29 enero 2009

Mas de Netrebko en Lucia


Parterre Box presenta una entrada divertida e importante. ¿Quiénes serían los cantantes idóneos para reemplazar a Villazón y Netrebko?

Según se dice, la noche de hoy jueves sería decisiva para considerar cambios, especialmente pensando en la transmisión mundial en HD. Y en caso de que Netrebko siga cantando Lucia, algo que para muchos sería antiprofesional, pues debería retirarse de las funciones, Villazón sería muy probablemente reemplazado. La cosa es por quién. Piotr Beczala sería la opción más factible y correcta, ya que su Edgardo ha sido aplaudido y ovacionado por público y crítica, y se encuentra en NY cantando Onegin estos días.

El problema con Netrebko es que su interpretación ha estado muy por debajo de sus predecesoras, Natalie Dessay, Diana Damrau y Annick Massis. Esperemos que se recupere en estos días y su presentación del 7 no sea un martirio.

Aquí un video de promoción de la tele rusa en Nueva York, cuando todo era felicidad (aún)

28 enero 2009

Debut de Netrebko y Rolando en "Lucia": Escena de la locura

Mucho se especula con este par de famosos-y carísimos-cantantes en sus roles y su estado para cantar ciertos papeles. Aquí un ejemplo de lo que fue Netrebko este lunes.




Netrebko y su regreso con "Lucia di Lammermoor"


Netrebko dejó los escenarios por meses para descansar por su embarazo. Luego del nacimiento de su hijo Tiago, con el bajo Erwin Schrott, esta retorna a los escenarios, primero en dos funciones de "Lucia di Lammermoor" en San Petersburgo, para luego ir al Met por cuatro funciones más.

Aquí una entrevista hecha antes de su debut en este rol en el Met este lunes.



Enero marca su regreso a los escenarios,  ¿cuánto tiempo ha pasado desde que cantó la última vez?
Fue al final de junio, y luego paré completamente. Lo que fue una maravilla para mi es que ni siquiera quería actuar ni cantar. No abrí la boca para nada. Recién empecé a practicar en noviembre. Pense que mi voz iba a estar pesada, pero no, estaba ahí. Inmediatamente canté todo el rol de Lucia! Estaba curiosa de cómo estaría mi voz, porque sé de sopranos que han perdido la voz luego de dar a luz, pero parecía que estaba exactamente como antes. Empecé a cantar como si no hubiera parado. La única diferencia es que me canso más rápido, pero es normal. Como un atleta, tienes que entrenar los músculos.

Es la primera vez que canta Lucia en el Met, ¿cuál es su historia con el rol?
La primera vez que la escuché, me dije "Dios mío, ¿cómo alguien puede cantar esto? ¡no hay forma!" Pero luego traté, y desde la primera frase se sintió bien inmediatamente.

¿Cual es su aproximación al personaje?
Lucia se puede hacer de muchas maneras. La locura puede ser diferente. Lucia puede ser una loca divertida, una loca malvada o una loca triste y descorazonada. Depende de uno y también de la puesta. La producción de Mary Zimmerman es muy bella, y hay mucha libertad para los cantantes. Tendré buenos colegas, así que podremos crear algo muy especial.

¿Es ésta su primera vez cantando Lucia con Rolando Villazón?
Si, pero en esta ópera no canto mucho con el tenor, es más de la soprano con el barítono. Mariusz Kwiecien, quien canta Enrico, y yo hemos cantado juntos en varias producciones y el es sorprendente.

¿Cómo ud. y Mariusz interpretarán la relación de Lucia y su hermano?
Estuve pensando mucho por qué se vuelve loca tan rápido. Y creo que en su relación con su hermano debió haber algo muy violento. El debe ser violento hacia ella, no digo que sexualmente pero la pista debe estar por ahí. El la pone de rodillas demasiadas veces, es por eso que esa amargura y odio va creciendo en ella, y es por eso que ella mata. No creo que pase de repente, eso ha ido creciendo. Es una crisis, los nervios, el dolor, el sufrimiento. No creo que esté loca desde el inicio.

Ud. es conocida por ser una gran actriz y cantante, ¿Cuán importante es ser capaz de hacer ambas cosas a la vez?
No solo soy yo, es toda la nueva generación de cantantes que es así. No es posible ser a la antigua y sólo cantar, tienes que ser capaz de moverte y actuar. Dicho esto, una vez estaba viendo una producción de ´Lucia´ en la Ópera de Viena con una soprano maravillosa, Edita Gruberova. Ella no se mueve realmente, es una cantante. Y debo decirte, fue una de las mejores Lucias que he visto. Ella estaba parada cantando y fue increible, me dejó sorprendida por su canto.

Su fama trasciende el mundo de la ópera, ¿Cree que su fama llegue a opacar su arte en la mente de las personas?
No me preocupan ese tipo de cosas. Quizás un par de veces me he decepcionado leyendo "Es mejor verla que oírla" pero después de un rato no me importa. No estoy en internet, no tengo computadora, así que no leo muchos artículos sobre mi.

¿Siente diferente sobre su carrera ahora que es madre?
Creo que quizás emocionalmente me siento diferente cuando canto, es algo que he notado en mis presentaciones. Tengo mayor responsabilidad ahora, otro tipo de responsabilidad. pero espero cantar tan bien como lo hacía, o mejor - Matt Dobkin

27 enero 2009

Nicola Martinucci viene para la "Noche en Blanco" en Miraflores


El tenor Nicola Martinucci, uno de los más destacados en la escena lírica internacional durante los años 70, 80 y 90's, será una de las atracciones que presente este año la "Noche en Blanco" 2009. Realizada en año pasado con gran éxito, la segunda edición, programada para abril augura un mayor éxito por las propuestas de nuevos artistas, así como la inclusión de grandes atracciones como el show de los catalanes de La Fura dels Baus.

Martinucci dará un recital al aire libre en el parque Salazar. Esperaremos el programa. Es una gran noticia para los limeños, que apreciarán de cerca el arte de un tenor aun no alejado de sus mejores épocas.







NOCHE EN BLANCO. Volverá a iluminar Miraflores 
Recorrer la ciudad encendida 
LA FURA DELS BAUS, UNA DE LAS COMPAÑÍAS TEATRALES EUROPEAS MÁS APLAUDIDAS, ES LA PRINCIPAL INVITADA PARA UNA NOCHE DE ARTE, MÚSICA Y CIUDADANÍA 
Por Enrique Planas
 


Una cortina humana formada por 60 acróbatas, un gran corso dedicado al maíz, árboles que respiran y que tosen a causa de la contaminación, una alfombra de mil metros sobre la avenida Larco pintada por nuestros mejores artistas, proyecciones sobre edificios, conciertos de música electrónica, recitales de ópera... Hay muchas razones para salir a la calle el 25 de abril, desde las 7:00 de la noche hasta las 5:00 de la madrugada, cuando se realice la segunda "Noche en blanco", en Miraflores. 

Para Jai Gonzales, bailarina peruana radicada en Alemania e impulsora de este megaevento, la primera Noche en Blanco, realizada el año pasado como cierre artístico del foro ALC-UE, logró convencer a las autoridades municipales, empresas, instituciones culturales y a los propios vecinos que una fiesta de arte en espacio público era posible. 

"Para esta segunda Noche en Blanco, la aceptación ha sido inmensa", explica Gonzales. "Los artistas ya dicen que sí antes deque les preguntemos si quieren participar". Ciertamente, después del éxito de la primera edición, ya resulta más fácil para el equipo organizador crear un programa y definir los proyectos curatoriales. Sin embargo, las dificultades llegaron por el flanco de las finanzas. "No habíamos pensado que se nos venía una crisis --confiesa-- . Eso definitivamente nos cerró algunas puertas, lo que hizo mucho más complejo nuestro plan de producción". 


LO QUE SE VIENE 
Si el año pasado fue el grupo alemán de música electrónica Maus on Mars el centro de atención de miles de limeños que tomaron las principales avenidas y calles miraflorinas, este año la presencia del grupo teatral español La Fura dels Baus en el óvalo de Miraflores es la gran noticia. Creado en Barcelona en 1979, el colectivo definió desde su inicio un estilo distinto del tradicional. Sus presentaciones masivas ofrecen un gran despliegue de música y movimiento, utilizando materiales naturales o industriales, aplicando las nuevas tecnologías y comprometiendo al espectador directamente en el espectáculo. 

El grupo cumple este año tres décadas, y para celebrarlo, presenta en el Perú un estreno internacional, dedicado a la memoria de nuestro Inca Garcilaso de la Vega. En su espectáculo, titulado "Doy mi luz", participarán más de 60 artistas en escena. "La Fura dels Baus presenta una propuesta moderna de circo, con mucha luz y mucho fuego artificial, pero a la vez mucho concepto", señala Jai Gonzales. 

Además del óvalo de Miraflores, donde el montaje del grupo catalán convergerá con un gran corso organizado por el artista visual español Antoni Miralda, también se ha previsto ubicar al final de la avenida Diagonal y en el parque Salazar otros dos auditorios para ofrecer música electrónica y clásica, respectivamente. 

ARTISTAS CONFIRMADOS 
Teatro, música y artes visuales 
4 El artista conceptual Antoni Miralda (España), quien el año pasado sorprendió con su homenaje a la papa, esta vez ofrecerá un gran corso dedicado al maíz y su papel en nuestra identidad nacional. 
4 Otros importantes artistas que llegarán al país son los artistas visuales Laurent Louyer (Inglaterra), Miguel Chevalier (Francia), Chris Haring y Klaus Obermaier (Austria), la pintora Carla Accardi (Italia) y el artista Gilberto Esparza (México). Asimismo participarán el músico electrónico Alva Noto (Alemania) y el tenor italiano Nicola Martinucci. 
4 En la lista de artistas peruanos destacan Alberto Casari, Alina Canziani, Jorge Izquierdo, Manuel Larrea, Eduardo Tokeshi, Kiko Mayorga, Sandra Nakamura, Sonia Prager, Diego Lama, Roberto Huarcaya, entre otros.

"Orfeo ed Euridice" desde el Metropolitan Opera. 24 de enero 2008


Por Gonzalo Tello
La disposicion de la ópera de Gluck para atraer coreógrafos, por sus largas escenas orquestales, hace de esta obra una de las más dinámicas y prestas a aproximaciones artísticas muy amplias. George Balanchine y Frederik Ashton ya lo habían hecho alguna vez, hasta que le llegó el turno al famoso coreógrafo Mark Morris.

La versión escogida es en italiano de 1762 y sin intermedios, para dar unidad a la obra. Las coreografías ocupan la mayor parte de la escena, y el movimiento escénico complementa lo estático del resto del elenco, incluido el coro, que permanece en estas plataformas de tres niveles. Aunque si bien colaboran y realizan su propia coreografía junto con los movimientos del cuerpo de baile, lo cual da una sensación de movimiento orgánico', de todo el elenco como una sola persona, dejándose llevar por pensamientos, cambios de ánimo, incluso paranoias. Estos junto a Orfeo, quien no abandona el escenario casi nunca, nos meten en una atmósfera mucho más psicológica, una exposición universal que pertenece a la psiquis interna de cada uno de nosotros.

La visión de Morris en la producción, muy fiel a su estilo, contiene elementos contemporáneos, desde la escenografía y vestuarios, hasta los movimientos. La historia de Orfeo es tan atemporal que funciona perfectamente ponerle un traje oscuro y reemplazar su arpa por una guitarra, y ponerle un t-shirt y zapatillas a Amor.

Danielle de Niese, joven soprano especializada en roles barrocos, demostró ser una excelente intérprete y actriz. Sus gestos pudieron ser exagerados, pero supo controlarlos en buen balance con su personaje. La voz tiene un color algo oscuro que le queda bien a ese timbre que tiene. El personaje de Amor de Heidi Grant Murphy es correcto en su breve aparición.

Stephanie Blythe es formidable como Orfeo. La voz de por sí es muy bonita, y la proyección y dicción son fantásticas. Uno siempre duda cuando escucha tantos elogios para un solo intérprete, pero más allá de compararla gratuitamente con otros grandes o criticar tecnicismos, se puede apreciar las cualidades del instrumento, que complementan y aportan muchísimo a la propuesta dinámica y moderna que nos da la batuta de Levine. Eso si, al escucharla cantando 'Che faró senza Euridice' era muy difícil no dejar de comparar el timbre de voz con el de Marilyn Horne.

Levine se identifica con la puesta dando tiempos ágiles, haciendo vibrar a las cuerdas y yendo por el lado dinámico que requiere seguir a todo un cuerpo de baile. El barroco aquí suena muy diferente, pero agradable para el que quiere sentir mayor energía que la usual con que se dirige este tipo de obras.

La escenografía parece sencilla en diseño, pero es compleja, y muy funcional, haciendo las plataformas móviles y el escenario giratorio, donde vemos el infierno traducido en cavernas oscuras.

Donde el vestuario de Mizrahi no sorprende (en el caso de los principales) nos deslumbra en el coro, donde cada miembro viste un vestuario individual representando a los personajes más importantes de la historia, en este caso, son cien. Este concepto lleva la producción a una universalidad de la que precisamente viene la obra.

La repetición de "Orfeo ed Euridice" va este miércoles 28 a las 7:30pm en Multicines UVK.



25 enero 2009

100 años de Elektra



Una super grabación, con estrellas de época y grandes voces, que hacen gran justicia a esta partitura. Mödl, Varnay, King, Wächter y Karajan.

Richard Strauss
ELEKTRA


Parte 1
Parte 2

Director: Herbert von Karajan

Martha Mödl(Klytämnestra)
Astrid Varnay (Elektra)
Hildegard Hillebrecht (Chrysothemis)
James King (Aegisth)
Eberhard Wächter (Orest)
Tugomir Franc (Tutor of Orest)
Hildegard Rutgers (Klytämnestra's Confidante)

Grabación en vivo, Festival de Salzburgo, 1964.

Elektra cumple 100 años


"Elektra", fantástica obra de Richard Strauss fue estrenada un 25 de enero de 1909, hace 100 años. El estreno fue en el Dresden Semperoper, y en conmemoración, se montó hoy una producción ahi mismo. Me emociona particularmente porque no sólo es una ópera que me gusta mucho, sino porque el primer post de este blog fue para hablar de ella.

Junto con "Salome", Elektra es parte del grupo de óperas más importantes del compositor alemán. Si bien la música es más disonante y ansiosa que la de "Salome", "Elektra" tiene momentos increiblemente grandes, emotivos y teatralmente magistrales. Durante décadas fue el papel máximo de estrellas como Birgit Nilsson, Astrid Varnay, Inge Borkh, Eva Marton y Deborah Polaski.

Aqui un análisis interesante de la obra, via Wikipedia:

Estructura dramática
La obra está planteada como una sucesión de escenas en las que Elektra se ve confrontada con el resto de los personajes.
Podemos esquematizar la estructura de la obra en 8 escenas:
1. Prólogo de las sirvientas
2. Monólogo de Elektra
3. Elektra y Crisótemis (1er. escena)
4. Elektra y Clitemnestra
5. Elektra y Crisótemis (2da. escena)
6. Elektra y Orestes
7. Elektra y Egisto
8. Elektra y Crisótemis
Las primeras dos escenas son una introducción a la historia. El prólogo de las sirvientas nos da un retrato de la heroína, y describe cómo Elektra ha vivido en las afueras del palacio desde la muerte de Agamenón, vistiendo harapos y conviviendo con los perros, despreciando a todo aquel que sea desleal a la memoria de su padre.
La segunda escena es un monólogo en el que Elektra describe el problema subyacente de la trama. Luego de su regreso de la guerra de Troya, el rey Agamenón es asesinado por su esposa, la reina Clitemnestra con la ayuda de su amante Egisto. Desde ese día, Elektra vive solamente para el momento de la venganza, el día en que su hermano Orestes regrese a dar muerte a los asesinos de su padre.
El desarrollo comienza con la escena entre Elektra y su hermana Crisótemis. Crisótemis representa la antítesis de Elektra. Vive con resignación la muerte de su padre, sin confrontar con su madre y su esposo el rey, y a diferencia de su hermana no espera la llegada de Orestes para vengar la muerte de su padre. Solo desea tener una vida como cualquier mujer, encontrar un esposo y tener hijos.
El siguiente episodio muestra la confrontación entre Elektra y Clitemnestra. Hofmannsthal y Strauss presentan un conmovedor retrato de la reina insomne, llena de angustia y remordimiento, quién confiesa a su hija sus pesadillas. Esta escena alcanza el clímax en un salvaje monólogo en el cual Elektra describe en detalle cómo la reina perecerá a manos de Orestes para expiar su crimen.
En la escena siguiente llega la noticia de que Orestes ha muerto en un accidente al caer de su caballo. El anuncio de la falsa muerte de Orestes tiene como objetivo dar una fugaz sensación de alivio a Clitemnestra y Egisto, lo cual facilitará el plan de asesinarlos. La alegría que produce en Clitemnestra esta noticia contrasta con la desesperanza de Elektra.
A partir de esta noticia, Elektra deja de ser una protagonista pasiva que espera la llegada de Orestes como el instrumento de la venganza y se vuelve una heroína dispuesta a actuar. No estando Orestes, cree que es su deber vengar a su padre, y trata de persuadir a su hermana para llevar a cabo juntas ese plan. Ella no acepta y Elektra deberá actuar sola.
La siguiente escena es el encuentro entre Elektra y Orestes, los dos hermanos. Es una de las escenas más célebres y conmovedores de toda la tragedia griega. La tensión de la escena se ve magnificada por la falsa noticia de la muerte de Orestes. El encuentro ya no será la concreción del deseo de Elektra largamente soñado, sino el milagroso retorno de la esperanza luego de la desilusión más desoladora.
Existe cierta simetría en cuanto a la estructura del diálogo de esta escena respecto de la escena entre Elektra y Clitemnestra, ya que ambas están planteadas como una serie de preguntas y respuestas.
En la escena siguiente comienza la venganza. La muerte de Clitemnestra ocurre fuera de escena, al igual que sucederá con la muerte de Egisto, tal como resulta habitual en la tragedia griega. Luego se produce la aparición de Egisto, que es retratado como una persona grotesca. Elektra lo invita con sarcasmo y cinismo a entrar en el palacio, donde luego será asesinado por Orestes.
La escena final entre Elektra y Crisótemis es un momento de júbilo luego de concretada la venganza por la muerte de Agamenón. Crisótemis exhorta a su hermana a que se una a las festividades en el interior del palacio. Sin embargo, ella no entra al palacio para participar del festejo colectivo, sino que mantiene su condición marginal, y realiza su propio festejo a través de una danza salvaje y triunfal, que finaliza con su muerte. Elektra ha vivido solo para el momento de la venganza, y una vez que esta se ha concretado desaparece su única razón para vivir.

Música
La estructura armónica de Elektra sigue el camino de desintegración tonal iniciado por Wagner. Sin embargo, Elektra es también una ópera de contrastes, donde violentos climas disonantes conviven con escenas de intenso lirismo.
La ópera se inicia con el tema de Agamenón, indicándonos que el asesinato del padre de Elektra, es el motivo que pone en movimiento la historia. Se trata de un tema de cuatro notas, que refleja el silabeo rítmico del nombre Agamenón. Este tema se escucha en fortísimo en la trompa y la trompeta al unísono, junto con todas las cuerdas. El bajo suena en los trombones y contrabajos.
Cuando Elektra hace su aparición, entona este tema de cuatro notas con el nombre de su padre. Este tema aparecerá con distintas variaciones a lo largo de la ópera, por ejemplo cuando aparece Orestes, en boca de Elektra cuando Egisto pide ayuda al ser asesinado, y es el tema que cierra la ópera con la caída de Elektra luego de su danza frenética.
La entrada de Elektra es precedida por un tema, que resulta de la elaboración motívica del denominado acorde de Elektra. En dicho acorde Strauss utiliza la politonalidad, es decir la superposición de dos acordes distintos. Este acorde está conformado por los acordes de Mi mayor y Do sostenido mayor, y crea un efecto disonante acorde con la naturaleza de la protagonista.
En el monólogo de Elektra aparece un tema de naturaleza más lírica, que representa el amor paterno. La existencia de este profundo amor filial es el que va a provocar el deseo de venganza de Elektra ante el horrendo crimen de su padre. Este tema reaparece modificado en la escena del encuentro con su hermano. Strauss nos muestra musicalmente a los hermanos unidos en el amor hacia su padre, como contrapartida del deseo común de venganza.
El monólogo de Elektra culmina en una danza de características grotescas y macabras. Esta danza es un anticipo de la escena final, basada en el mismo tema, en la que Elektra celebra la venganza de su padre.
El contraste del carácter de Elektra y su hermana Crisótemis se ve subrayado musicalmente. Para acentuar el antagonismo entre ambos personajes, Strauss ha compuesto para Crisótemis una música lírica y emocional, a diferencia del estilo violento de la música de Elektra del comienzo. El uso en varios momentos del compás de ¾, le da a la música de Crisótemis un aire de vals, remarcando las características más convencionales y menos trágicas de este personaje.
En la escena en que aparece Clitemnestra la música se vuelve completamente atonal, anticipando la nueva orientación de la música a partir de compositores como Arnold Schoenberg y Alban Berg. En el monólogo inicial de esta escena aparece un tema incisivo, un rápido arpegio en los vientos que representa la ostentación que hace la reina de sus joyas y amuletos, y la relación fetichista con ellos. El efecto metálico que produce este tema será utilizado nuevamente por Strauss años más tarde en el tema de la rosa de plata en su ópera “El caballero de la rosa”.
Con la aparición de Orestes, Elektra lo interroga sobre su identidad, y tres solemnes acordes en Re menor, Si bemol mayor y Sol bemol mayor, no dejan dudas que se trata de una figura importante. La conmoción de Elektra al reconocer a su hermano se traduce en un acorde disonante fortísimo en toda la orquesta. Este acorde se hunde gradualmente en una profunda calma que acompaña la alegría de encontrarse frente a frente a su amado hermano. En la escena de Elektra y Egisto, la música de Strauss pinta un retrato caricaturesco y grotesco de Egisto.
La ópera culmina con la danza de Elektra, basada en el mismo tema presentado al final de su monólogo inicial, celebrando la venganza por la muerte de su padre hasta su caída final.

Aqui algunas escenas via Youtube:

Monologo de Elektra: Allein! (Birgit Nilsson)



Escena Clitemnestra (Deborah Voigt)



Oreste y Elektra: (Astrid Varnay)



Final, Cltthemnestra, Elektra (Gwyneth Jones, Birgit Nilsson)

21 enero 2009

Stephanie Blythe es Orfeo, "El padre de la música"

Stephanie Blythe responde a los retos de ser Orfeo, en el revival de esta produccion de Mark Morris.

¿En la ópera de Gluck, Orfeo esta en escena casi todo el tiempo, y tiene grandes escenas solo. Cuáles son los retos musicales y teatrales de esto? 
Estar en escena la mayor cantidad del tiempo es realmente de ayuda para meterse en el personaje y la trama. Cuando sales de escena a los camerinos, hay muchas cosas que ocurren y que interrumpen la concentración. Puedes conversar con colegas, o tener problemas con el vestuario. Cuando te tienes que concentrar por hora y media puede ser exhausto, pero estas en el personaje todo el tiempo. Musicalmente, me acomoda mucho a la voz. Así que debo ser inteligente cuando canto y distribuyo mis recursos apropiadamente. Es mucho mas cómodo y divertido para cantar que muchos otros roles.
 

¿Que es lo que más disfruta del rol?

Todo, el personaje, la música, el lenguaje. Lo cual adoro es que a pesar que Orfeo casi siempre canta para si mismo, parece mucho una pieza coral. Orfeo esta muy expuesto, pero nunca me siento sola, no mientras estoy rodeada de estos cantantes y bailarines maravillosos. Y solo escuchar esos adorables coros cantados por el Coro del Met.

La producción de Mark Morris combina escenarios tradicionales con coreografía y un set bien inusual. ¿Cómo describiría la aproximación del director para contar la historia?

Primero, debo decir que trabajar con Mark Morris y su excelente equipo de trabajo ha sido una satisfacción completa. Creo que hablo por todos mis colegas cuando digo que el proceso de montar la producción ha sido adorable. Creo que su aproximación es simple, clara, y expresada totalmente por la música, mas que todo. Como personaje cantado, Mark me ha hecho sentir, como si todo lo que tengo alrededor es una expresión de lo que Orfeo piensa y siente. Todos nos comunicamos y hacemos la historia avanzar. Cuando Euridice y yo estamos en lo nuestro, la producción se vuelve súper enfocada. Tenemos un espacio limitado y la parte mas difícil es no poder mirar directamente a Danielle de Niese. La escenografía de Allen Moyer ayuda mucho, pero cuando tu pareja canta tan apasionadamente no puedes reaccionar. ¡Es una situación difícil! Pero esos retos y detalles son lo que hacen de esta producción maravillosa.

Orfeo es conocido como “El padre de la música”. ¿Ese elemento del personaje se encuentra en su interpretación?

No se si eso influye en mi interpretación, pero me hace sentir que cantar es mi super poder. ¡Definitivamente hay un mejor poder el que tienes cuando quieres aplacar la ira en la Puerta de Hades!

¿Le gusta interpretar roles travestidos?

No lo hago siempre, pero me gusta interpretarun lado diferente al mio. Es una expresión diferente, un sentimiento diferente, y siempre un reto. Como actriz cantante, cada rol que interpreto tiene sus dificultades. ¿Cómo ser una diosa, una gitana, una mujer vieja? Pero encuentras que hay algo de ti en cada personaje y ahí es donde uno empieza. Para mí, todo crece a partir de eso, y en Orfeo el punto de partida es su amor y devoción por Euridice. Espero poder interpretar a un hombre como lo puedo hacer como mujer.—Charles Sheek

William Friedkin no hara "The inconvenient Truth" en La Scala


Via Opera Chic, nos enteramos que el director de opera y cine, William Friedkin, por razones personales, se retira de la direccion de la opera basada en la pelicula "The inconvenient Truth", por diferencias con los libretistas.

El estreno de la opera estaba planeado para mayo de 2011. La pelicula era la de Al Gore, donde advierte de los peligros del cambio climatico. La musica fue encargada a Giorgio Battistelli.

Se canceló "Tannhäuser"en el Municipal de Santiago

El Municipal de Santiago confirmo a la prensa la sustitucion de "Tannhäuser" por "Tristan und Isolde". El reparto se mantiene. Aqui el articulo de El Mercurio de Chile, cedido por Hugo Valdivia.


Se reemplazará con "Tristán e Isolda", del mismo autor: 
Se canceló la ópera de Wagner "Tannhäuser"en el Teatro Municipal

Los cantantes que ya estaban comprometidos con el título suspendido asumirán los roles del título de reemplazo. También se bajó el ballet "Coppelius, el Mago".

ROMINA DE LA SOTTA DONOSO

Desde 2006 que no sucedía algo similar. El Teatro Municipal suele hacer cambios en sus elencos, pero no bajar títulos ya comprometidos. La suspensión, hace tres años, de "La Gioconda" de Ponchielli y "Elektra", de Strauss, se comprendió como un coletazo de la crisis que vivía entonces el coliseo.

Pero ayer el Municipal confirmó que había pospuesto para 2012 la ópera "Tannhäuser" de Wagner- que originalmente se presentaría en junio de 2009- aduciendo "razones programáticas". Pero todos los cantantes comprometidos para ese título ahora cantarán en la producción de 2007 "Tristán e Isolda", también de Wagner. Así, el tenor Jon Fredric West pasó de Tannhäuser a Tristán; la soprano Kirsi Tiihonen, de Elisabeth a Isolda; la mezzosoprano Petra Lang, de Venus a Brangania; Kristinn Sigmundsson, de Hermann a Rey, y el barítono James Johnson, de Wolfram a Melot.

Por lo visto, se aprovecharán las cualidades tímbricas e interpretativas de las voces, manteniéndolas en el mundo wagneriano. Pero también evitarán los costos de una nueva escenografía ("Tannhäuser" requiere un castillo del siglo XII) y de sus exuberantes recursos corales.

En el público del Municipal hay distintas reacciones. "Me parece una irresponsabilidad muy grande, está pasando lo mismo que en 2006: yo tenía mi abono pagado y cambiaron toda la programación, poniendo espectáculos mucho menos interesantes que los prometidos. Por eso dejé de ser abonado y ahora cruzo los dedos cada vez que compro unas entradas", declara Germán López.

"Me produce sentimientos encontrados. Esperaba ver 'Tannhäuser', que la presentaron en el 83, mientras que 'Tristán...' la dieron hace dos años. Pero todos estamos pasando por una crisis y 'Tristán' es mucha menos gente en el coro y que vestir", comenta Luis Felipe Prats, abonado.

También se suspendió el estreno de la producción propia del Ballet de Santiago "Coppelius, el Mago", y se reemplazará por una nueva revisión de "Cascanueces".

SU HISTORIA EN CHILE DESDE 1897

Según relata Mario Cánepa en su libro "La Ópera en Chile", en 1896 el Municipal planeó cerrar su temporada con "Tannhäuser"; sin embargo, se prefirió una nueva función de "La florista de Lugano", ópera chilena de Eliodoro Ortiz de Zárate. En 1897, "Tannhäuser" tomó su revancha. Las crónicas de la época dicen que no hubo mucho a favor de la música de Wagner, que el público no comprendió el mensaje y que un ballet "malamente improvisado destrozó los cuadros del nacimiento de Venus y la Ronda de la Bacanal". Incluso el tenor (Jean Dimitresco) no se sabía bien su parte. No obstante, la ópera se repitió cuatro veces en esa misma temporada y se revivió al año siguiente (1898) con Eva Tetrazzini, favorita del público, y Fiorello Giraud. Volvió los años 1899, 1917 y 1944. En 1983 se repuso bajo la batuta de Franz-Paul Decker, con Richard Cassily, Marita Napier (en el doble papel de Elisabeth y Venus), John Macurdy y Norman Bailey, con puesta de Roberto Oswald.

19 enero 2009

Netrebko y su regreso post parto: no del todo bien


Anna Netrebko volvio despues del receso que se tomo varios meses por embarazo, para protagonizar "Lucia di Lammermoor" en el Mariinsky de San Petersburgo, dirigida por Gergiev. Si bien fue recibida y ovacionada, su performance no fue del todo bueno segun asistentes, e incluso se filtro que estuvo a punto de ser sustituida.

Aqui dos videos de reportajes de la television rusa, donde podemos ver escenas de la produccion.





5-TV

Domingo anuncia el “Anillo” y la Temporada 09-10 de Los Ángeles Opera

Producciones de L’Elisir d’Amore, Il Barbiere di Siviglia, Tamerlano y “The Stigmatized” serán parte de la temporada 09-10 de Los Ángeles Opera, anunció en conferencia de prensa su director general, Placido Domingo. Junto a estas producciones se esperan “Siegfried”y “Gotterdammerung” dos ultimas partes del anillo de Wagner, primero en forma de concierto, y luego montadas en producción, que formaran parte de la tetralogía que se presentara en el otoño de 2010, dentro del “Festival Wagner

Sin embargo, se esperaba también estrenar una nueva opera, basada en la película “Il Postino” del compositor Daniel Catán, pero ha sido pospuesta, por temas de presupuesto. La opera iba a contar con Rolando Villazón y Placido Domingo en los papeles principales.

Sin embargo, Villazón si esta presente en la temporada, en “L’Elisir d’Amore” junto a Nino Machaidze, Nathan Gunn y Ruggero Raimondi.

Nathan Gunn también será Figaro en “Il Barbiere di Siviglia” en la producción del Real de Emilio Sagi, con Juan Diego Florez y Joyce Di Donato. Florez participaría de esta producción luego de su concierto en la fortaleza del Real Felipe en el Callao el 14 de noviembre.

Para la producción del “Anillo” se tienen grandes nombres de la lírica wagneriana, como Vitalij Kowaljow (Wotan), Linda Watson (Brünnhilde), John Treleaven (Siegfried), Domingo (Siegmund) y Michelle DeYoung (Fricka). La tetralogia completa se presentara dentro del “Festival Wagner” que incluye diferentes actividades en honor al compositor.

“The Stigmatized” es una opera de Franz Schreker, compositor judío que sufrió la censura de su obra durante el periodo nazi. Desde hace años LA Opera tiene un programa para resucitar este tipo de obras que sufrieron persecución y censura.

Además, Thomas Hampson y Renée Fleming aparecerán en recitales.

18 enero 2009

Stephanie Blythe: Una mezzo única en su generación

Stephanie Blythe es una mezzo americana ganadora del premio Richard Tucker en 1999. La crítica especializada y el público coinciden en que ella es una de esas nuevas estrellas que aparece una vez cada generación. Blythe debuto en 1996 reemplazando a Marilyn Horne a último minuto en el papel de Mrs. Quickly en el “Falstaff” de Verdi. 

Desde ese momento a interpretado diferentes roles en varios teatros, pero especialmente en el Met, donde ha destacado en una gran variedad de papeles, muy distintos en complejidad, lo cual sorprende a entendidos y entusiasma al publico. Ha cantado, por mencionar algunos, Fricka en “Die Wälkure”, Ulrica en “Un ballo in Maschera”, Los tres roles para mezzo de “Il Trittico”, y Eudige en “Rodelinda”. Incluso la han nombrado como la digna sucesora de Marilyn Horne en el repertorio barroco y belcantista. Es una de las pocas cantantes que entusiasman en roles tan complejos y variados.

Esta temporada Blythe debuta como Orfeo en “Orfeo y Euridice” de Gluck. Esta producción es dirigida y coreografiada por Mark Morris, y se estreno en el 2006, hecha específicamente para Lorraine Hunt Lieberson. Esta falleció antes del estreno, por lo que se le dio el papel principal al contratenor David Daniels.

Blythe ha vuelto a cautivar a las audiencias de nuevo con una voz “llena de voltajes de música, en un tour de force que la ha hecho dueña del rol” según en New York Times.

Este sábado 24 a partir de la 1pm. podremos ver a esta gran mezzo, junto a las sopranos Danielle de Niese y Heidi Grant Murphy en “Orfeo y Euridice” dirigidas por James Levine, en vivo en alta definición y sonido dolby 5.1 desde el Met a los multicines UVK Larcomar. La repetición será el miércoles 28 a las 7:30pm.

Clikee aqui para leer el articulo del New York Times sobre la produccion, ver fotos y escuchar un fragmento de Blythe cantando "Che faro senza Euridice".

17 enero 2009

Andrés Veramendi logra papel estelar en la Opera de Santiago


Por primera vez, un tenor peruano es seleccionado para participar de la temporada internacional del Teatro Municipal de Chile. Andrés Veramendi, joven tenor peruano, residente en España y reconocido en el medio lírico local, audicionó ante los directores del Teatro Municipal de Santiago, y fue escogido de entre 150 candidatos de diversos países para interpretar el papel de Alfredo en la ópera “La Traviata” de Giuseppe Verdi, los días 22, 25 y 27 de mayo en la capital chilena, como el segundo reparto, alternandolo con el tenor americano Dimitri Pittas.

El Teatro Municipal de Santiago de Chile presenta actualmente la temporada de ópera más importante de nuestro continente. Sede también de la Orquesta Filarmónica de Santiago y del Ballet de Santiago, la ópera del Teatro Municipal presenta temporadas anuales que duran de mayo a noviembre, con un promedio de seis a ocho títulos anuales, y con la presencia de los más destacados artistas del circuito internacional, entre cantantes, directores y productores.

La Traviata” de Giuseppe Verdi es una de las óperas más representativas del genero. Con texto de Francesco Maria Piave, está basada en la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dama de las camelias. Fue estrenada en el teatro La Fenice de Venecia en 1853. El papel de Alfredo es uno de los más importantes del repertorio lírico, siendo carta de presentación de grandes cantantes, entre los que se cuentan Plácido Domingo, Alfredo Kraus, Luciano Pavarotti, Giuseppe di Stefano, entre otros.

Andrés Veramendi es un tenor reconocido en nuestro medio por las recientes temporadas de ópera y zarzuela en Lima. Ha interpretado a Don José en la ópera “Carmen” de Bizet y a Mario Cavaradossi en “Tosca” de Giacomo Puccini. Así como ha participado en las zarzuelas “La Dolorosa”, “Doña Francisquita”, “Luisa Fernanda”, “La del Soto del Parral”, entre otras. Así mismo ha cantado las operas “Carmen” y “La Bohème” en Madrid, y prepara “La Vida Breve” en Turquía y “Doña Francisquita” en Bogota para fin de año.

Veramendi formará parte de este elenco internacional que abre la temporada 2009, junto a reconocidas estrellas como Dimitri Pittas, Norah Ansellem y Stefano Antonucci, en una producción de Jean-Louis Grinda, director artístico de la ópera de Montecarlo, y del reconocido vestuarista chileno Jorge Jara. Esta producción de “La Traviata” estará ambientada en un burdel de mitad del siglo XX, pasada la Segunda Guerra Mundial.

Aqui veamos a Andres cantando el aria de Rodolfo de "Luisa Miller" de Verdi.



Y Aqui Dimitri Pittas, cantando el "o figli miei" de "Macbeth" de Verdi, en la ultima produccion del Metropolitan Opera



Temporada de Opera de Lima 2009 confirmada

Romanza ha confirmado sus titulos y elenco para la temporada 2009. Como ya se sabe, la temporada abre con Atila de Verdi en abril para el Festival de Opera Alejandro Granda. Luego sigue la temporada internacional en agosto y setiembre, con dos títulos: "La Traviata" de Verdi y "L'Elisir d'amore" de Donizetti. Ambos con doble elenco, y termina en octubre y noviembre con la temporada de zarzuela, con "La Leyenda del Beso" de Soutullo y Vert. La temporada finaliza con el concierto de Juan Diego Florez en el Real Felipe, y una Gala anual en noviembre. Aparte de los grandes artistas que vienen para Atila, cabe destacar la presencia de una institucion en la zarzuela mundial, Milagros Martin, presente en Lima esta temporada. Nada mal para una temporada, tener a talentos mundiales juntos como Milagros Martin, Juan Diego Florez, Ildar Abdrazakov, Aquiles Machado, Dimitra theodossiou, Massimo Gasparon, Enrique Ricci y Vivien Hewitt. A seguirle dando para darle a la escena operistica local el nivel que se merece.

La programacion y elencos van como sigue:

Abril 14,16 y 18
Teatro Municipal del Callao

Festival internacional de Opera Alejandro Granda
Attila ,Opera de Giuseppe Verdi


Elenco internacional :
Christopher Franklin ( Director )
Massimo Gasparon ( Regista )
Ildar Abdrazakov ( Attila )
Dimitra Theodossiou ( Odabella )
Aquiles Machado ( Foresto )
Claudio Sgura ( Ezio )

En asociación con Amigos Peruanos de la Opera y el Gobierno Regional del Callao.



Agosto 13, 14, 15, 20,21 y 22
Teatro Segura


La Traviata , Opera en 3 actos de Giuseppe Verdi

Direccion Musical : Enrique Ricci
Regista : Vivien Hewitt

Elenco Internacional y Nacional :

Violeta Valery: Elena Kantcheva / Jacqueline Terry
Alfredo Germont: Ivan Magri / Andrés Veramendi
Giorgio Germont: Giuseppe Altomare / Karoly Smeredy
Flora: Mónica Canales
Baron Duphol: Humberto Zavalaga
Gaston: Manuel Rodrigez
Doctor Grenville: Carlos Martinez
Marquez d'Obigny: Oscar Cuya
Annina: Ximena Agurto

Orquesta Sinfonica Romanza
Coro Lirico Romanza - Dirección Javier Súnico
Ballet alma gitana – Dirección Lourdes Carlin


Agosto, 29,2,4,5 y 6 de Setiembre:

L' elisir d'amore, Opera de Gaetano Donizetti
Teatro Segura

Dirección musical: Espartaco Lavalle
Dirección escénica: Emilio Montero

Elenco:
Orquesta Sinfónica Romanza
Coro Lírico Romanza
Director: Javier Súnico

Adina: Laura Sabadell ( España) / Josefina Brivio
Nemorino: Ivan Magri ( Italia ) / José Marino
Belcore: Xavier Fernández
Dr. Dulcamara; Norberto Marco ( Argentina )
Giannetta: Lorena Aranda
Temporada de Zarzuela
La Leyenda del Beso, Zarzuela en tres actos de Soutullo y Vert
(En coproducción con Fundación Jaime Manssur de Bogotá)
27, 29, 30 y 31 de Octubre 5, 7 y 8 de Noviembre
Teatro Segura

Director de Escena: JAIME MANZUR (Colombia)
Orquesta Sinfónica Romanza
Coro Lírico Romanza
Director Javier Súnico
Ballet : Alma Gitana
Dirección: Lourdes Carlín

Amapola: Milagros Martín ( España)/ Pilar Ciruelos
Conde: Andrés del Pino (España)
Madre Ulita: Giannina Salgado
Coral: Rosa Parodi
SimeonaLorena Aranda
Cristobal Enrique Victoria
Gorón Oscar Cuya
Alesko John Mendoza


14 de Noviembre
Concierto de Juan Diego Flórez

Dirección de la Orquesta : Christofher Franklin
Fortaleza del Real Felipe – Callao
En coproducción con Amigos peruanos de la Opera.

20 de Noviembre
Gala lírica anual de Romanza

13 enero 2009

Ernesto Palacio: “Tengo que admirar a alguien para poder trabajar con él”



Entrevista exclusiva por Gonzalo Tello

Ernesto Palacio se dio el tiempo las últimas horas del 2008 para concederme esta entrevista donde hace un balance de su trabajo, habla de sus cantantes y los planes y aspiraciones para el futuro. Como Manager de Juan Diego Florez, Daniella Barcellona e Ildar Abdrazakov, prepara el proximo Festival de Opera "Alejandro Granda" donde presentara "Attila" de Giuseppe Verdi con Abdrazakov, junto a Dimitra Theodossiou y Aquiles Machado. Ademas de el trabajo de sus representados para los proximos años.

GT: Ya son 10 años como manager…

EP: Un poquito más, empecé en marzo del 97.

¿Cual es el balance de estos diez años, desde que empezó hasta el momento?

Habría que decir que la forma como empecé este trabajo no fue la mas lógica, porque yo empecé como cantante y ‘odié’ siempre a los agentes, de manera que volverme agente no era lo más normal. En el 96 Juan Diego (Flórez) comienza a trabajar como profesional y el nunca se ocupó de hablar con un teatro o con un agente, fue siempre a través mío. De manera que yo decidía prácticamente sus contratos en esos meses del 96 y los primeros meses del 97.

(Suena el teléfono, lo llaman Alessandra Marianelli y Michele Mariotti desde Italia a saludarlo por año nuevo)

Bueno, viendo que mi carrera en vez de ir para arriba comenzaba a bajar, y viendo qué iba a hacer cuando dejara de cantar, hablé con un agente que trabaja ahora en la dirección artística de la Scala. Me recomendó y entre a ser parte de una agencia que ya existía, ocupándome de la parte de los cantantes. No fue simple pero me sirvió para ir conociendo el tema, y me ocupaba de cantantes que no eran los que yo elegía. Poco a poco fui viendo lo que era conveniente, pero tratando de darle una orientación distinta. Después de unos tres o cuatro años, en 2000 o 2001, hubo problemas y se tuvo que cerrar. Quedé libre y desde ese momento formé mi propia agencia, y me siento mucho mas contento, tranquilo y libre. Me organizo de acuerdo a las circunstancias y tengo a la gente q yo admiro. Tengo que admirar a alguien para poder trabajar con él. Esa admiración no es ciega, que no me deja ver los defectos. Solamente que cuando hay presencia de algo particular es cuando vale la pena.


¿Cómo llegan los artistas a ser representados por Ernesto Palacio?

En este momento tengo 13 artistas, 3 directores de orquesta, un regista y 9 cantantes. Generalmente me ha gustado la situación ‘Juan Diego’ en que prácticamente era un artista que nadie había conocido. Tuve en ese tiempo la oportunidad de dedicarme a su preparación vocal y musical y luego fue un descubrimiento. Trato por lo general de que sea de esta manera. Tome a Daniella Barcellona y Nicola Ulivieri cuando ya tenían un par de años de carrera cada uno, pero puedo decir que desde que estuvieron conmigo, por las circunstancias, dieron el salto de calidad hacia una carrera mejor. Otro como Ildar Abdrazakov, lo preparé en el 2001 para el concurso ‘Maria Callas’ de la televisión en Italia. Ganó el primer premio, eso le valió debutar pocos meses después en La Scala en el segundo reparto de ‘La Sonnambula’, que Juan Diego hacia también, pero en el primer reparto. Entonces he tenido responsabilidad directa. Por ejemplo, Alessandra Marianelli, que vino aquí a cantar Gilda en Rigoletto. La conocí en un concurso de canto del cual yo era jurado y si bien no ganó, a mi me gustó y las cosas le están yendo tan bien. Justo acabo de hablar con ella y con Michele Mariotti que es su novio, y están esperando bebe para mayo. Eso no le permite debutar en La Scala desgraciadamente, porque estaba prevista para ‘Il Viaggio a Reims’. Ya llegará mas tarde. En fin, es un año importante en este sentido para ellos dos. Últimamente he decidido ocuparme también de otro tipo de cantante, como Elīna Garanča, ya consagrada. La estoy representando en Italia y a su marido Karel Mark Chichon, director de orquesta, y en fin, hay casos y casos.

Solo representa a Elīna Garanča en Italia...

En Italia y probablemente en otro país más, pero como te digo, ella tiene la carrera hecha y sobretodo infinidad de contratos. De manera que si las cosas siguen funcionándole bien no tiene mayor necesidad. Ella sentía que le faltaba Italia en su carnet, y por otro lado Italia estaba muy interesada pero faltaba esto, Me han tocado la puerta y yo encantado

Muchos dicen que es el mejor manager del mundo. ¿Como toma esto?

Bueno, (pausa) no creo, no creo. Pasa lo siguiente: si a uno le gusta ir al restaurante de lujo donde apenas llegas te ponen las alfombras, hay otros que les gusta el pequeño restaurante que te hace la comida casera o algo así. Eso yo soy, el pequeño ‘hecho en casa’, y tan en casa que prácticamente yo no acepto…yo recibo infinidad de pedidos por todos lados, incluso sé que me invitan a ser parte de jurados justamente porque mi presencia en esos concursos atrae a muchos muchachos que dicen ‘al menos así me escucha’ porque yo normalmente no hago audiciones. Porque se ha hecho una fama de club casi ‘exclusivo’, de muy poca gente donde es muy difícil entrar. Pero por limitaciones mías, porque yo no puedo tener esta súper agencia con infinidad de cantantes, no es lo mío, no es lo que me ha gustado, lo que me ha interesado…

Tampoco seria la idea…

No, no, porque no te puedes ocupar bien de toda la gente. A mi me encanta el poder preparar a uno, ayudar en la manera mejor posible a que el resultado sea mejor. Entonces después de haber trabajado con uno que le has cuidado cómo hacer esa frase, vas al teatro y ves que la hace de esa manera, entonces son satisfacciones…


¿Con todos los representados se trabaja igual? ¿Hay un seguimiento de la voz, cada nuevo papel?

Indudablemente hay algunos con los que necesito trabajar más, otros menos, hay algunos con los que basta decir dos o tres cosas, hay otros con los que tienes q insistir. Hay gente a la que le puedo decir al final del primer acto ‘Todo ha sido horrible, a ver si lo tratas de hacer mejor’ y lo hacen mejor. Y hay otros que si les digo la misma cosa se deprimen y la segunda parte la hacen peor, En fin, es cuestión de psicología, de saber qué se tiene que decir y hacer.

Cuéntenos un poco de los logros de Ildar Abdrazakov.

Ildar comienza, como te digo, ganando este concurso de canto ‘Maria Callas’ y de allí prácticamente pasa a cantar ya en la Scala, Regio de Parma, etc. Lo conoce Riccardo Muti y lo pide para infinidad de cosas…

Es el favorito de Muti…

Si, por la clase. La voz de Ildar es muy bonita, muy rica. No es la tradicional del bajo que se piensa que va a llegar hasta abajo, no. En este momento es un bajo joven por la edad, y la voz evolucionará. Se encuentra en una etapa donde todo lo que es de bajo noble con agudos le queda fantástico. Incluso hasta algunas partes ‘anfibias’ como el Escamillo, o en Rossini, etc. Tenemos mucha prudencia para ir a tomar papeles. Esta mañana he contestado a un teatro que lo pedía para hacer Fiesco en ‘Simon Boccanegra’. No, no nos parece por el momento. ‘Nabucco’, ¡cuantos se lo han pedido! No, por el momento. En cambio, ‘Attila’ es un papel que va para arriba y le queda. Justamente con el aria de Atila ganó el concurso Callas. El próximo verano va a estar cantando el ‘Moise et Pharaon’ en el Festival de Salzburgo con Muti, con quien lo hizo en la Scala. Es una parte justa para el: Noble. Sobretodo que el no fuerza nunca, no empuja nunca, a el le gusta la línea de canto, eso es lo que lleva adelante, mas que el vozarrón…


Sin embargo tiene un repertorio variado: Fausto, Carmen, Lucia…

Por supuesto, ‘Fausto’, ‘Lucia’, mucho Rossini, ‘Italiana’, ‘Barbiere’. Él no es el bufo tradicional, pero su Mustafa, hasta hace algunos años lo hacían bufos sin voz. En cambio, después que la grabo Samuel Ramey, se dieron cuenta de que había también que ‘cantarlo’, de manera que es un personaje que le queda muy bien.

¿Es Verdi un siguiente paso en su carrera?

El ya ha cantado ‘Macbeth’ en La Scala, ha hecho la ‘Forza’ con la producción de La Scala y la del Mariinsky con Gergiev. Luego el ‘Oberto’. El ‘Don Carlo’ es una ópera que se la han ofrecido pero él quiere esperar. Para el 2013 se va a hacer un ‘Don Carlo’ en el Regio di Torino, donde el director musical del teatro, Gianandrea Noseda, que es un director relativamente joven que esta yéndose para arriba, lo quería a él y Daniella Barcellona como Eboli. También ella esta yéndose paulatinamente hacia este repertorio. Ildar ha preferido decir que no por el momento, en cambio, creemos que con Daniella ha llegado ya el momento.

Ud. ha dicho que ese es su papel idóneo en Verdi…

Si. Ella tiene de Verdi por el momento dos posibilidades bastante concretas que es este ‘Don Carlo’, En Torino y en otro lado, y también la ‘Aida’.


Algún plan de traer a otros artistas al Perú, aparte de Abdrazakov que ya viene para Attila?

Si fuera por mí, traería a todos. Por el momento las circunstancias no nos dan para más. Tengo la satisfacción de haber traído a Lima ya a Ildar, que ahora regresa, a Daniela Barcellona, a Juan Diego, a Mariella Devia que canto ‘I Capuletti’. A veces tú haces un esfuerzo tremendo de traer lo que crees que es lo mejor y no es suficientemente apreciado o la respuesta del público a veces te traiciona. Claro, hay personajes como Juan Diego que no necesita ningún tipo de publicidad y hay otros que, no obstante, sean mucho más grandes y conocidos en el mundo que aquí no tienen lo mismo. En el 2010 la idea es hacer debutar ‘Werther’ a Daniela Barcellona y en el 2011 haríamos ‘El Barbero de Sevilla’ y he tenido la suerte de contratar a una mezzosoprano joven que se esta abriendo campo muy rápidamente que se llama Kate Aldrich. Viene a hacer Rosina con Juan Diego, Alfonso Antoniozzi como Bartolo, Paolo Bordogna como Figaro y Nicola Ulivieri como Basilio. Me he parado un poco en el 2011 pues vamos a ver que cosa pasa con los teatros de Lima y el festival. Si yo propongo una temporada con Juan Diego yo se que no tengo ningún tipo de obstáculo, al contrario. Mas bien el obstáculo son las fechas de Juan Diego, para encontrarlas.

En el tema de Juan Diego, ¿Cuáles son los próximos pasos en tema de repertorio y nuevo roles?

Este año que ha cerrado el ha debutado dos papeles: ‘Rigoletto’ y ‘Orfeo’. Cuando uno debuta una ópera como ‘Orfeo’ y ve que produce un gran placer cantar ese rol y que sobretodo la respuesta es unánime superlativa, entonces uno dice, ‘tenemos que hacer mas esta ópera’. Pero cuando te encuentras con que tienes una agenda que va llena de acá al 2014, ¿donde lo pones? Ese es el problema. Hay algunos títulos que se quedan en el aire y no porque uno los saque de repertorio sino porque la agenda esta hecha y no se puede decir que no a un compromiso tomado, para tomar otro que te gusta más, no es profesional. De todas maneras, sea el ‘Orfeo’ o el ‘Rigoletto’ son óperas que él considera hacer en las mejores circunstancias. Por ejemplo, el ‘Rigoletto’ no lo va a hacer en Madrid en Junio, pero no porque no le quede bien la ópera, la ópera no le cuesta nada respecto a las cosas mas complicadas que el sabe saber. Lo que pasa es que no hay que poner un ‘Rigoletto’ cuando después viene un ‘Barbero’. En junio de este año era el ‘Rigoletto’ de Madrid, en julio el ‘Barbero de Sevilla’ en Covent Garden con Pappano, y en agosto la ‘Zelmira’ en Pesaro. Entonces, yo no puedo poner un titulo que va a poner en problemas el siguiente. Esas cosas se aprenden también. Cuando cantó el ‘Rigoletto’ en el Callao, después fue a Nueva York y cantó la ‘Fille du Regiment’ y tuvo el éxito que tuvo, de manera que no se notó en la vocalidad un cambio. Mientras que después del ‘Rigoletto’ de Dresden, él tuvo conciertos donde cantaba su repertorio rossiniano virtuosistico de agilidad. Ahí sí se dio cuenta que le costaba más. No que le fuera mal, al contrario, pero lo que uno siente, eso lo sabes. Entonces, si tu has tenido un autor que te ha puesto en el primer lugar del mundo, ¿porque comprometerlo con resultados más o menos? Tanto más que ‘Rigoletto’ ha venido después de más de 10 años de carrera, y no ha sido el autor ni la ópera que te ha puesto en ningún lugar preferencial. Esas son las cosas que se aprenden. Se va a poner en el 2010. No se ha quitado del repertorio, la seguirá haciendo y es una ópera para el futuro de Juan Diego, cuando comience, digamos, a ser menos virtuoso con sus posibilidades.

El programa para el 2012 es debutar ‘Pescadores de Perlas’ en Las Palmas, donde ya ha debutado otras óperas. Estaba previsto que debutara el ‘Cosí fan Tutte’ en 2011 como su primer Mozart, pero una serie de circunstancias que han sucedido en el Teatro Real nos han hecho pensar que de repente no es conveniente o la mejor situación, y justamente necesitábamos un periodo libre para poner algunas cosas que había que poner de todas maneras y vamos a aprovechar de hacerlo, de forma q no cantara ‘Cosí’ en el Real. La ‘Zelmira’ la debuta en Pesaro este 2009 y eso sería todo. Se había hablado de debutar ‘Robert Le Diable’ en Covent Garden pero no la va a hacer tampoco. En este momento no hay otro debut particular. La agenda esta más que llena y mas bien si se puede escoger de entre títulos ya hechos y se sabe que funcionan, como ‘I Puritani’, que vuelve después de años que no lo hace. Como te digo, no por algún motivo particular, sino porque no ha habido tiempo u ocasión antes.

La siguiente pregunta era si Juan Diego iba a volver a estrenar un rol en Lima, pero por lo que me dice no lo creo…

No, el vendría a hacer ‘Barbero’ porque es justo que lo haga en Lima. Eso en el 2011, y para el 2012 no hay tiempo para una ópera, de manera que vendría solo para un concierto. Ya veríamos qué se piensa hacer en el 2013. Muy probablemente, aún esta por ver, un ‘L’Elisir d’Amore’, visto que en el 2013 él lo tiene que hacer en el Metropolitan. Sería lo mas lógico, además es un titulo muy bonito. A menos que el nos diga que aprovechemos para debutar alguna cosa, de momento no hay ningún interés particular.

Cambiando de tema, ¿Por qué se escogió ‘Attila’ como titulo para este festival?

En las balanzas donde pongo los ingredientes, digamos, tengo varios factores. Primero, yo quería una ópera de Verdi. Segundo, quiero hacer una que no sea de las más conocidas. Un año tuvimos ‘Rigoletto’, el otro que sea algo más que ayude a la gente a enriquecerse. De ahí tengo que buscar a los interpretes, y cuando yo tengo la posibilidad de traer a Ildar Abdrazakov ¿que cosa le doy? Una cosa que sé que hace bien y le conviene hacer, porque él ha cantado ‘Attila’ una sola vez en Amsterdam en forma de concierto, y la tiene que hacer en el Metropolitan. Entonces si yo le digo ‘te la vienes a hacer en escena antes del Metropolitan’, le va a interesar.

Es su debut en escena con esta ópera…

Si, y eso lo ve conveniente y lo lleva a considerarlo. En el caso de Dimitra Theodossiou, yo la conozco mucho, ha cantado muchas óperas con mi gente y siempre la he apreciado incluso como persona. Ella tiene la curiosidad de ver otras realidades, pues puede ver lo que pasa en los teatros habituales, pero quiere ver qué pasa en Perú, eso le interesaba. De hecho, viene con su hijo. Aquiles Machado es un tenor al que le atrae la idea de cantar en Sudamérica siendo sudamericano y también le interesa debutar el rol. En fin, no es una sola razón.

La producción es de Massimo Gasparón, ¿ya hay alguna idea de cómo va a ser?

Si te acuerdas de la ‘Hija del Regimiento’, en escena fue algo que llenó los ojos. A mi me interesaba eso. El tiene el gusto por lo bello, de hecho su maestro es Pier Luigi Pizzi. Entonces a mi, más que una cosa súper moderna, yo creo que era más importante llenar los ojos. En el ‘Rigoletto’ también, aunque tuvimos dificultades porque todo el diseño que tenia de la realización no se pudo hacer, y era su primera vez trabajando en el teatro Municipal del Callao. Pero me acuerdo que cuando se abría el telón, te llenabas los ojos con el vestuario, color, etc. Me gusta la idea de lo bello más que lo realístico, lo que no quiere decir que vaya a quedar siempre así, de hecho en los próximos años he pensado también en otras soluciones. No sé cuál sea la idea que el tenga para este ‘Attila’ pero es una ópera que el conoce bastante, de la cual ya existe una producción suya a la que se hará cambios, fabricando todo acá como se ha venido haciendo.

Pero uno se imagina la línea por la que ira, no será algo muy audaz…

¿Para que audaz?, lo audaz debe ser en lo vocal y musical. Yo creo que la ópera es voces y música, lo de la producción debe ser para ayudar, y no tomar nunca el protagonismo. Cuando hay la justa combinación es cuando ambas se encuentran. La parte vocal y musical pueden sobresalir, pero no la otra. Si es porque es muy buena si, pero si es para hacer escándalo, no.

¿Qué proyectos personales tiene para el futuro en Perú?

Quiero seguir llevando a cabo el Festival Granda, pero mi ilusión seria que se creara un teatro dedicado única y exclusivamente a la ópera. Un teatro que tiene a su disposición orquesta, coro, ballet, que hace una programación durante el año de ópera, ballet, conciertos sinfónicos, conciertos corales y vocales durante todo el año, con dirección artística. Eso no es nada especial, es lo que sucede en cada ciudad del mundo Aquí pasa que tenemos un teatro como el Teatro Segura o el Municipal si finalmente lo abren, que la municipalidad lo alquila y si tú quieres vienes y pagas por el espacio para hacer lo que sea. Para la ópera uno mismo tiene que buscar la orquesta, el coro, armarlo, etc. Y eso es una dificultad que no se entiende, cuando el Estado ya tiene los elencos como la orquesta y el coro. Es una no planificación hacia un mejor resultado y no se entiende por qué. Yo lo dije en la chancillería cuando me condecoraron hace algunos años. Hacia eso yo estoy dispuesto a ayudar y mejorar, pero no me toca hacerlo, porque no soy político ni vivo en el Perú.

12 enero 2009

Amato Opera cierra despues de 60 años


Amato Opera, compañía que desde hace más de 60 años presenta temporadas en su pequeño teatro para un poco mas de 100 personas en el East Village de Manhattan, cerrará al finalizar su temporada 2009. Según un articulo del New York Times, la noticia del cierre de la compañía fue dada antes de empezar la representación de “La Viuda Alegre” de Franz Léhar, este último sábado, por Anthony, su fundador de 88 años. Dijo que había vendido el edificio que alberga el teatro. La temporada seguirá hasta el 31 de mayo con ‘La Boheme’ y ‘Le Nozze di Figaro’.

La compañía fue fundada en 1948 por Anthony y Sally Amato para ofrecer ópera a precios accesibles y darles la oportunidad a jóvenes cantantes en producciones completas. Desde 1964, su sede esta en el East Village de Manhattan, en Nueva York. Es una de las poquísimas compañías en Estados Unidos que se sostiene con dinero particular, y no recibe subsidios del estado, algo muy común en Europa.

I Puritani con Juan Diego Flórez en Bologna


En el blog 'Escuchando Opera' podemos ver ejemplos musicales de lo que fue el reciente "I puritani" presentado en Bologna. Juan Diego Florez y Celso Abelo intercalan el suicida papel de Arturo. Florez ha tenido criticas mixtas en este regreso al rol despues de algunos años. aqui un extracto del 'credea si misera' del ultimo acto, donde Albelo alcanza el Fa sobreagudo.


Aqui dos grabaciones de Juan Diego Florez y Nino Machaidze cantando el 'vieni fra queste braccia' y 'credea si misera' del ultimo acto, en el ensayo general de la obra la semana pasada.





Fuente: Escuchando Opera
Foto: Opera Chic via internet

Primer Festival de Opera de Camara en Santiago


Con informacion de la Universidad de Chile, sabemos que durante enero se realizara en Santiago el Primer Festival de Opera de Camara en Santiago. Los titulos son bien interesantes y amplian la oportunidad de los jovenes a trabajar y perfeccionarse.


Facultad de Artes se hace presente en Primer Festival de Ópera de Cámara

La "Cantata del Café" de J. S. Bach, y "Brundibár" de H. Krása, son las obras que la Facultad de Artes de la Universidad de Chile presentará en el marco del Primer Festival de Ópera de Cámara. La iniciativa, organizada por la Pontificia Universidad Católica de Chile, la Universidad de Santiago y la Universidad de Chile, recibió para su realización alrededor de 40 millones de pesos del Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes en la Línea Bicentenario.
"La verdad es que la idea surgió desde la Universidad Católica, de Miryam Singer, iniciadora de todo este asunto y también cabeza del proyecto. Creemos que es una excelente iniciativa reunir a todos quienes estamos trabajando en esto, para realizar algo en conjunto en vez de estar compitiendo entre nosotros", señala Hanns Stein, académico del Departamento de Música de la Facultad de Artes, sobre las primeras conversaciones que dieron paso al I Festival de Ópera de Cámara que reunirá, en el Centro de Extensión de la UC, a estudiantes y profesores de las escuelas de Música de la U. Católica y de la U. de Chile, así como a la Orquesta Clásica de la Usach.

El proyecto, coordinado por Miryam Singer, subdirectora de extensión del Instituto de Música de la UC; Rolando Cori, director de Extensión, Vinculación y Comunicaciones de la Facultad de Artes de la U. de Chile; y Haydée Domic, directora de Extensión y Actividades Culturales de la Usach, recibió para su realización alrededor de 40 millones de pesos del Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes en la Línea Bicentenario, y busca, entre otras cosas, mejorar el acceso de públicos masivos a la ópera, asociar los elencos de las tres universidades para formar redes y fortalecer las competencias profesionales de cada una de las agrupaciones musicales que participan en el proyecto, y convertirse en un espacio de acogida para jóvenes artistas.

Al respecto, Hanns Stein explica que "la ópera, por lo general, es una actividad elitista y, además, a los cantantes nacionales les dan muy poco trabajo. Ese es el problema que enfrentan nuestros estudiantes porque nadie está interesado en darles una oportunidad. Por ejemplo, uno de mis alumnos, Javier Arrey, fue a un concurso en Dresden y quedó entre los diez finalistas, una tremenda cosa porque ellos escucharon a 600 cantantes de todo el mundo. Pero pienso que un cantante se forma en la academia, donde llega hasta cierto punto, y luego se termina de formar en el escenario y esa posibilidad, aquí, no la tienen".

Por ello es que el I Festival de Ópera de Cámara presentará un repertorio diferente, con una puesta en escena bastante interesante y acorde al desempeño que puedan tener los cantantes que participarán en la iniciativa -"repertorios más accesibles a las voces jóvenes que no tienen la experiencia para hacer las tremendas óperas", aclara Hanns Stein-, presentándose como una excelente oportunidad para la formación y perfeccionamiento en el canto lírico de estos estudiantes. Así, óperas como "El rapto en el Serrallo" de Mozart, "Orfeo" de Monteverdi y "Brundibár" de Krása se podrán ver los días 13, 17, 18, 28 y 29 de enero en el Centro de Extensión de la UC.

"Brundibár", una de las grandes apuestas del Festival

La Facultad de Artes de la Universidad de Chile presentará dos óperas en el marco de este I Festival, para lo cual también contó con el auspicio de las embajadas de la República Federal de Alemania y de la República Checa. Se trata de la "Cantata del Café" de Johann Sebastian Bach, y "Brundibár" de Hans Krása, ambas traducidas al castellano por Hanns Stein y su esposa Choly Melnick, tarea nada fácil de hacer considerando las dificultades que trae consigo la adecuación de un texto traducido a los ritmos de la música y los acentos originales propuestos por cada compositor.

Hecha ópera bufa, la "Cantata del café" fue presentada a principios de agosto de 2008 en la Sala Isidora Zegers, y cuenta la historia de un padre que prohíbe a su hija beber café y la amenaza con toda clase de castigos, pero ella se resiste y canta loas a esta bebida. Finalmente, el padre le dice que no dejará que se case, cuestión que hace que ella prometa dejar el café sólo si el padre le busca novio de inmediato. Mientras el padre sale en busca de un novio, la hija hace correr la voz de que sólo aceptará como esposo a quien le permita tomar todo el café que quiera.

"La 'Cantata del Café' es una de las pocas cantatas cómicas de Johann Sebastian Bach. Y seguramente la más cómica", dice sobre esta pieza Hanns Stein, quien está a cargo del montaje artístico de las óperas que la Facultad de Artes de la Universidad de Chile presentará en el Festival. Y agrega: "Como nosotros ya la hicimos, no hay mayores problemas porque tenemos todo listo, como el vestuario y la escenografía, y quienes cantan ya se saben sus textos. Además, estando traducida al castellano, el público entiende todo y se divierte muchísimo. Es realmente cómico".

"Brundibár", escrita en 1938 por el compositor judío checo Hans Krása, también será presentada por la Facultad de Artes en el I Festival de Ópera de Cámara. "Es un cuento infantil en el que dos hermanitos tienen a su madre enferma. El médico les dice que ella necesita leche, pero los niños no tienen dinero para comprarla. Entonces, ven a Brundibár, un organillero que toca en la calle y a quien la gente le tira plata. Los niños deciden cantar en la calle para conseguir el dinero que necesitan, pero Brundibár, el dictador de la calle, se los prohíbe. Al final, llegan tres animalitos, un gorrión, un gato y un perro, y ayudan a los niños a reunir a otros niños para ganarle al dictador", cuenta sobre esta ópera Hanns Stein.

La régie de esta ópera está a cargo de Hanns Stein y Gerardo Wistuba, y la escenografía, diseñada por Germán Droguetti, académico del Departamento de Teatro, ambientada en el mismo periodo en que fue escrita. Será en ese escenario donde se moverán los 30 niños que participan en "Brundibár", alumnos del Liceo San Francisco de San Ramón (Crecer Cantando), de los cuales 10 son solistas que además cantaran en el coro y compartirán escenario con tres alumnos de Hanns Stein. Junto a ellos, 14 músicos dirigidos por el académico del Departamento de Música, Eduardo Moubarak.

"Hace como 10 años atrás había hecho 'Brundibár' con los niños cantores de Viña del Mar, de forma muy precaria, sin orquesta y sólo con un piano. Pero ahora sí que se va a hacer bien. Una de las cosas importantes en las que insistí mucho, es que la Dirección Musical la va a tener el profesor Eduardo Moubarak, viejo amigo y compañero. Él es palestino, y yo encuentro que es una gran cosa que hagamos 'Brundibár' juntos. Un árabe y un judío trabajando con este tema como un mensaje de paz", enfatiza Hanns Stein. Y es que en "Brundibár" no sólo la historia que se cuenta es importante, sino también el contexto en el que esta ópera fue escrita.

La historia tras Brundibár

En 1939, Checoslovaquia fue ocupada por los nazis, y Hans Krása, enviado al campo de concentración de Terezín, una fortaleza ubicada a 60 km. al norte de Praga donde convivió con un importante número de artistas y músicos que fueron recluidos en ese lugar. "Allí se desarrolló una vida musical totalmente increíble. A veces se hacían 4 ó 5 conciertos diarios, cosa que no pasó durante la guerra en las grandes capitales europeas. Al comienzo era prohibido por los alemanes, y tenían que ingresar los instrumentos de a pedacitos a través del contrabando. Pero después los alemanes vieron que podían aprovechar eso como propaganda de lo bien que estaba la gente, y lo aceptaron", cuenta Hanns Stein.

¿Cómo lavado de imagen?

Claro. Cuando fue la Comisión de la Cruz Roja hicieron un gran show y presentaron la ópera Brundibár. Esa ópera fue representada más de 50 veces en el campo de concentración, cambiando a los niños porque se los llevaban a Auschwitz, a los campos de exterminio. Para mí tiene una cosa muy especial porque mi familia, mis abuelos, tíos y primos estuvieron en Terezín. Eran catorce de mis parientes más cercanos, y de ellos sólo sobrevivieron dos. Todos los demás terminaron en cámaras de gas, igual que Hans Krása y tres grandes compositores más que fueron los principales organizadores de esa vida musical. Por eso, cuando los niños le ganan al dictador en Brundibár, eso se transformó en una cosa emblemática para los presos por simbolizar la victoria sobre el opresor.

¿La ópera se terminó de escribir en el campo de concentración?

No. Él la terminó de escribir en Praga, pero en el campo de concentración le hizo cambios. Por ejemplo, hizo una nueva orquestación de acuerdo a los músicos que tenía a su disposición allí. Parece que Brundibár se presentó en el Orfanato Judío de Praga como una cosa más cerrada y sin orquesta. Pero en grande, la primera vez que se presentó fue en ese campo de concentración. Yo sé que esto es de una tremenda importancia y por eso lo estoy haciendo, pese a todos los problemas que hemos tenido en el camino. Por ejemplo, el Salón Fresno de la Universidad Católica no tiene una acústica muy buena, y los niñitos cantan con vocecitas chicas y tienen que hablar también. Pero vamos a hacer todo lo posible para que saquen voz, y para que este Festival salga adelante.

¿Ha pensado en el día del estreno?

Prefiero no pensar en eso porque hay muchas cosas más. Por ejemplo, la escenografía de la "Cantata del Café" es muy bonita -también fue hecha por Droguetti- y la idea es que se abra el telón para que la gente diga oh, qué bonito. Pero en la Católica no hay telón, entonces, es otro problema. Después, cambia totalmente la escenografía y eso hay que hacerlo a telón abierto, delante de la gente. Pero Droguetti ya está pensando en eso. Entonces, en vez de imaginarme el día del estreno, estoy imaginando cómo solucionar todo esto. Pero sabes, nosotros creemos que Brundibár, desde diversos puntos de vista, es la obra más importante que se va a hacer en el Festival porque tiene un tremendo significado. Y para mí tiene un significado particular por todo lo que pasó allá, pero además también por Chile, porque aquí también hay que recordar cosas.

¿Como qué?

Es que esa fue la música de la antesala del infierno. Hay que recordar cómo surgió todo esto y la importancia que tuvo. Algunos sobrevivientes dijeron después que ellos hacían ese trabajo musical porque con eso mantenían la dignidad humana de ellos mismos y del público de presos que había ahí. Entonces, pensando en lo que hoy es la música, que es un negocio donde se habla de la producción, de la industria musical y el mercado, y en ese tiempo era una cosa de dignidad humana, creo que también hay que recordarlo en este tipo de cuestiones.

Ambas óperas, la "Cantata del Café" de Johann Sebastian Bach y "Brundibár" de Hans Krása, se presentarán juntas -primero una, luego la otra- en dos funciones que se realizarán los días sábado 17 y domingo 18 de enero, a las 20:00 horas, y a las 12:00 horas respectivamente, en el Centro de Extensión de la P. Universidad Católica, ubicado en Alameda 390.