Urmana, veremos a un poderoso tenor con voz robusta, aunque no muy buen actor, Johan Botha. Este sudafricano es uno de los tenores favoritos del Met, teatro donde ha cantado varios papeles protagonistas en los últimos años, como Calaf, Walther, Otello, Don Carlo, entre otros.

Demostrando que a pesar de los anos se mantiene vigente, Dolora Zajick sigue en carrera con el exigente rol de la princesa Amneris. Esta mezzo aclamada en todo el mundo tiene todos los ingredientes para sorprendernos este fin de semana. Junto a ellos veremos al destacado barítono Carlo Guelfi como Amonasro, el padre de Aida y Rey de Etiopía. Para completar este reparto de lujo, veremos al gran Roberto Scandiuzzi como Ramfis.

La orquesta esta vez sera dirigida por el italiano Danielle Gatti, quien destaca con una gran carrera y gran atención mediática en Europa, y quien acompaña a Urmana en muchas de sus presentaciones. Gatti es un fuerte candidato a ser director permanente en La Scala de Milán.


Ver esta "Aida" sera una experiencia especial. Como no es común en las transmisiones del Met, veremos una producción no solo convencional y tradicional, sino una fastuosa, que representa de buena manera lo que solían ser las producciones del teatro neoyorkino: Enormes producciones "a lo Broadway" dignas de la ciudad en la que estamos acostumbrados a ver deliciosos excesos en sus escenarios.


Podremos ver "Aida" en vivo este sábado 24 desde las 12m. y con repeticiones el lunes 26 y miércoles 28 a las 7:30pm, siempre en UVK Multicines Larcomar.

19 octubre 2009

Feliz cumpleaños Ernesto Palacio

Ernesto Palacio cumple años hoy, así que lo celebraremos escuchandolo en un disco que esta fuera de circulacion, y merece ser escuchado

Gioacchino Rossini
CIRO IN BABILONIA


Parte 1
Parte 2
Parte 3
Parte 4

Baldassare - Ernesto Palacio
Ciro - Caterina Calvi
Amira - Daniela Dessi
Argene - Oriana Ferraris
Zambri - Stefano Antonucci
Arbace - Enrico Cossutta
Daniello - Danilo Serraiocco

Orchestra Sinfonica di San Remo
Coro Francesco Cilea
Carlo Rizzi

Muy pronto, Juan Diego estará en Lima


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111 años de Deustche Grammophon

Con una gran compilación de lo mejor de sus grabaciones, Deutsche Grammophon cumple 111 años.

Entre las novedades hay un nuevo cd de arias de Handel por el bajo Ildebrando d'Arcangelo.




Dudamel disponible en iTunes


La rapidez del mercadeo en LA Phil es impresionante. Ni bien Gustavo Dudamel debuto como director de la orquesta, al muy poco tiempo de su concierto inaugural ya esta disponible la grabacion en vivo de la Sinfonia no. 1 de Gustav Mahler, que puede ser adquirida en iTunes.

14 octubre 2009

Plácido Domingo recibe premio Birgit Nilsson, lo reinvierte en categoria wagneriana en Operalia

RTVE.ES/EFE ESTOCOLMO.- El rey Carlos Gustavo de Suecia entregó el martes en Estocolmo al tenor Plácido Domingo el mayor premio de la música clásica, el de la Fundación Birgit Nilsson, que en su primera edición ha querido conceder al español un millón de dólares por su "legendaria" carrera y dedicación a la música.

La ceremonia de gala, a la que asistieron además de los soberanos suecos y varios ministros del Gobierno alrededor de 800 personalidades, se celebró en la Royal Swedish Opera, donde hace 63 años debutó la soprano Birgit Nilsson, un icono entre las intérpretes de ópera que se retiró de la escena en 1982 y que falleció en 2005.

La artista estableció antes de su muerte un legado para la institución de estos galardones, que se nutren de los intereses que genera su herencia, y especificó que el primer millón de dólares -la mayor cantidad de dinero con la que está dotado un premio de música, similar al Nobel- debían ser para el tenor español, aunque su decisión no se dio a conocer hasta febrero de este año.

Quiere promocionar nuevos talentos con el dinero

Domingo (Madrid, 1941) recogió muy emocionado el galardón y anunció que quiere destinar su importe a dotar un premio desde el concurso para la promoción de jóvenes talentos que él fundó en 1993, "Operalia", para el mejor intérprete wagneriano y, en definitiva, a la formación de cantantes y músicos.

"Estoy seguro de que Birgitt quiso que yo tuviera el premio para hacer con él precisamente esto", subrayó el artista, quien destacó la personalidad "magistral" de su benefactora, con la que coincidió numerosas veces en el escenario y a la que le unió hasta su muerte una profunda amistad y una admiración mutua "sin fisuras".

El tenor, que se levantó a recoger el premio de manos del Rey en medio de una gran ovación, señaló en varias ocasiones que estaba "muy emocionado", que hacía un gran esfuerzo "por contenerse" y que no tenía palabras para explicar lo que significaba para él que una persona a la que profesa "tanto respeto, admiración y amor, un ángel con un poder increíble en la voz", le hubiera elegido.

"Es uno de los momentos más emocionantes y honorables de toda mi carrera", reiteró Domingo, que escuchó sentado en el escenario, acompañado de su esposa, las "laudatio" del director de la fundación, Rutbert Reisch, del director de la Ópera de Hannover y adjunto del Festival de Bayreuth, Hans-Peter Lehman, y de la directora artística de la Royal Swedish Opera, Brigitta Svenden.

"¿Quién es ese chico que hace de Calaf?"

Ellos recordaron tanto el trabajo de Nilsson (1918, Vastra Karup) como el de Domingo y la amistad y la admiración que les unía, y la soprano sueca Nina Stemme, dirigida por Gregor Bühl, cantó "Liebestod" (de "Tristán e Isolda"), de Wagner, una de las piezas que más famosa hicieron a la filántropa.

Precisamente, Domingo lamentó en la brevísima rueda de prensa que concedió antes de la cena de gala que si algo lamentaba era no haber llegado finalmente a cantar con Nilsson el papel de Tristán: "me di toda la prisa que pude, como ella me pedía, pero fue demasiado tarde. Fue una extraordinaria artista y excelente persona, con un humor exquisito".

Nilsson y Domingo coincidieron por primera vez en la Arena de Verona, en 1969, cantando su primer "Turandot" juntos y desde entonces, cuando ella se preguntaba "quién es ese chico que hace de Calaf que no para", según recordó el propio Domingo, hubo entre ellos una admiración mutua que se acrecentó con los años.

En el futuro un jurado, que fallará el premio "cada dos o tres años" en función del legado, será el que proponga qué cantante, director o producción operística merece el galardón.


Nota: Domingo anuncio que "reusara" ese dinero para crear una categoría de "voz wagneriana" en Operalia.

13 octubre 2009

Juan Diego Flórez hace crossover: incursiona en pop tarareando "Nadia"

Y hablando de Juan Diego, aquí el vídeo que grabó junto a Pedro Suarez-Vertiz, en locaciones en Nueva York. Lo dirigió mi amigo Alvaro Quevedo. Se llama "Nadia" y es la ultima canción del cantante pop. Se supone que la cantarán en el concierto con JDF este 14 de noviembre en el Callao.

12 octubre 2009

EL Barbero de Sevilla en internet por esta semana

La producción del Royal Opera Covent Garden de "Il Barbiere di Siviglia" de Rossini estará disponible para ser escuchada a través del website de la BBC Radio 3. Esta produccion recibio grandes elogios, y no iba a ser para menos, pues tuvo un reparto de lujo.

La transmisión esta llena de comentarios y datos, por lo que la opera en si comienza luego de 25 minutos.
el reparto es :

Figaro ...... Pietro Spagnoli (baritone)
Count Almaviva ...... Juan Diego Florez (tenor)
Rosina ...... Joyce DiDonato (mezzo-soprano)
Dr Bartolo ...... Alessandro Corbelli (baritone)
Don Basilio ...... Ferruccio Furlanetto (bass)
Berta ...... Jennifer Rhys-Davies (soprano)
Fiorello ...... Changhn Lim (baritone)
Ambrogio ...... Bryan Secombe (bass)
Officer ...... Christopher Lachner (baritone)
Chorus and Orchestra of the Royal Opera House, Covent Garden
Antonio Pappano (conductor).

Orquesta Sinfónica Nacional realizará audición para seleccionar solistas


Con el fin de seleccionar jóvenes solistas peruanos o extranjeros para su temporada 2010, la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) realizará un proceso de selección que se realizará los días 23 y 24 de octubre en el auditorio Los Incas del Museo de la Nación (Av. Javier Prado Este 2465, San Borja) a las 15:00 horas. Postulantes podrán inscribirse directamente hasta el 15 de octubre.

Durante las audiciones, se seleccionará: pianista que participará en el ciclo Beethoven –mayo 2010-; violinista que tocará en el Concierto para violín de Beethoven en el verano 2010 y solista de cualquier otro instrumento.

Los postulantes, no mayores de 30 años, deberán acudir a la audición con su propio pianista-acompañante (para los pianistas se colocará un segundo piano) y tendrán que llevar una segunda copia completa de su música para la comisión calificadora.

Cabe indicar que una vez terminada la convocatoria se informará sobre el orden de participación de los solistas.

La comisión calificadora será presidida por el Director Titular de la OSN, Maestro Matteo Pagliari. Los demás integrantes serán anunciados una vez cerrada la inscripción.

Los postulantes podrán inscribirse hasta el 15 de octubre, escribiendo directamente al correo electrónico: sinfonicaperu@inc.gob.pe, indicando edad, lugar de estudio, nombre de su maestro, obra que presentará en la audición y nombre del pianista acompañante.

Los resultados serán publicados en la página web del INC (www.inc.gob.pe) en un máximo de quince (15) días.

"Tosca" en vivo desde el Met. Los abucheos siempre son exagerados


Por Gonzalo Tello

Los abucheos siempre son exagerados. Paso lo mismo hace no mucho en Santiago, cuando cuatro gatos gritaban que estaban “matando a Verdi” con un ballet que no tenia nada de transgresor ni podía ofender a nadie que viva en estos tiempos de cine, televisión y prensa amarilla. Con esto sólo causan falsas relevancias y mayores ventas de tickets.

En este punto, mucho de cierto tiene lo que dice Luc Bondy, director de esta Tosca: La opera es de su compositor y la casa editora, y no le pertenece a ningún director de escena. Por ende, las versiones "referenciales" no existen, solo los sentimientos y pasiones que despierta una obra lo son.

Esta "Tosca" no debe ser vista como una versión referencial, sino como una propuesta de un director que sabe imprimir su sello en cuanta producción ha hecho, y es un sello muy claro. Los que vayan a buscar candelabros, locaciones realistas y puras voces del siglo pasado están perdiendo totalmente la perspectiva de lo que es la opera. Tosca es una historia fea, escabrosa, neurótica y sádica de tres personajes, que evoca emociones y despierta incógnitas respecto a lo que vemos y lo nosotros mismos percibimos y vivimos. El resto es pura decoración.

Luc Bondy esta presente en muchos aspectos: en el detalle de los vestuarios, fabulosamente trabajados por la ganadora del Oscar Milena Canonero ("Barry Lyndon", "Chariots of Fire", "Marie Antoinette"), que no están basados en una época especifica, sino son una referencia de una época. También presente en su propuesta teatral. Bondy invoca al público a ir mas allá en la mera experiencia teatral. El no es explicito ni recargado como Zeffirelli, el obliga al publico a imaginar mas allá de lo evidente. El primer acto presenta el atrio de la iglesia hacia el lado del público, es decir, no se ve. Eso se evidencia cuando la masa coral avanza lentamente hacia el público, no hacia otro lado. El segundo acto no es mas grotesco que una serie de televisión, e ilustra perfectamente el personaje de Scarpia, un ser libidinoso y asqueroso.

A fin de cuentas, esta producción no tiene elementos transgresores, es una puesta tradicional pues no se sale de las indicaciones verdaderamente importantes de Puccini, pues las indicaciones decorativas no son relevantes, sobretodo cuando la obra se pensó para un publico de hace un siglo. En mi opinión, es una versión provocativa, sexy y limpia.

Musicalmente, el barítono George Gagnidze fue un Scarpia poderoso y robusto, extraordinaria entrega que mantuvo el nivel óptimo durante todo el tiempo.

Marcelo Álvarez suena mejor que nunca, entregó un excelente Cavaradossi que fue bien recibido con una ovación de pie de todo el teatro, y grandes aplausos de la sala de cine. La cual no debe haber sido la única que lo haya premiado así.

Karita Mattila entrego una Tosca llena de pasión y entregando todos sus recursos teatrales en este rol. Musicalmente estuvo al borde de su capacidad, pero su interpretación en general fue una que no muchas sopranos podrían llegar a producir.

En general la experiencia fue emocionante

Un punto a favor para el trabajo de Filarmonía y UVK: El sonido mejoró enormemente y estuvo espectacular. Nos ofrecieron un dolby digital que parece que ninguna otra sala en el mundo ofrece, según dijeron. Otro de los beneficios es que también es la única sala en el mundo que ofrece asientos numerados, lo cual alivia el tener que llegar muy temprano para separar sitios.

Otro de los grandes aciertos fue la decisión en conjunto de varios países de retrasar la transmisión en seis minutos, debido a los problemas que tenían los satélites debido a tormentas solares que se presentaron ese día y que afectaron enormemente la transmisión en EEUU y Canadá, según nos explico Martha Mifflin antes de iniciarse la función. Esa demora en la recepción de la señal dio como resultado una transmisión limpia, sin baches que suelen darse y que se tradujo en un disfrute pleno de la función.

Ojalá este experimento circunstancial de como resultado que las próximas transmisiones también vengan con minutos de retraso. Así se evitarían esos saltos o pérdidas de señal que a veces se presentan y molestan y distraen al público.

09 octubre 2009

Sylvie Valayre y su historia


Foto: Sylvie Valayre (soprano- Macbeth)
Crédito: Ken Howard / San Diego Opera


Por Ramón Jacques

Sylvie Valayre se ha caracterizado por ser una versátil soprano capaz de interpretar una amplia gama de personajes liricos, spinto, así como papeles de soprano coloratura dramática. Discípula de cantante como Christiane Eda-Pierre y Régine Crespin. Su larga y prolífica carrera la ha llevado a presentarse en importantes teatros de opera del mundo como: el Covent Garden de Londres, La Fenice de Venecia, Teatro alla Scala de Milán, Metropolitan de Nueva York, Opera de Paris, Deutsche Opera de Berlín, Lyric Opera de Chicago, Opera de San Francisco, Teatro Real de Madrid, Opera de Zurich, Teatro San Carlo de Napoles, Arena de Verona, Opera Estatal de Viena, Teatro Regio de Parma, Teatro Regio de Turín entre muchos otros, sobresaliendo en la interpretación de una extensa lista de papeles de operas de: Verdi, Puccini, Strauss, Giordano etc. Además de ser una gran cantante e interprete, Sylvie es una estupenda persona: amable, sencilla, simpática y afectuosa; y en esta entrevista nos habla mas sobre su carrera, la forma como concibe sus personajes y su pasión como interprete. Es además un pequeño homenaje a ella y una calurosa felicitación hoy 10 de octubre que es su cumpleaños. Bon anniversaire et À ta santé Sylvie!

¿Qué fue lo que te atrajo al mundo de la opera?
¡Desde niña siempre ame el teatro y el cine! Me fascinaba la posibilidad de cambiar de personajes, de la manera como hacen los niños cuando juegan, pretendiendo ser alguien más, como: un príncipe, una princesa, Zorro, Ivanhoe (aunque normalmente no les guste ser el villano). Yo quería, como todo niño, ser alguien más, y la mejor manera para mí de hacerlo era por medio del teatro, y así comencé a estudiar obras, a ver películas en televisión, asistir al cine y al teatro, primero con mi familia y después yo sola. Cuando decidí convertirme en actriz de teatro tuve el problema que mi maestra pensó que era demasiado robusta y que podría ser una actriz para papeles simpáticos. Claro que para la adolescente romántica que era yo, no lo soporte, y me retire cerrando la puerta pero con la certeza de que algún día dejaría de ser robusta y me convertiría en una actriz de papeles trágicos (ya que Shakespeare era mi dramaturgo favorito). Mas tarde descubrí la opera, por medio del cine y me dejó una gran impresión. Ya estudiaba música, y pensé que seria lo mejor juntar el teatro y la música. Fácil ¿no? Esto, sin saben o entender lo que me esperaba.

¿Cómo y donde ocurrió tu debut profesional?
Fue como un cantante de opera principiante cantando el papel del pastorcillo Jano (que canta no mas de tres minutos en checo) en Jenufa, y fue en la Opera de Marsella, al lado de la adorable Marita Napier como Jenufa y la gloriosa y Leonie Rysanek como Kostelnicka. La próxima temporada volveré a Marsella en Attila y en el 2011 para Andrea Chenier.

En los inicios de carrera cantante en la opera La Novia del Zar de Rimsky Korsakov al lado del maestro Mstislav Rostropovich. Seguro fue una experiencia muy significativa para ti….
¡Fue increíble! Para mí porque me iniciaba como cantante, y no habían pasado diez meses de mi debut en Jenufa. El Mastro Rostropovich y la Sra.Vishnevskaya me eligieron en una audición en Radio France. Cante algunas Melodías para niños de Prokofiev como El patito feo, y me sabia Sherezade de Rimsky, pero no hablaba ruso ni conocía la historia ni los hábitos de la Rusia medieval, y menos hablar de la forma como la nobleza bailaba en esa época. En apenas unos meses tuve que aprenderme la parte, reuniéndome con mi maestro de canto, mi coach de ruso, un amigo pianista que me enseñaba la parte y me corregía mi ruso, y la Sra. Vishnevskaya, la gran soprano rusa quien me enseñó el estilo. Ella fue la directora de escena y según recuerdo, fue muy severa, pero con seguridad tenía razón porque había cantado tantas veces el papel de Marfa que no podía ni tolerar algo mediocre. ¡Presentarse al lado de Rostropovich fue grandioso! En su manera de tocar el chelo expresaba los sentimientos humanos, y para mi su forma de interpretar era acerca de sentimientos y emociones y no solo para hacer gala de su increíble virtuosismo. Era lo mismo cuando acompañaba cantantes de opera, los escuchaba, los dejaba respirar, respirando con ellos, y haciendo teatro. Nunca sentí que fuera una estrella cuando conducía opera, aunque si lo era, y el público no lo miraba durante la función sino al escenario y escuchaba la música que ofrecía de manera tan generosa.

Verdi ha jugado un papel importante en tu carrera, y se que no te agrada la idea de ubicar las voces por repertorios o categorías, pero ¿Qué opinas cuando se menciona que tal o cual cantante es un verdadero verdiano en su forma de cantar?
Creo que se debe probablemente a la tradición de escuchar lo que decide si una voz es de un tipo o de otro. Por ejemplo, la idea del cantante Mozart ha evolucionado mucho, y como también en el caso de Verdi, no existían los cantantes verdianos antes de el, o wagnerianos antes de Wagner. De hecho, la primera Abigaille se encontraba en su momento cantando Lucia di Lammermoor. Es posible comparar papeles que más o menos utilizan el mismo rango de voz o se cantan con la misma fuerza sobre la orquesta, pero nada más. Una vez que se tiene el rango y la fuerza necesaria se debe estudiar el estilo el carácter y también la forma como suena la orquesta, que puede ser ligera y transparente o gruesa y pesada. Aunque, también la acústica de un teatro puede cambiar la perspectiva de la voz, sea verdiana wagneriana etc. Creo que en los escritos de Verdi es donde debemos encontrar lo que significa ser un cantante verdiano. El explica muy bien lo que quiere, tanto en sus escritos como en sus partituras. Pero ¿Como hacemos cuando dos grandes cantantes que han cantado Verdi, y también Monteverdi, cantan Wagner?

¿Consideras que haber nacido el 10 de octubre, mismo día en el que nació Verdi, te marco como una destacada interprete de este repertorio?
¡Claro que no! (risas), creo es solo una simpática coincidencia que le hace mas fácil a amigos músicos recordar mi cumpleaños.

¿Qué personajes te dan mas satisfacción interpretar en escena?
Obviamente los que poseen muchas facetas y son complejos como: Salome, Lady Macbeth, La emperatriz Kaiserin de Die Frau ohne Schatten, que aunque la he cantado solo tres veces en mi vida me encanta.

Escénicamente te caracterizas por dar mucho énfasis no solo a la interpretación vocal, si no también al desarrollo actoral de tus personajes. ¿Cuánto tiempo le dedicas, o consideras que se le debe dedicar a la parte de actuación de un papel?
Es difícil responder esta pregunta ya que lo mas difícil es aceptar o no un nuevo papel, y una vez que se acepta se debe leer la partitura para decidir la técnica y la manera como se debe cantar. Después, se debe decidir como darle vida al personaje y elegir los diferentes colores de la voz que serán necesarios para pintar sus sentimientos. Es un método similar al de un actor o al de un bailarín. Ellos también utilizan colores como los cantantes es la voz, pero para ellos es el lenguaje corporal. Piensa en el ballet El Lago de los Cisnes en el que la coreografía del cisne negro Odile es diferente al de la del cisne blanco Odette, que se supone son idénticos y son bailados por la prima ballerina. Las emociones cambian, en la vida real, ¿Por qué no habrían de cambiar en escena en el tono y color de la voz y el lenguaje corporal?

¿Consideras importante tomar como referencia grabaciones de cantantes del pasado o del presente para enriquecer tu interpretación de un papel?
La respuesta es si, si, y nuevamente ¡si! Agregaría ademas que YouTube es una manera fantástica de escuchar cantantes que se han ido y también colegas con los que nunca se ha tenido la fortuna de compartir un escenario. Es verdaderamente muy interesante y se puede aprender mucho.

¿Como se convirtió Salome de Strauss en uno de los papeles mas representativos de tu repertorio?
Por casualidad, ya que nunca tuve la intención de dirigirme hacia ese tipo de repertorio. Conocía muy bien los Lieder de Strauss, algunas partes orquestales y Der Rosenkavalier, pero estaba mas contenta aprendiéndome papeles italianos. Un día después de un ensayo de Madame Butterfly en Graz Austria, el director artístico de ese teatro Michael Lakner, me preguntó si consideraría Salome para una posterior temporada y yo respondí que no. Se rió y me pidió que leyera la partitura y le respondiera en seis meses. Regresé a casa y mí entonces marido, el director francés Jean Yves Ossonce, me aconsejó aceptarlo. Espere seis meses hasta que llegue a admitir que tenía razón y lo acepte. Mientras más lo estudiaba mas me encantaba. Salome tan joven, voluntariosa, mimada, terca, amorosa, pero enferma y loca. Era un reto como una actriz y cantante, y que tuve que hacerla.

Lady Macbeth de Verdi ha sido otro de tus papeles importantes. Para una interpretacion tan completa como le das ¿Como lo concibes ?

Trato de serle lo mas fiel posible a mi amado William Shakespeare. Lady mi entender debió ser una guerrera,pero es finalmente una mujer en la política, aunque se esconde detrás de la figura de su marido. En aquellos tiempos (finales del siglo 11 en Escocia) ninguna mujer podía gobernar un estado, pero en los tiempos de Shakespeare si se podía. De hecho, Elizabeth es una las gobernantes mas interesantes de su tiempo,ya que oficialmente decidió ejecutar a su prima María Stuarda por traición y por querer gobernar Inglaterra. Así que Lady Macbeth y Macbeth asesinando al rey Duncan, al General Banquo y a la familia de Macduff debieron ser las políticas habituales en ese momento. Lady Macbeth es ambiciosa y sabe desde el principio que haría cualquier cosa para alcanzar el trono y materializar la profecía de las tres brujas. Ella misma sabe que el verdadero problema es Macbeth, quien también es ambicioso, un buen general que no es político, pero que tampoco es solidario al rey. La historia completa es el ascenso y la caída de esta extraordinaria pareja, y como después de ser consumidos por la ambición mueren de diferentes formas de suicidio, por remordimiento ella (cae de la torre) y Macbeth como buen general lucha hasta la muerte. Lady Macbeth es inteligente despiadada, pero cautivadora y entretenida cuando debe serlo y al final es una pobre alma perdida. Imagínate que además Verdi escribió todas las indicaciones musicales que ayudan a la cantante a tener éxito con su interpretación. ¡Gran compositor y gran papel!

Con tu concepción tan clara de papeles como: Salome, Lady Macbeth o Tosca y otros. ¿Te interesan nuevas ideas de los directores de escena o estas abierta a otras perspectivas y formas de interpretación de los personajes?
Es verdad que he vivido con estos personajes por algún tiempo y que los conozco muy bien pero mi forma de hacerlos no es la única, así que claro, estoy abierta a otro tipo de concepciones, siempre y cuando tengan una explicación y exista una base. En ese caso puedo aprender nuevas cosas e intentar nuevas facetas de mis personajes. No me importa, por ejemplo, que Macbeth se sitúe fuera de Escocia, en otro siglo diferente al de Shakespeare o en producciones y con vestuarios modernos. No le cambia nada a la historia. Digamos que mi preocupación es que se altere la historia o en el arte.

¿Que otros compositores y personajes, además de los ya mencionados te estimulan y te satisfacen?
Amo también a Mozart, Puccini, Wagner etc. y hay muchos papeles como Fiordiligi, Donna Elvira, Isolda, Kundry, Turandot, Liu, Leonora de Fidelio, de Il Trovatore,y de Forza del Destino, y muchos otros mas. En realidad son demasiados.

¿Existe algún papel que no hayas cantado y que pienses debutar próximamente?
Mi próximo nuevo papel será el de Odabella en Attila de Verdi que cantaré en abril del 2010 en Marsella. Mi primer Wagner también vendrá pronto, pero con paciencia ya lo comunicare en cuanto sea posible.

Finalmente, ¿Qué es lo que te motiva a seguir adelante con tu carrera?
Me motiva cantar nuevos papeles, pero también viejos, y crear y revivir personajes desconocidos para mí con las palabras y la música con la que fueron compuestos, en algunos casos hace muchos siglos. El teatro y la opera fueron creados para ser interpretados y esa es mi pasión y mi trabajo por lo que ¿que mas se puede pedir?

Consultar: http://www.sylvievalayre.com/

Pavarotti es "Ernani"


Uno de sus grandes roles

Giuseppe Verdi
ERNANI


Ernani: Luciano Pavarotti
Elvira: Adelaide Negri
Don Carlo: Sherrill Milnes
Don Ruy Gomez de Silva: Ruggero Raimondi
Giovanna: Jean Kraft
Don Riccardo: Charles Anthony
Jago: Richard Vernon

Metropolitan Opera Chorus & Orchestra
Director: James Levine

Macbeth en Belo Horizonte


Foto: Jason Stearns (Macbeth), Cynthia Lawrence (Lady Macbeth)
Credito: Paulo Lacerda-Fundação Clóvis Salgado


Por Renato Rocha Mesquita

Macbeth, una de las obras maestras de Verdi, abrió la temporada lírica del Palácio das Artes en Belo Horizonte, con tres solistas internacionales invitados: Cynthia Lawrence (Lady Macbeth), Jason Stearns (Macbeth) y el veterano tenor mexicanoOctavio Arévalo (Macduff). Stearns inició hace no mucho su carrera, y junto a Lawrence, ambos ya se han presentado en el Metropolitan de Nueva York. La Orquesta Filarmónica de Minas Gerais hizo una brillante interpretación de una partitura que reluce a veces momentos de gran sutileza y en otros pide solamente que los músicos acompañen con sumisión la línea vocal – aunque sea lamentable la decisión de eliminar el bailable del tercer acto, uno de los más integrados en la acción y uno de los más satisfactorios musicalmente entre las tantas partes de ese género compuestos por Verdi. El director musical de la OFMG, Fábio Mechetti, se presentó en San Pablo la noche del estreno, y fue reemplazado con competencia por su asistente, Fábio Costa. Pero en las funciones siguientes Mechetti dejó claras las razones por las cuales es uno de los directores de orquesta brasileños en ascenso en escenarios internacionales – aunque no posea todavía mucha intimidad con las convenciones del teatro de ópera pues intentaba todo el tiempo, con gestos nerviosos de las manos, evitar que el aplauso del público interrumpiera la continuidad musical. Para Lawrence, el papel de Lady Macbeth supuso grandes problemas en la función de estreno; y dio señales evidentes de cansancio en las demás (cuatro funciones de esa ópera en una sola semana es un verdadero tour de force para la soprano). La voz no es particularmente hermosa – lo que de resto corresponde a las intenciones del compositor – y no obedece siempre a lo que quiere la cantante, pero es voluminosa y tiene grande extensión. Tuvo una cierta ferocidad su cabaletta del primer acto y tuvo buen control de su participación en los concertati después del asesinato del rey y en la escena del banquete. Es una lástima que su re agudo – la nota emblemática con que se cierra la escena del somnambulismo – fuera solamente aproximativo y cantado ya casi en los bastidores en los dos espectáculos a los que pude asistir. Más sutil y con un timbre que a veces recuerda al de Sherrill Milnes, Jason Stearns hizo de Macbeth una interpretación más exacta. Al contrario de su compañera de reparto, su estreno fue inseguro pero mejoró gradualmente: él cantó de modo muy brillante en la última función y mereciendo por eso una ovación del público. En su aria Pietà, rispetto, amore, además de una interpretación conmovedora, enseñó sutilezas de mezzavoce y de legato que lo indican para hacer otros roles de barítono verdiano. Luis Molz (Banco), bajo brasileño desconocido en su propio país hasta esta fecha, hace carrera muy prometedora en teatros alemanes. Quizás el papel fue pesado para su hermosa voz de bajo-cantante. Hizo bastante bien el dúo del primer acto con Macbeth, pero le faltó energía y resistencia en el aria Come dal ciel precipita, y no supo hacer de ese un momento inolvidable. Octavio Arévalo no llegó a comprometerse, y burocrático en su interpretación y casi inaudible, no entusiasmó el público con su aria. ¿No tendríamos en Brasil un otro cantante capaz de dar a Macduff la dimensión exacta de que necesita el tenor de esa ópera? Decorado, trajes y dirección de escena no correspondieron a la actuación de los cantantes y al rendimiento musical. Los decorados fueron poco originales; el diseño de iluminación fue deficiente (con excepción de la escena del asesinato de Banco); y fue excesiva la utilización de humo para crear un clima misterioso – en suma, el director Cléber Papa, que en otras ocasiones fue eficiente en sus puestas en escena, no supo, esta vez, crear la ambientación de barbarie medieval que la ópera requiere y, además, su concepción del espectáculo tuvo momentos confusos, que fueran perjudiciales para pasajes importantes de la acción. Causó daños a la escena de las apariciones, por ejemplo, el exceso de comparsas; y en la batalla final, que no tuvo visiblemente pruebas suficientes, la cacofonía de sus gritos y movimientos en escena no permitió oír el fugato escrito por Verdi para ese pasaje que, ello solo, representa con elocuencia las partes en conflicto.

Pavarotti desde el Met

Aquí una selección de arias y escenas de diversas presentaciones durante muchos anos en el Met, su casa desde 1968.

LO MEJOR DE LUCIANO PAVAROTTI DESDE EL MET

Arias de

Rigoletto (1973 - con Reri Grist),
La Fille du Régiment (1973),
I Puritani (1976)
La Bohème (1977),
La Favorita (1978),
Luisa Miller (1982),
Ernani (1983),
Aida (1986)

Those were the days! Pavarotti en concierto

Celebrando el cumpleaños de uno de los mas carismáticos y talentosos tenores del siglo pasado, Luciano Pavarotti, aquí una grabación de cuando era joven, y estaba en excelente forma.

Luciano Pavarotti recital

01. O muto asil... Corriam! voliam! (Rossini - Guglielmo Tell)
02. A te, o cara (Bellini - I puritani)
03. Com'e gentil (Donizetti - Don Pasquale)
04. Giunto sul passo estremo (Boito - Mefistofele)
05. Ah si, ben mio...Di quella pira (Verdi - Il trovatore)
06. Cielo e mar! (Ponchielli - La Gioconda)
07. Che gelida manina (Puccini - La Boheme)
08. Lamento di Federico (Cilea - L'Arlesiana)
09. Io conosco un giardino (Pietri - Maristella)

08 octubre 2009

Los Alagna se divorcian

Según mi hermana mayor Opera Chic, los Alagna, Angela y Roberto, se separan después de 12 años de matrimonio, mas operístico que real. Eso no es novedad, luego de tantos dimes y diretes en la prensa, y también por la clara falta de profesionalismo de Angela al cancelar compromisos solo por no querer cantar al lado de Roberto.

Fin al culebrón.

07 octubre 2009

Nueva temporada HD augura éxitos en Lima

Por Gonzalo Tello
Operaperu.com

El "dúo dinámico" de la cultura actualmente, Martha Mifflin y Mónica Ubillús, la primera directora de Radio Filarmonía, y la segunda gerente general de UVK Multicines, unen esfuerzos nuevamente para traer la temporada 2009-2010 de transmisiones en vivo en HD desde el Met al Perú. Cada una conversó conmigo y me contó aspectos poco difundidos y conocidos de esta experiencia.



06 octubre 2009

Renée Fleming vuelve a ser "Lucrezia Borgia"


Gaetano Donizetti
Lucrezia Borgia

Washington National Opera
Noviembre 2008

Transmisión vía World of Opera


Renée Fleming ... Lucrezia Borgia
Vittorio Grigolo ............. Gennaro
Kate Aldrich ........... Maffio Orsini
Ruggero Raimondi ..... Alfonso
Grigory Soloviov ..... Gazella
Oleksandr Pushniak .... Petrucci
Jesus Hernandez .... Liverotto
Jose Ortega ....... Vitellozo
Robert Cantrell .... Gubetta
Yingxi Zhang .... Rustighello
David B. Morris ..... Astolfo
Washington National Opera Orchestra and Chorus
Placido Domingo, director

mp3 320 kbps, stereo

Dudamel llega a LA

Como si fuera un rey. Gustavo llega a Los Ángeles a partir de esta semana, en que la LA Phil y las diferentes instituciones culturales de la ciudad lo reciben como un consagrado. Incluso el presidente Obama mando una carta de bienvenida al director representante del famoso "El Sistema" venezolano.

El pasado sábado 3 se hizo el concierto "Bienvenido Gustavo" que duro mas de 5 horas, con interpretaciones de la orquesta Juvenil de LA, la LA Phil y diferentes grupos de la ciudad.



Este recibimiento a Gustavo se hace por todo lo alto, como una forma de crear "producto Dudamel". Para eso la LA Phil tiene una pagina web interactiva y no ha escatimado en gastos. La publicidad es agresiva, con publicidad exterior, videos, entrevistas, blogs y podcasts celebrando al nuevo director y lo que sera su primera temporada frente a la orquesta.

lo mas curioso de toda esta avalancha de publicidad es la creacion de dos juegos, uno para PC y el otro para iPhone/iPod Touch, llamado "Bravo Gustavo". En el juego para PC, uno tiene que golpear las notas conforme Gustavo dirige la "Sinfonía Fantástica" de Berlioz. En la aplicación para iPhone, uno debe conducir la obra moviendo el teléfono como si fuera una batuta.

Estos juegos se pueden jugar online, y en el caso de la app, bajarla a tu iPhone o iPod touch via iTunes.

“Buon compleanno, maestro”

Grandes voces de la lírica internacional se reunirán en el Teatro Comunale de Boloña el próximo 12 de octubre para homenajear, en el que fuera el día de su cumpleaños, al gran tenor italiano Luciano Pavarotti.

Organizado por la Asociación que lleva el nombre del desaparecido artista y por su viuda, Nicoletta Mantovani, el excepcional evento contará con la participación de, entre otros, Raina Kabaivanska, Fiorenza Cedolins, Marcello Giordani, el bajo Carlo Colombara, que compartió escenario con el célebre tenor la última vez que éste interpretó el Requiem de Verdi en el Teatro San Carlo de Nápoles, o la pareja de oro de la lírica italiana, Daniela Dessì y Fabio Armiliato, colegas además de grandes amigos de Pavarotti.

Bajo el título de “Buon compleanno, maestro”, el evento recogerá fondos para ANT, una asociación italiana que lucha contra el cáncer.

El premio “Claudio Monteverdi” será para Carlo Colombara

El premio “Claudio Monteverdi”, asignado por la asociación cultural de Amigos de la Lírica de Cremona, se otorgará este año por primera vez a un bajo: el cantante italiano -afincado en España- Carlo Colombara, considerado en la actualidad como toda una referencia en el repertorio para su cuerda. Sus incursiones en el bel canto romántico o en el ámbito de la creación francesa han recibido el aplauso unánime del público y de la crítica, consiguiendo en el estilo verdiano algunos de sus triunfos más sonados al estar reconocido como uno de los intérpretes más sobresalientes del compositor italiano. Su timbre poderoso, amplio y con un gran poder de comunicación lo ha entronado en lo más alto del universo operístico contemporáneo, siempre ligado a un importante talento como actor.

El premio otorgado por la ciudad lombarda tuvo su primera edición en 1969 y a los largo de sus cuarenta años de historia ha premiado a célebres cantantes tan emblemáticos como Mirella Freni, Raina Kabaiwanska, José Carreras, Renato Bruson o Leo Nucci, entre otros.

La ceremonia de entrega del premio tendrá lugar el próximo 17 de noviembre en el Teatro Ponchielli de Cremona, Italia.

05 octubre 2009

"La niña de las nubes" de Heitor Villa-Lobos, repuesta por primera vez desde su estreno

Por Renato Rocha Mesquita

Solistas: Gabriella Pace (Menina das Nuvens), José Carlos Leal (Tempo),Inácio de Nonno (Corisco) Homero Velho (Vento Variable), Regina Elena Mesquita (Rainha) Flavio Leite (Soldado) Fabíola Protzner (Anita), Aline Soares Araujo (Mãe), Indaiara Patrocínio (Lua), Melina Peixoto (Lua), Wellington Vilaça (Príncipe). Orquestra Sinfônica de Minas Gerais y Coral Lírico de Minas Gerais. Dirección musical: Roberto Duarte, Dirección de escena: William Pereira, Escenografía: Rosa Magalhães, Diseño de iluminación: Pedro Pederneiras, Corógrafo: Tindaro Silvano. Palácio das Artes- Grande Teatro de Belo Horizonte, Minas Gerias Brasil. 26 de septiembre de 2009.

Es una lástima que el Palácio das Artes en Belo Horizonte, Brasil estuviese medio vacío en la primera función de A Menina das Nuvens (La Niña de las Nubes) de Heitor Villa-Lobos, obra que no se cantaba desde su estreno en Río de Janeiro en 1960, hasta esta fecha. Como es habitual en la obra de Villa-Lobos, la inspiración melódica no ocurre todo el tiempo, lo que denuncia la prisa en la composición y la negligencia en la revisión, típicas de la personalidad inquieta del compositor. Pero, cuando esa inspiración se hace presente, ella se traduce en momentos conmovedores en los cuales el contrapunto, los ritmos múltiplos, la intervención del coro como instrumento de la orquesta y las armonías originales revelan las mejores calidades del compositor brasileño.

La ligereza de la instrumentación del primer acto, que ocurre en el cielo, sorprende. El segundo acto es más rutinario y no despierta gran entusiasmo, como si el compositor hubiese guardado lo mejor para el final. El tercer acto reluce melodías generosas, opulencia orquestal y un finale magnífico que nos hace pensar en las mejores partes de las Bachianas y de los Choros. El tercer acto por si solo justifica el esfuerzo de poner en escena esta larga y compleja obra que quedó olvidada durante cincuenta años.


El texto, una pieza para niños de Lúcia Benedetti, contiene diálogos cortos en lenguaje coloquial, a veces casi ingenuo. No existen grandes monólogos y por eso es difícil la composición de arias que ofrezcan a los cantantes buenas oportunidades de expansión vocal. Dos ariosos en los dos primeros actos y tres arias en el tercero es poco para una ópera que dura más de dos horas. Casi todo el tiempo Villa-Lobos usa un parlando que no obedece siempre a la prosodia del portugués hablado. Los diálogos, muy largos, podrían ser reducidos si el comentario orquestal no fuese tan hermoso. La monotonía de un texto repetitivo es compensada por sonoridades riquísimas con la habitual evocación en Villa-Lobos de ritmos de danzas populares, vals, samba, maxixe.

La Orquesta Sinfónica de Minas Gerais dirigida por Roberto Duarte, experto en la obra del compositor, tocó bien y nada más. Duarte se encargó de la revisión de la partitura e introdujo, como preludio al primer acto, una pieza compuesta sobre los temas más importantes de la ópera. Su trabajo, responsable del éxito del espectáculo representa el rescate de la memoria musical de Brasil al sacar del ostracismo una obra casi perdida.

La soprano Gabriela Pace, en el arduo papel principal de tesitura muy amplia, está en el auge de su carrera. El momento más mágico de la noche fue su pianísimo sostenido al final de la “Invocación a la Luna”. El bajo José Carlos Leal (el Tiempo) reemplazó a Lício Bruno quien sufrió un grave accidente en la víspera del estreno. El rol no le representó ninguna dificultad vocal a Leal, pero él se sentó del lado derecho del escenario con la partitura en las manos mientras que un mimo representaba su papel. El barítono Homero Velho (el Viento Cambiante) cantó con hermosos matices de colorido vocal. Su arioso del fin del primer acto merece estar entre las mejores canciones de Villa-Lobos. El barítono Ignácio de Nonno (Relámpago), que se cargo de un papel que en el estreno le fue confiado al famoso tenor brasileño Assis Pacheco, encontró problemas con la tesitura muy aguda y presentó con frecuencia un desagradable vibrato. Es, sin embargo, un buen actor cómico y su actuación de personaje cobarde que supera su miedo y se transforma en un rayo de sol nos recordó el Papageno de la Flauta Mágica.

La mezzo Aline Soares (la Madre de la Niña), la soprano Fabíola Protzner (su Hermana) y el tenor Flávio Leite (el Soldado de Plomo) – muy buen actor – son voces que valen la pena ser observadas en el futuro. La voz de la mezzo Regina Elena Mesquita (la Mala Reina) no es más la misma, aunque su talento cómico y su presencia escénica se mantienen intactas. Vestía un increíble sombrero de plumas, un vestido rosa, una capa dorada, guantes y una cartera colgada al hombro, conjunto con el cual parecía una caricatura de la reina de Inglaterra.

Los impecables decorados y trajes de Rosa Magalhães (la hija de Benedetti) crearon efectos de gran poesía en el primer acto y en la escena de la aparición de la Luna – un disco de neón que baja del cielo y trae a la cantante al escenario, lo que nuevamente nos hizo pensar en la Reina de la Noche de la ópera mozartiana. También contribuyeron con la calidad del espectáculo la muy eficiente dirección de escena de William Pereira, el mágico diseño de iluminación de Pedro Pederneiras y la óptima coreografía de Tíndaro Silvano, en una ópera en la cual los bailables juegan un papel muy importante.

No deberían engañarse los que piensen que La Niña de las Nubes es una ópera para niños (por lo menos no para los niños de hoy, acostumbrados a cuentos tontos y a musiquitas que idiotizan). La opera es larga y la trama está llena de situaciones “políticamente incorrectas”: leones hambrientos que quieren devorar los personajes; referencias al acoso moral de los poderosos y a la violencia de la policía; y la Reina/Bruja sufre la suprema humillación de ver su nariz transformada ¡en un pan tostado! Sin duda esa Nina de las Nubes fue el homenaje más importante que se hizo en Brasil en conmemoración del quincuagésimo aniversario de la muerte de Villa-Lobos.

Marcelo Álvarez: "A mas pifias tengan, mayor trabajo tendrán"


En una entrevista para Asociated Press, el tenor Marcelo Álvarez habla de su experiencia en la reciente producción de "Tosca" en el Met. Y dice una serie de cosas, entre ellas, lo que no funciona de esta producción en su opinión.

Álvarez piensa que Luc Bondy, director suizo abucheado por su trabajo en esta ópera, es un gran director, pero su trabajo en esta "Tosca" no funciona, especialmente en el acto 2. la escena parece mas un búnker alemán que el Palacio Farnese de Roma, según la indicación explicita de Puccini. Muchas referencias del director también parecen "Anti católicas".

"Bondy se dejó influenciar por su concepto en el acto 2, en vez de dejar a la música hablar por sí misma", dice Álvarez. En este acto, Bondy agrega a tres prostitutas, no incluidas en el libreto. Ademas, Puccini escribe que Tosca, luego de matar a Scarpia, debe poner tres candelabros, dos a los lados y uno en su pecho. En vez de esto, Tosca se asoma a la ventana, esta por lanzarse, pero retrocede y se sienta en un sofá, relajándose con el abanico de la Attavanti.

La Damnation de Faust en México

Enkelejda Shkosa, Ruben Amoretti, Ramon Vargas.
Credito: F.S. / Conaculta


1
No es el secreto mejor guardado en México que ocurrencias, caprichos e intereses particulares han servido a los directivos de la Compañía Nacional de Ópera como guía para definir su programación desde hace ya mucho tiempo. Con Alonso Escalante a la cabeza de la institución, el sistema no parece ser muy distinto.
2
La creación y retención de públicos, el armado de un repertorio de títulos básicos que nutren a cualquier compañía del mundo por modesta que sea —puesto que en el país no lo tenemos—, el aprovechamiento del talento nacional —compositores, cantantes, directores, creativos— que clama por la oportunidad de expresarse, las producciones y coproducciones pensadas para reponerse en diversas plazas y así aminorar el impacto de sus gastos y elevar el número de funciones, todo lo cual podría traducirse en un posible incremento de la calidad presentada, hoy no son criterios que influyan en la CNO para armar su temporada lírica. Y quizás sea ésa la razón que explica por qué la Compañía Nacional de Ópera —que pretendidamente intenta pasar por Ópera de Bellas Artes— perdiera su lugar preponderante en la producción y presentación de ópera en México. Numerosos estados de la república a través de sus institutos de cultura y universidades, la iniciativa privada, asociaciones civiles: cualquier esfuerzo —incluso mediano— por hacer ópera, la han dejado atrás. Rezagada y en evidencia de su burocratismo inoperante, incapaz de modernizarse y responder a las necesidades actuales del país.
3
La condenación de Fausto, leyenda dramática en cuatro partes de Hector Berlioz, estrenada en su versión original de concierto en Francia, en 1846, y en una escenificable en 1893, se presentó los pasados 27 de septiembre y 1 de octubre, en la Sala Nezahualcóyotl de Centro Cultural Universitario, como parte de la Temporada 2009 de la CNO. Para este par de funciones, se optó por la versión de concierto que por las condiciones de hambruna operística no la hacen la más deseable para el público.
4
La selección de este título fáustico es posible entenderla girando en torno a una sola persona. A un cantante sin duda destacado y de credenciales artísticas irreprochables: el tenor Ramón Vargas, otrora representado en México por el hoy director de la CNO Alonso Escalante. El año pasado, aún con la administración de José Areán, ocurrió algo parecido con la presentación de Eugene Oneguin. Aunque se programó por él, en ese entonces el maestro Vargas decidió cancelar y dejarnos a la CNO y al público que deseábamos ver su aclamada interpretación de Lensky con la mesa servida, acaso con razones contundentes pues por lo visto la producción fue poco menos que mediocre y en todo caso muy distinta de la que le habían hablado. Ahora, dentro de algunas semanas, Ramón Vargas, como parte de sus importantes compromisos internacionales, participará en La condenación de Fausto en la Metropolitan Opera de Nueva York y es de suponer que no le venía mal ensayarla aquí, con coro, orquesta, demás solistas, incluso en una sala donde el público lo ovacionó desde que salió al escenario. Sin siquiera poner en duda el nivel artístico de sobra demostrado por Ramón Vargas a lo largo de sus 27 años de carrera profesional, dos preguntas más bien hacia la CNO:

1.- ¿Debemos asumir que en su operación es prioritario el beneficio particular que determinar políticas públicas de bien común?
2.- ¿A quién más está dispuesta a brindar privilegios tales como servir de sparring? ¿De disponer un encuentro para pelotear, para soltar las piernas, para un partido amistoso?
5
La voz de Ramón Vargas es aterciopelada, cálida, de un timbre muy bello y emitida con depurada técnica y control. Su dicción del francés les pareció meritoria incluso a varios franceses que estuvieron presentes en la Sala Nezahualcóyotl en este par de funciones. No obstante, la orquestación berlioziana resulta demasiado densa para sus características vocales, para su volumen, su potencia, incluso por momentos para su color. El resultado fue que su instrumento no se alcanzaba a escuchar del todo y de hecho se perdía en los números de conjunto. Consciente de ello, en el transcurso de la ejecución Vargas pareció no inseguro pero sí estar probando diferentes recursos como colorear pasajes de distinta manera, medir frases, encontrando ventanas orquestales por las cuales asomar la voz, dando mayor fuelle a su volumen, en suma, tanteando la obra. Más precavido que entregado. Como alguien que está en una casa vacía y piensa dónde colocar la sala, dónde el televisor, en qué pared algunos cuadros, en qué habitación la cama.
6
La mezzoprano albanesa Enkelejda Shkosa cumplió con una destacada intervención en el rol de Margarita. Su voz se proyectó de entre la música con firmeza y se ajustó en estilo e interpretación de su papel. El bajo-barítono español Rubén Amoretti hizo un Mefistófeles de gran personalidad vocal. Con una técnica que cubre la emisión de su voz para darle oscuridad y uniformidad en todo su registro, y haciéndola elegante y misteriosa a la vez. Los ataques de su fraseo fueron en ocasiones algo guturales para sonar con el color oscuro que quizás no tenía del todo cuando cantaba de tenor, al inicio de su carrera. El barítono Jorge Lagunes cantó el breve rol de Brander y no lo hizo mal.
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“Griten, griten de terror, griten como un huracán, giman como un bosque profundo, que las rocas caigan y los torrentes se precipiten, griten de miedo porque en este instante ven pasar por el aire los caballos negros, las campanas se apagan, el sol se extingue, los perros gimen, el diablo se ha adueñado del mundo (…) Dense cuenta, están cantando el Fausto de Berlioz, no para gustar, no para impresionar, ni siquiera para emocionar; lo están cantando para espantar: ustedes son un coro de aves de pésimo agüero (…) ¡Griten!, griten al mismo tiempo su terror y su agresión, defiéndanse, el diablo no es uno solo, ése es su engaño, posa como Mefisto pero el diablo es colectivo, el diablo es un nosotros inmisericorde, una hidra que desconoce la piedad o el límite…”.
Las anteriores, son algunas de las palabras con las que el director de orquesta Gabriel Atlán-Ferrara preparaba para La condenación de Fausto a sus huestes corales y orquestales en Instinto de Inez, la novela de Carlos Fuentes. Si consideramos esa directriz en La condenación de Fausto de la Sala Nezahualcóyotl, la Schola Cantorum de México, el Coro y la Orquesta del Coro del Teatro de Bellas Artes bajo la batuta concertadora de Ivan Anguélov cumplieron con una labor extraordinaria. Salvo en un pasaje que curiosamente habla de dormir, el sonido fue demoníaco, sin matices ni pianos. Con todos los solistas y agrupaciones arriba del escenario, saturó incluso la Nezahualcóyotl. Aunque ni así despertaron a los numerosos integrantes del público que tomaban la siesta a mi alrededor.
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Siempre será un privilegio que estrellas como Ramón Vargas canten en los recintos de nuestro país. Pero no necesariamente en estas condiciones en que se viene a foguear —que es muy distinto de debutar— un papel, no en una versión de concierto que no es lo más apetecible para la ópera como género, no en un contexto operístico de sequía como el que encabeza la CNO, en el que las oportunidades y ventajas que se le dan a las figuras consagradas se le escatiman a los jóvenes, tal como según su propio testimonio le ocurrió a Ramón Vargas en sus inicios, en México, hasta que mejor se marchó del país: “Yo me fui con la misma tristeza que nos vamos todos aquellos mexicanos que buscamos oportunidades. No me marché para crecer, como debió haber sido, sino para buscar las oportunidades que aquí nunca me ofrecieron. Es muy distinto salir porque quieres desarrollarte y enriquecerte profesionalmente, a irte por necesidad (…) De verdad es una situación desesperante y que, a veces, te hace perder el equilibrio” (Pro Ópera año XI, número 4, julio-agosto de 2003). Vargas se fue, triunfó y se equilibró en un camino trascendente de la lírica. Pero muchos otros se quedan, pierden el equilibrio y caen en el olvido, en la frustración. Desde luego eso no es responsabilidad más que de una estructura lírica nacional que no identifica sus talentos ni los procura ni desarrolla. Que no acaba de entender que hay acciones honestas pero inmorales, como diría Gabriel García Márquez en Entre cachacos. Y mientras todo eso siga ocurriendo, como hasta ahora, no se condena Fausto, nos condenamos todos los operófagos y no tendremos una Compañía Nacional de Ópera ni ópera escalante, sino descendente. En picada. Llegando tal vez al averno, que quizás es algo mucho más terrible que sólo no tener ni la esperanza de escuchar Las bodas de Fígaro.