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12 octubre 2009

"Tosca" en vivo desde el Met. Los abucheos siempre son exagerados


Por Gonzalo Tello

Los abucheos siempre son exagerados. Paso lo mismo hace no mucho en Santiago, cuando cuatro gatos gritaban que estaban “matando a Verdi” con un ballet que no tenia nada de transgresor ni podía ofender a nadie que viva en estos tiempos de cine, televisión y prensa amarilla. Con esto sólo causan falsas relevancias y mayores ventas de tickets.

En este punto, mucho de cierto tiene lo que dice Luc Bondy, director de esta Tosca: La opera es de su compositor y la casa editora, y no le pertenece a ningún director de escena. Por ende, las versiones "referenciales" no existen, solo los sentimientos y pasiones que despierta una obra lo son.

Esta "Tosca" no debe ser vista como una versión referencial, sino como una propuesta de un director que sabe imprimir su sello en cuanta producción ha hecho, y es un sello muy claro. Los que vayan a buscar candelabros, locaciones realistas y puras voces del siglo pasado están perdiendo totalmente la perspectiva de lo que es la opera. Tosca es una historia fea, escabrosa, neurótica y sádica de tres personajes, que evoca emociones y despierta incógnitas respecto a lo que vemos y lo nosotros mismos percibimos y vivimos. El resto es pura decoración.

Luc Bondy esta presente en muchos aspectos: en el detalle de los vestuarios, fabulosamente trabajados por la ganadora del Oscar Milena Canonero ("Barry Lyndon", "Chariots of Fire", "Marie Antoinette"), que no están basados en una época especifica, sino son una referencia de una época. También presente en su propuesta teatral. Bondy invoca al público a ir mas allá en la mera experiencia teatral. El no es explicito ni recargado como Zeffirelli, el obliga al publico a imaginar mas allá de lo evidente. El primer acto presenta el atrio de la iglesia hacia el lado del público, es decir, no se ve. Eso se evidencia cuando la masa coral avanza lentamente hacia el público, no hacia otro lado. El segundo acto no es mas grotesco que una serie de televisión, e ilustra perfectamente el personaje de Scarpia, un ser libidinoso y asqueroso.

A fin de cuentas, esta producción no tiene elementos transgresores, es una puesta tradicional pues no se sale de las indicaciones verdaderamente importantes de Puccini, pues las indicaciones decorativas no son relevantes, sobretodo cuando la obra se pensó para un publico de hace un siglo. En mi opinión, es una versión provocativa, sexy y limpia.

Musicalmente, el barítono George Gagnidze fue un Scarpia poderoso y robusto, extraordinaria entrega que mantuvo el nivel óptimo durante todo el tiempo.

Marcelo Álvarez suena mejor que nunca, entregó un excelente Cavaradossi que fue bien recibido con una ovación de pie de todo el teatro, y grandes aplausos de la sala de cine. La cual no debe haber sido la única que lo haya premiado así.

Karita Mattila entrego una Tosca llena de pasión y entregando todos sus recursos teatrales en este rol. Musicalmente estuvo al borde de su capacidad, pero su interpretación en general fue una que no muchas sopranos podrían llegar a producir.

En general la experiencia fue emocionante

Un punto a favor para el trabajo de Filarmonía y UVK: El sonido mejoró enormemente y estuvo espectacular. Nos ofrecieron un dolby digital que parece que ninguna otra sala en el mundo ofrece, según dijeron. Otro de los beneficios es que también es la única sala en el mundo que ofrece asientos numerados, lo cual alivia el tener que llegar muy temprano para separar sitios.

Otro de los grandes aciertos fue la decisión en conjunto de varios países de retrasar la transmisión en seis minutos, debido a los problemas que tenían los satélites debido a tormentas solares que se presentaron ese día y que afectaron enormemente la transmisión en EEUU y Canadá, según nos explico Martha Mifflin antes de iniciarse la función. Esa demora en la recepción de la señal dio como resultado una transmisión limpia, sin baches que suelen darse y que se tradujo en un disfrute pleno de la función.

Ojalá este experimento circunstancial de como resultado que las próximas transmisiones también vengan con minutos de retraso. Así se evitarían esos saltos o pérdidas de señal que a veces se presentan y molestan y distraen al público.

05 octubre 2009

Marcelo Álvarez: "A mas pifias tengan, mayor trabajo tendrán"


En una entrevista para Asociated Press, el tenor Marcelo Álvarez habla de su experiencia en la reciente producción de "Tosca" en el Met. Y dice una serie de cosas, entre ellas, lo que no funciona de esta producción en su opinión.

Álvarez piensa que Luc Bondy, director suizo abucheado por su trabajo en esta ópera, es un gran director, pero su trabajo en esta "Tosca" no funciona, especialmente en el acto 2. la escena parece mas un búnker alemán que el Palacio Farnese de Roma, según la indicación explicita de Puccini. Muchas referencias del director también parecen "Anti católicas".

"Bondy se dejó influenciar por su concepto en el acto 2, en vez de dejar a la música hablar por sí misma", dice Álvarez. En este acto, Bondy agrega a tres prostitutas, no incluidas en el libreto. Ademas, Puccini escribe que Tosca, luego de matar a Scarpia, debe poner tres candelabros, dos a los lados y uno en su pecho. En vez de esto, Tosca se asoma a la ventana, esta por lanzarse, pero retrocede y se sienta en un sofá, relajándose con el abanico de la Attavanti.

21 septiembre 2009

"Tosca" entre aplausos y abucheos

Photo: Andrea Mohin/The New York Times

(Operaperu.com) Entre ovaciones a los cantantes y abucheos al equipo de produccion, Nueva York recibió esta noche la nueva producción de "Tosca" de Luc Bondy. Mis contactos dentro del teatro y en Times Square, informan de una gran interpretacion de los protagonistas Karita Mattila, Marcelo Álvarez y George Gagnidze, dirección impecable del veterano James Levine, y una propuesta escénica que tendrá opiniones encontradas.

No fue para nada raro que hayan habido abucheos esta noche. Los neoyorkinos asiduos al Met esperaban esta nueva producción con mas recelo que entusiasmo, ya que el montarla fue un riesgo grande: Se optaba por un estilo moderno minimalista, reemplazando la adorada producción de Franco Zefirelli, que brillo en el teatro y dejaba boquiabiertos a todos por casi 25 años. Esto tampoco indica que haya sido un fracaso; en el Met se han abucheado producciones que luego resultan ser un éxito, como el "Lohengrin" de Bob Wilson o la "Lucia di Lammermoor" de Francesca Zambello. En otros casos aun falta saber si correrán la misma suerte "La Sonnambula" de Mary Zimmermann, o "La Egipcia Helena" de David Fielding.

Lo que si fue un éxito fue la experiencia de miles de personas dentro y fuera del teatro, donde, segun el New York Times, no hubo rastros de recesión; solo brillaron los atuendos, joyas, y gran exhibición de lujo en la noche mas importante de la sociedad neoyorkina.

Aquí algunas fotos de la gran noche (Fotos cortesía de The New York Times Online)





Tosca en vivo por internet!

Hoy es la apertura de la temporada 2009-2010 del Metropolitan Opera, y se inicia como ya es costumbre, con una nueva producción transmitida por pantallas en Lincoln Center y en el circuito de pantallas fijas de Times Square (Nasdaq, ABC, Toshiba, para ser precisos). James Levine dirige a Karita Mattila, Marcelo Álvarez y George Gagnidze en esta producción de Luc Bondy, coproducida por la Scala de Milán y la Opera Bávara de Munich.

Además de ser transmitida por pantallas gigantes en Nueva York, nosotros podremos seguir la ópera por internet, ya que será transmitida gratis a través de la pagina web del Met (debes tener instalado Real Player en tu computadora) a partir de las 5pm. hora de Lima (6pm. hora de Nueva York). El que quiera verla en Times Square, lo cual seria una gran experiencia, deben llegar con tiempo para encontrar una buena ubicación. Uno podrá ver las incidencias de lo que pasa en Times Square en directo a través de las webcam instaladas en la zona.

Esta producción la podremos ver con el mismo reparto el próximo sábado 10 de octubre en vivo via satélite desde el Met, en la primera de nueve transmisiones de esta temporada, que llega gracias a Filarmonia y UVK Multicines Larcomar. Todavía quedan entradas.

16 septiembre 2009

Tosca y su fama de "Thriller"

Editado por Philipp Brieler – The Metropolitan Opera. Traducción: Operaperu.com. Foto: Brigitte Lacombe

La temporada 2009-2010 del Metropolitan Opera comienza este 21 de setiembre con una nueva producción de “Tosca” protagonizada por Karita Mattila en el rol principal y dirigida por el director musical James Levine. Luc Bondy, uno de los directores de escena más aclamados, hace su debut en el Met. Ellos tres discuten como es traer este drama operístico de Puccini, y a su inolvidable heroína, al escenario del Met.

Maestro Levine, usted tiene una larga historia con Tosca en el Met, desde su debut en 1971. ¿Qué le atrae de esta ópera?

James Levine: Tosca combina la gloriosa inspiración musical de Puccini con la vitalidad melodramática de una de las más grandes películas de Hitchcock. Es música realmente sorprendente y hay un drama brillantemente imaginado. Siempre me parece divertido cuando oigo a la gente decir algo disparatado sobre ella, como la famosa frase “Shabby little Shocker…no es un accidente que esta pieza se haya mantenido firme desde que fue escrita!

Señor Bondy, usted es conocido por sus puestas de teatro y ópera muy cargadas de psicología, ¿Cómo se aproxima a “Tosca”?

Luc Bondy: Confiando en la música y el libreto. Es una historia excitante y de mucho suspenso.

Los tres actos toman lugar en tres lugares reales de Roma. El trasfondo de la historia es el comienzo de las Guerras Napoleónicas. ¿
En que escenario se ubica su “Tosca”?

LB: En el tiempo de Napoleón. Dirigir a cantantes de una manera precisa y realista es más importante que trasladar este tipo de historia al presente. La crueldad no es específica a una época, ni tampoco el deseo sexual mezclado con la tortura. Tosca es historia reciente y una historia antigua al mismo tiempo. Lo que quisiera mostrar en mi producción es la diferencia entre pasión ciega y estrategia fría.

Karita, usted ha interpretado a muchas heroínas apasionadas en las ultimas temporadas en el Met, desde Salome a Tatiana y Manon Lescaut. Pero esta es la primera vez que estará cantando Tosca fuera de Finlandia. ¿Cómo se preparó para el rol?

Karita Mattila: Tosca es totalmente diferente a los otros roles de Puccini que he hecho, y de muchos de los otros clásicos. Usualmente tienen un pasado, el personaje crece, estoy acostumbrada a indagar profundo en ellos. Con Tosca, todo pasa en el momento, todo esta allí. Es como una película de acción. Cuando empecé a trabajar con el la primera vez, pensé, “Dios mío, como se sentirá matar a alguien en escena?”, pero cuando me imagine la idea de la “pelicula”, me di cuenta que es justo eso lo que pasa.

JL: La obra te conmina desde la primera nota y te mantiene al borde de tu asiento. Te sientes irresistiblemente atrapado por ella.

El personaje principal es una mujer fuerte, pero también tiene un lado frágil…

KM: Mucha gente se centra en su lado superficial, que esta furiosa y celosa y que puede ser agresiva. Pero hay muchas otras cualidades. Yo siempre trato de encontrar a las verdaderas personas dentro de las partes que hago. Y Tosca tiene esta humanidad. Esta profundamente enamorada. Ella es famosa, hay mucha gente que quiere aprovecharse de ella. Es muy bella y usa su belleza como un arma en un mundo de hombres. Ella efectivamente sabe como usarla! Pero no importa cuan fuerte es, su poder tiene limites “porque” ella es una mujer. Otro elemento esencial de su vida es ser apasionadamente católica. Si empiezas a juntar todo, Tosca empieza a lucir como un ser humano inteligente y de sentimientos profundos. Creo que es una mujer fascinante.

La mayor parte del desarrollo del personaje ocurre en los dos primeros actos.

JL: Dorothy Kirsten, una gran Tosca (ella y yo hicimos la opera juntos en San Francisco), solía decir que el tercer acto es uno de puro canto. Y creo que es verdad. Hay mas partes melodramáticas en esta pieza, pero luego en el tercer acto todo en el aria y el dueto es musicalmente y vocalmente mas concentrado.

LB: El último acto es como un oscuro epilogo. No es algo fácil de imaginar en escena. Especialmente con Cavaradossi, es importante encontrar al personaje y no solo al héroe con esa maravillosa aria.


Karita, ¿Es intimidante tomar un rol icónico como Tosca?

KM: Cualquier artista serio se pone nervioso cuando la gente dice “tu serás comparada con las legendarias Toscas”. Pero mientras mas te involucres en el proceso, estas ideas se van disolviendo. Tú haces el rol tuyo. Viene con esa bendición que tenemos los cantantes, tenemos la música, somos afortunados! Me encanta hablar del lado dramático, hace un todo para mi, pero trato de aproximarme a cada rol en una manera orgánica, incluyendo el drama y la música. Uno pertenece a la otra.

JL: Tosca tiene una energía especial, una forma diferente de excitación. En muchas óperas que tienen una cierta cantidad de detalles, tratas de acercarte a un concepción general cada vez que la conduces. Con Tosca, tratas de hacer que cada representación alcance su máximo punto de ebullición.

18 diciembre 2008

Transmision HD de "Salome" ya esta disponible en internet


La transmision de octubre de la opera "Salome" de Strauss con Karita Mattila, en el Metropolitan Opera ya esta disponible para ser vista en Met Player. Como se sabe, este es un servicio de alquiler de operas en video. Se puede alquilar una opera para verla dentro de 30 dias, o pagar una suscripcion mensual y ver varios titulos ilimitadamente. 

Salome destaca por la interpretacion de Karita Mattila, quien triunfo en este rol en 2004 en el Met y Paris, y lo vuelve a hacer en 2008. En una produccion muy discutible de Jurgen Flimm, pues su vision y su direccion escenica, al menos en esta transmision es bien incomoda y bastante basica. Sin embargo tiene momentos inspirados. El reparto es bastante competente, destacando el joven Joseph Kaiser como Narraboth y Kim Begley como Herodes. Ildiko Komlosi es Herodias, en una interpretacion muy plana y casi mediocre, y Juha Uusitalo como Jochanaan, quien tiene gran voz, pero sin mayor gracia ni trascendencia en su parte. La produccion es muy distractiva, y nada trascendente tampoco, pero vale la pena por Mattila.

15 diciembre 2008

Karita Mattila: «Conozco bien a Mortier y le deseo buena suerte al Real»

La soprano finlandesa, defensora de los derechos de la mujer y de la igualdad, protagoniza estos días en el teatro madrileño «Katia Kabanova», de Janácek, y asegura que «historias como ésta pueden suceder hoy en día, por eso es necesario contarlas».
Karita Mattila: «Conozco bien a Mortier y le deseo buena suerte al Real»
Karita Mattila, el pasado martes en el Teatro Real/ FRANCISCO SECO

Poco asidua a los escenarios españoles, sobre todo los operísticos, Karita Mattila se ha convertido en la gran triunfadora -gracias a su voz y su poderosa presencia dramática- de «Katia Kabanova», de Janácek, que en el montaje de Robert Carsen se puede ver en el Teatro Real hasta el 23 de diciembre. La soprano finlandesa reconoce su admiración por el compositor checo y el tratamiento que éste hace de sus personajes, en especial los femeninos, de los que ha interpretado Jenufa y el que ahora la trae a Madrid, Katia, protagonista de una historia que «puede ser la misma de muchas mujeres que no pertenecen a una época determinada. Sabemos que entonces, en el campo, las mujeres eran tratadas así, pero creo que vale la pena contarla -afirma-. Su personaje es la combinación de la inocencia y su falta de capacidad para tener una reacción fuerte y dura. Ella espera la paliza que le da el marido, porque es lo normal en esa sociedad, pero no espera su propia reacción interior de culpabilidad, fruto de sus sentimientos religiosos. Hay que acercarse a esta historia sin juicios ni prejuicios».
-Usted, que ha interpretado numerosos personajes femeninos verdianos, siempre ha mostrado, sin embargo, su predilección por los de Janácek...
-He interpretado dos personajes de Janácek, Jenufa y Katia, y dentro de un par de años cantaré «El caso Makropulos» con el maestro Jirí Belohlávek, algo que me hace mucha ilusión. Es un compositor fascinante, y sus historias tienen un gran interés. Para una cantante moderna con ambición es una situación ideal pues tienes que interpretar la parte musical y la dramática. Sin menospreciar el reto que supone cantar a Verdi, en las obras de éste los personajes femeninos necesitan de un director de escena con mucha fuerza y muy interesantes para poder dar vida a lo que está sucediendo sobre el escenario. Tienen que tener una gran imaginación.
-Janácek profundiza mucho en la psicología de las mujeres...
- Por eso estoy fascinada por Janácek, porque estamos hablando de historias que nos hacen preguntarnos por qué ha puesto la mujer como elemento central de la obra. No era especialmente feminista, pero en sus obras les da un espacio y una profundidad muy importantes. También lo hizo Beethoven en «Fidelio». Además, el talento de Janácek lleva a los cantantes y al público más allá de la propia obra. Para mí es interesante trabajar este tipo de papeles con un equipo que también quiere profundizar. Nunca son obras convencionales. A título personal, todo lo que tiene que ver con la vida de las mujeres, con sus derechos, los derechos humanos y la igualdad es muy importante para mí.
-¿Qué le parece el trabajo de Robert Carsen y qué es lo que busca cuando acepta una puesta en escena determinada?
-Para mí es importante la elección del director de escena. Hay algunos a los que conozco muy bien y entonces me resulta fácil tomar una decisión para aceptar cualquier oferta. Con Carsen ya trabajé en 1996 en «Lohengrin» en París, y definitivamente me gusta su manera de acercarse a la obra. Pero también quiero mencionar la labor de su asistente, que es muy buena. Se habla poco de ellos, capaces de llevar adelante un montaje cuando los directores están ocupados en otro lugar. El resultado de esta producción es estupendo pero tengo que decir que técnicamente no ha resultado muy agradable e incluso peligroso al estar todo el tiempo con los pies mojados, envuelta en toallas, con miedo a coger un resfriado. Menos mal que estamos en Madrid y no en Finlandia (se ríe). Termino la función con el culo y todo mojado pero a fin de cuentas nadie pregunta la opinión al cantante. Se supone que no es lo importante. De todas maneras, después de ver a los bailarines todo el tiempo en el agua, y ver lo duro que es su trabajo, creo que no tengo derecho a quejarme.
-Entre sus retos se encontraba el de cantar en un futuro el papel de Brunilda, ¿para cuándo?
-Eso lo dije hace unos años. A medida que me voy haciendo mayor tengo que estar segura de que tengo la voz adecuada para ciertas obras. Ahora estoy cantando menos. Antes incluía uno, dos o tres obras nuevas al año y ahora me gusta mucho reponer mi repertorio. Hace un par de años canté «Lohengrin» y consulté a dos músicos amigos sobre la posibilidad de cantar Isolda y uno me dijo que sí y el otro que no. Realmente echo de menos a mi profesora, que ahora está muy enferma, y a veces me falta la persona con la que consultar estos temas. Hay pocas personas de las que me fío: uno o dos directores musicales, y, desde luego, de los sobreintendentes de ópera, en absoluto. Ahora canto menos para mantener la flexibilidad y la frescura y estoy disfrutando mucho de la versatilidad del repertorio italiano. En cuanto a Wagner, tengo una relación complicada con él. Como dice mi colega Ben Heppner, no lo tenemos todo.
-Ha visitado poco nuestro país, ¿a qué se debe?
-No lo sé. Canté en la Zarzuela en 1994, y tengo muy buenos recuerdos. Ahora estoy muy contenta en Madrid y en esta misma temporada, en primavera, cantaré «Fidelio» en el Liceo. Dos veces en la misma temporada después de tanto tiempo, aunque para el futuro no existen conversaciones.
-Conoce al nuevo director artístico del Real, Gerard Mortier.
-Le conozco bien, y le deseo buena suerte al Teatro Real.

01 diciembre 2008

Robert Carsen y su vision de la ópera


Robert Carsen es uno de los directores de ópera mas importantes y requeridos del momento. Tiene un sinnumero de producciones para los mas importantes teatros. Es uno de los directores que respondio ante los ataques de Zeffirelli y Lorin Maazel, de que estaban destruyendo la ópera con sus propuestas, segun estos, sin sentido musical y sin ningun respeto a los compositores. Carsen presento en Madrid su version de "Katia Kabanova" ópera de Leos Janácek con Karita Mattila. Aqui una entrevista donde habla de esta produccion, y ademas de su punto de vista sobre la ópera actual, su rumbo e idea.

Entrevista del ABCD Las artes y Las letras, y cortesia del blog de Agatarco.

Robert Carsen presenta en Madrid su versión de Katia Kabanova, un drama intenso donde los conflictos de la condición humana buscan el equilibrio sobre un inmenso río Volga -materializado en 18.000 litros de agua- que ocupa el escenario del Teatro Real. Un montaje espectacular e inquietante, protagonizado por la soprano finlandesa Karita Mattila, que sumergirá al público madrileño en esta tragedia inspirada en La tormenta de Ostrovski y recreada por la revolucionaria música de Leos Janácek.

¿Qué le mueve a aceptar un determinado título operístico y cómo es el proceso de elaboración?

No existe una fórmula para abordar la ópera, porque cada título es diferente. Janácek es un compositor muy intenso, y mi aproximación a su obras es más bien filosófica. La ópera tiene muchas aristas. En ella se encuentra la parte visual, la sonora, la escena, y nuestro objetivo es satisfacer todos esos aspectos. Muy a menudo, lo que sucede es que el público no tiene la misma familiaridad con todos estos lenguajes y por ello hemos de trabajar todos los sentidos. Es muy difícil encontrar en cada producción el equilibrio entre lo emocional y lo intelectual. Por ejemplo, las obras de Messiaen o Berg tienen un nivel más intelectual porque el primer impacto de la música no es emocional, al contrario de lo que sucede con Puccini. Sin embargo, Janácek es completamente distinto porque trabaja a dos niveles: el emocional y el intelectual. En el caso de Katia Kabanova, tenemos que ir al grano, porque se trata de una obra muy corta y muy intensa. Dura menos que la Salomé de Strauss. Para mí, lo más importante es que la presentación quede muy clara, y esto lo consigo a través de la intuición. Por ejemplo, no queríamos que hubiera muchos cambios en la escena, porque distraen al público que tiene que centrar su atención en la música. Lo que pasa en el escenario debe ser un fiel reflejo de la música. En él se tienen que ver los sentimientos que hay en la partitura.

En la historia tiene un gran protagonismo el río Volga, que en su producción se convierte en la base de la propuesta escénica.

El agua, como sabemos, es uno de los cuatro elementos esenciales: posee un significado simbólico a muchos niveles, y casi siempre es un elemento femenino. Representa la belleza, pero también el peligro. Katia al principio es un espíritu libre pero también tiene miedo. El agua, a lo largo de la ópera, refleja su estado emocional: claustrofóbico e incluso paranoico. Para transmitir esto, hemos creado unos espacios muy limitados y restringidos que produzcan esa sensación. Por otra parte, el agua también seduce, representa la belleza y refleja la luz... En la ópera, por lo general, la música tiende a explicar la parte emotiva y psicológica de la obra, pero Janácek no hace esto. En sus obras, no conocemos los antecedentes, no sabemos lo que ha sucedido antes, y todo va muy deprisa. Nos encontramos desde el primer momento con emociones muy fuertes, y el resultado es muy doloroso.

En «Diálogo de carmelitas» -su anterior montaje para el Teatro Real- el argumento gira sobre la religión y el miedo; el personaje principal, Blanche, se entrega finalmente a la muerte. Aquí, el sentimiento de culpa por una infidelidad y la presión empujan a Katia al suicidio. Dos historias de mujeres, con una tormenta interior, que mueren al final.

Sin embargo, se trata de situaciones diferentes. Sí es cierta la presencia de la religión en las dos obras, pero Katia en ningún momento se cuestiona su fe. En su caso, este elemento no es tan importante, tan sólo forma parte de su psicología. Es cierto que, estando casada, ha tenido un amorío con un hombre, pero a ella no le pesa el pecado en un sentido religioso, sino por la situación que se ha creado. Sabe que no hay futuro y eso es lo que la hace derrumbarse. Esta obra marca la psicología moderna dentro del mundo de la ópera.

Ahora que está tan de moda la ópera espectáculo con una gran presencia de nuevas tecnologías, usted opta por propuestas aparentemente muy minimalistas y sencillas...

A veces el minimalismo puede decir mucho. El mundo del teatro es muy extraño. Es posible contar cada vez más con tecnologías y efectos especiales, pero éstos funcionan más en el mundo del cine. En el universo teatral, lo que tenemos que hacer es poner énfasis en las emociones y en las personas. La gente va al teatro para ver a otra gente y sus experiencias, ver a otros sufrir y vivir una catarsis. El público acude para participar de esto. Este equilibrio es muy frágil y si hay demasiada escenografía distrae la atención. Lo que yo pretendo es obligar al público a mirar a los personajes, concentrarse en lo que está pasando. La ópera la compone la gente que está sobre el escenario. También es cierto que en Madrid he presentado dos obras muy minimalistas, pero no siempre es ése el caso. En el Candide, de Leonard Bernstein, he utilizado vídeos y muchos elementos. Depende siempre de la obra. En unas se trata de trabajar con sentimientos, y en otras nos encontramos ante temas satíricos. Lo que estamos haciendo en Katia Kabanova es muy concentrado. Hay que construir una línea en la que todo esté muy limpio, sin interferencias. Desde joven me he basado mucho en Peter Brook y en su libro El espacio vacío, que ha sido un elemento muy importante en mi vida. A partir de ahí, he ido creando mis producciones, cambiando, claro está, sin hacer siempre lo mismo.

Menciona una producción, la de «Candide», que se estrenó en el Chatelet de París en 2007, y que provocó cierta polémica por su contenido -una sátira política en la que aparecían Bush, Berlusconi, Putin y Blair parodiados- y el rechazo inicial de Lissner a presentarla en la Scala. ¿Hizo algún cambio en el montaje con vistas a llevarlo a Milán?

En París fue un éxito tremendo, pero también es cierto que Lissner estaba en su primer año al frente de la Scala y había que tener mucho cuidado. Habíamos metido a todos los políticos del momento, y había mucha presión política sobre él. En Francia, esta obra es muy importante porque fue escrita por Voltaire, una de las grandes figuras de la Ilustración francesa, pero también es muy larga. En Italia, la acorté quince minutos, pero nunca por censurarla. Tan sólo quité una línea que hablaba sobre un cura pedófilo, que tampoco añadía nada a la obra. Lissner nunca interfirió y fue muy valiente. La obra se representó y Berlusconi acudió: se vio en el escenario vestido con un traje de baño.

Usted ha trabajado con Lissner y con Mortier, dos nombres sobre los que se ha especulado como futuros directores artísticos del Real, aunque ha sido finalmente elegido éste último. ¿Cuál cree que debería ser la función de un director artístico?

Es muy difícil hablar de manera global. En un teatro hay que tener en cuenta muchos elementos: la gente que trabaja en él, el público que asiste, si es de repertorio o de stagione... Lo normal para un director artístico es compartir con el público su visión y las obras que cree que van a ser de interés. Mortier y Lissner empezaron en instituciones más pequeñas, han pasado a grandes teatros y han sido tremendamente innovadores.

En el caso de Gerard Mortier es además un director de ópera tan controvertido como las producciones que propone...

(Carsen sonríe y prefiere no dar respuesta a estra pregunta).

09 octubre 2008

“Salome” en los cines, pero con un toque censurado


Este sábado 11 se inician las transmisiones en HD del Met, y con un título algo particular. Será “Salome” de Richard Strauss, ópera en un acto con Karita Mattila y Juha Uusitalo. Esta producción impactó en su estreno en 2004, por la genial interpretación de la polifacética Mattila, y además por sus dos segundos de nudismo al final de la danza de los siete velos. Causó tanta publicidad y controversia que Joseph Volpe, anterior director de la ópera, escribió todo un capítulo sobre este suceso en su libro autobiográfico “The Toughest Show on Earth”.

Ópera de un acto, que dura 90 minutos, nos trae lo mejor de la música de Strauss en un guión tan crudo como fantástico, y definitivamente será una revelación para los que no conocen este repertorio.

Esta transmisión es muy esperada, por lo cual habían dudas sobre si se iba a ver la desnudez así como la escena del beso a la cabeza cercenada de Juan el Bautista, siendo estas transmisiones que el mismo Met publicita como “para toda la familia”.

En el teatro, la representación será tal cual. Pero para los que la vean en cines, tendrán una versión particular, pues la cámara jugará con paneos y primeros planos para no mostrar lo evidente en escena. Así lo decidió Peter Gelb, director del Met.


Lamentablemente, no hay un anuncio oficial de alguna empresa que vaya a transmitir esta transmisión, ni las siguientes, hasta el momento. A pesar de que hay empresas interesadas e incluso se soltó el tema como algo posible.

De todas formas, la gente en los cines se perderá el momento cumbre de esta producción que causó tanto revuelo, pero todavía queda la opción de verla, ya que esta transmisión será lanzada como DVD el próximo año.

20 junio 2008

Celebración a Puccini (III): Manon Lescaut


Continuando con la celebración a Puccini, ahora viene una de sus más románticas y poderosas creaciones, la alucinante “Manon Lescaut”. Musicalmente es uno de sus mayores logros, y digna de resaltar más en el circuito internacional.

Giacomo Puccini
MANON LESCAUT

Acto 1
Acto 2
Acto 3
Acto 4

Manon Lescaut: Karita Mattila
Chevalier des Grieux: Marcello Giordani
Lescaut: Dwayne Croft

Metropolitan Opera Chorus & orchestra
James Levine
2008

05 junio 2008

Receso de ópera: Jazz con Karita Mattila

Del nuevo cd "Fever" algunos temas:

Fever
Love for Sale
Lush Life

14 febrero 2008

La gran Karita Mattila este sábado en “Manon Lescaut”



Este sábado 16 a partir de la 1:30pm. escucharemos una presentación como hay pocas. La gran Karita Mattila junto a Marcello Giordani cantarán juntos en "Manon Lescaut" de Puccini.

“Manon Lescaut” narra la historia del amor entre un caballero y una niña mimada, que, gracias a su ambición y codicia, propia de su corta edad e inmadurez, la llevan al desastre. Giacomo Puccini la escribió hacia 1893, basada en la novela de André Prevost.
Esta opera no se interpreta en el Met desde 1981, a pesar de ser un título frecuente en las carteleras de los teatros del mundo. La razón de resucitar la producción fue para aprovechar las dotes de Mattila, quien no sólo convenció en el rol, sino lo convirtió en un tremendo éxito.

Karita Mattila es una de las mejores cantantes actrices de la ópera hoy en día, y verla es un deleite para el oído y los ojos. Sorprende con roles muy diversos, desde opereta como “La viuda Alegre”, pasando por “Jenüfa”, “Lohengrin”, “Die Walküre”, hasta “Electra” y “Salomé”. Todas con excelentes críticas y aclamadas por el público.

La voz de Mattila tiene un color que es difícil de describir. Por momentos es agradablemente seco y pastoso, y por otros es tan potente y desgarrado que no puede dejar de remecernos y llamar la atención. Y así lo hizo una vez, cuando ensayaba “Salomé” en el Metropolitan. Los carpinteros que trabajaban mientras ella cantaba, detuvieron su trabajo, pues como ellos dicen, no habían escuchado una voz tan extraordinaria en muchos años.

Para Mattila, “Manon” fue una chica de su época, tenia que salir de la pobreza como pudiera, así q cometió muchos errores en el camino. Para ella que la producción se base en una época específica es muy importante ya que le permite reflejar esa idea en su interpretación. Como ella misma dice, la interpretación escénica es tan importante como la calidad vocal, por ello tuvo suerte, al haber estudiado teatro e interpretación, a la par con la música.

“Manon Lescaut” no solo será transmitida en directo por radio, sino que también llegará a los cines de Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón, en alta definición.

Marcello Giordani acompaña a Mattila en el Rol del amante Des Grieux. Giordani cuenta que desde que supo que iba a cantar esta ópera con ella, contaba las horas por que el momento llegara. James Levine dirige la producción de Gina Lapinski y Desmond Heeley.

Aqui loes dejo con dos extractos de una grabacion de youtube del 5 de febrero, que contiene fotos de la producción:

"In quelle trine morbide" (acto 2)



"Sola, perduta, abbandonata" (acto 4)