Como se anunció el año pasado, la centenaria Orquesta Sinfónica de Londres LSO junto a su nuevo director titular, Sir Simon Rattle, vendrán por primera vez a Sudamérica para ofrecer una gira de conciertos y llegarán por primera vez a Lima para presentar un programa con grandes obras de Benjamin Britten y Gustav Mahler.
La cita es el 14 de mayo en el Gran Teatro Nacional y las entradas ya están a la venta en Teleticket.
La Orquesta Sinfónica Nacional, junto al Coro Nacional, Coro Nacional de Niños y solistas, dirigidos por el canadiense Julian Kuerti, interpretarán La Pasión según San Mateo, obra sinfónica cumbre de Johann Sebastian Bach. Como su nombre refiere, es una obra religiosa que narra la pasión de Jesús, desde el punto de vista del apóstol. La composición, de casi tres horas de duración, contiene pasajes de absoluta belleza y con el gran estilo del famoso compositor, quien era reconocido como un ferviente devoto religioso y dedicó varias obras sinfónicas a estos temas, siendo La Pasión según San Mateo quizá la mas importante de estas.
La puesta en escena incluye subtitulaje y visuales.
La Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario, con Pablo Sabat en la dirección artística y su grupo de instructores, ha venido ampliando su repertorio y hoy por hoy es quizá el elenco orquestal mas eficiente del país. De los pocos músicos que podían tocar obras clásicas hace algunos años, se ha ampliado la terna y han incursionado en repertorio demandante romántico y del siglo XX, llegando a la vanguardia. Constantes con este camino, la OSNJB presentará el 11 de abril la muy compleja y demandante Sinfonía No. 5 de Gustav Mahler, obra cumbre del post romanticismo que implica un gran volumen y maestría orquestal. Esta obra, de hora y media de duración, incluye pasajes de todo tipo y para cada grupo instrumental, siendo el Adagietto, el cuarto movimiento de la obra, la pieza mas popular fuera de los escenarios.
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú) Calificación: 4/5 ⭐️⭐️⭐️⭐️
Antes del estreno de “Alzira”, un joven Giuseppe Verdi le escribe a su mecenas Andrea Maffei, diciendo que no espera mucho de su nueva ópera (estrenada en Nápoles en 1845). Incluso se refirió alguna vez a esta como “verdaderamente fea”. Y es que “Alzira”, junto a su segunda ópera, la comedia “Un giorno di regno” son las obras menos representadas de este desde sus estrenos. Tuvo pocas funciones en Nápoles y sólo una en Roma y Milán, pasando al olvido rápidamente hasta que, en el siglo XX y XXI, de manera eventual se ha montado en versión de concierto o escenificada, como rareza, y especialmente para conmemorar o celebrar a Verdi en 2001 y 2013.
Sin embargo, considerar mala a “Alzira”, en sí, sería un despropósito. Fue escrita nada menos que por Giuseppe Verdi, el compositor italiano mas importante de la segunda mitad del siglo XIX; el libreto se lo encargó a Salvatore Cammarano, uno de los grandes y marcó la primera colaboración entre ambos genios; La obra en la que basaron la ópera era del gran Voltaire, “Alzire ou les Americains”, y los teatros en que fue estrenada eran los mas grandes de Europa, con un público que exigía lo mejor de artistas de grandes ligas.
“Alzira” fue escrita por Verdi, como el mismo dijo, “de forma muy rápida y sin mayor esfuerzo” y durante su “época de galeras”, en la cual escribía por encargo de los teatros y en la cual, si bien tuvo grandes éxitos, sus obras en sí son muy parecidas, sin mayor profundidad dramática y basadas en el éxito comercial (salvo grandes excepciones como "Ernani" o "Macbeth"). Y es que Verdi, recién después del éxito de su famosa trilogía y su consagración internacional, recién se tomaba el tiempo para refinar sus obras y no las estrenaba hasta no revisarlas por completo. Es por eso que, a partir de la trilogía en adelante, solo encontramos obras maestras.
Encontrar en el compositor mas popular y representado del mundo una historia que se refiera al Perú y la época de la Conquista, (aunque el lugar no haya sido lo que importe tanto a Verdi, mas que la historia épica entre conquistadores y oprimidos, junto a un triángulo amoroso donde la venganza se hace presente) resulta atractivo para nuestro público. Por lo que, en un plan rumbo al Bicentenario de la Independencia del Perú, los elencos del Ministerio de Cultura deciden rescatar esta obra y ponerla en escena, al menos un siglo después de su estreno por estas latitudes, y casi veinte años después de una versión que Prolírica subió, en forma de concierto, a escena.
En siete años, las producciones del Ministerio de Cultura pueden calificarse de exitosas, por un cuidado en la puesta en escena, buen gusto en la concepción de cada producción, selección de elencos internacionales de calidad y oportunidad al elenco nacional para desarrollarse. Con esta producción de “Alzira”, el nivel se ve acrecentado con un grupo de profesionales en su mayoría locales.
La dirección escénica corresponde a Jean Pierre Gamarra, nuestro talento mas destacado en el rubro, no solo por la experiencia internacional adquirida, sino por el buen gusto y profundo conocimiento de la escena. Su “Alzira” no es una predecible puesta “tradicional” y llena de luces o color folklórico. Mas bien, se escogió llevar la escena a inicios del siglo XX, con vestuarios sofisticados, en que los “indios” (o mejor dicho peruanos originarios) son campesinos con vestimenta occidental, y los españoles invasores visten casi de la misma manera. El escenario es siempre minimalista y oscuro a los cuatro costados, solo iluminado por luces fluorescentes sobre los intérpretes. Esto da una sensación de tragedia, confinamiento y claustrofobia, adecuada a la tragedia de Alzira, Zamoro y los oprimidos, versus la locura y desenfreno de los invasores, encabezados por Guzmano. Las referencias al abuso sistemático de la iglesia (vemos al sacerdote Obando quién ha violado a una indígena, y siendo celebrado por los demás), o la violencia como se trata a los oprimidos, le dan mucha actualidad a la obra. Gamarra decide incluir, entre el Prólogo y el Primer acto, un pasaje en audio con declaraciones de campesinos oprimidos durante la época del terrorismo, dando a entender o destacar la importancia de reivindicar estos casos. Sin embargo, durante la obra no vemos mayor profundización sobre estos temas, mas allá de lo estilístico. ¿Inclusión adecuada? No. Se pudo haber hecho alguna exposición audiovisual en el foyer, o quizá durante el intermedio, antes de irrumpir la música de Verdi con estos audios dentro de la misma ópera.
La sorpresa de este elenco lo marca que el 95% son artistas locales, salvo la inclusión de la soprano argentina Jaquelina Livieri (dada la cancelación a último momento de la soprano peruana Ximena Agurto) como la protagonista Alzira, la dirección musical del español Oliver Díaz y el vestuario y escenografía del belga Lorenzo Albani, el cual presenta una escenografía y vestuarios impecables, de calidad internacional.
El reparto es muy adecuadamente cuidado. La inclusión del tenor ligero peruano Juan Antonio de Dompablo resulta perfecta. Su voz se ajusta perfectamente al rol, y aunque no es la voz lírica típica y de bravura que se encuentra en los tenores verdianos de esta época, demuestra en la escena una brillantez y claridad de la voz, siendo un Zamoro viril y contundente. Jaquelina Livieri, figura que se ha abierto paso en grandes teatros como el Colón de Buenos Aires, demuestra una bella voz ligera, con una coloratura precisa y presencia portentosa. Si bien Alzira es una heroína bastante discreta, Livieri le da un porte de mayor personalidad. La sorpresa para mí fue la del barítono peruano Jorge Tello, interpretando al villano Guzmano. Demostró gran destreza y experiencia escénica, y una voz muy elocuente, bello timbre y correcto uso de la paleta verdiana, siendo sus escenas un deleite. Si la ópera no se llamara Alzira, debería llamarse Guzmano, pues este personaje no solo canta grandes escenas, sino que es el tiro de gracia de la historia, quien deja de ser malo para perdonar a sus enemigos, de una manera bastante mas prematura que otras grandes creaciones de Verdi en esa cuerda, como Boccanegra, Nabucco, Posa, entre otros.
Los breves roles de Alvaro (Xavier Fermández), y (Ataliba (Carlos Fernández) fueron cantados con oficio, y de una manera mucho mas modesta los de Zuma (Rosa Parodi), Ovando (Manuel Rodríguez) y Otumbo (Juan Pablo Marcos). El Coro Nacional, dirigido por Javier Súnico cumple con su rol, en una obra, en que, a diferencia de otras grandes óperas corales de Verdi, este tiene menos relevancia que los solistas.
El español Oliver Díaz dirige con excelente oficio a la Orquesta Sinfónica Nacional, y sacando de ella matices interesantes, tiempos y colores que enaltecieron la mediocre orquestación verdiana. Comparando con las pocas grabaciones disponibles, podríamos decir que esta versión de Díaz tiene un interés especial y aporta al drama y a las carencias de la obra.
Un montaje digno de verse en otros escenarios es esta producción de “Alzira”, la cual será la primera co-producción internacional de una ópera hecha en el Perú, por peruanos, que llegará en el 2020 a ponerse en escena en el Teatro ABAO Olbe de Bilbao (España) y la Ópera Royal de Wallonie-Liège de Bélgica. Por fin, el Gran Teatro Nacional ingresa por derecho propio al circuito internacional de la ópera con un titulo, además de cercano y propio, de atractivo internacional.
"Alzira" tendrá cuatro funciones más en el Gran Teatro Nacional de Lima el 11, 13, 16, y 18 de noviembre del 2018.
La Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario, dirigida por Pablo Sabat, estrenará en Perú la novena sinfonía de Bruckner el jueves 25 de octubre en el Gran Teatro Nacional.
Anton Bruckner nació el 4 de septiembre de 1824 en Ansfelden (Austria) y desde niño recibió enseñanza musical aprendiendo las técnicas del órgano. A los 16 años viajó a Linz para perfeccionar su talento, en paralelo con su carrera docente. Entre 1856 y 1861 fue discípulo de Simon Sechter y utilizó el estilo sacro católico para componer algunas de sus mejores piezas. Su posición estilística se encuentra dividida entre los progresistas seguidores del expresionismo que caracterizó a Richard Wagner y los conservadores fans del romanticismo clásico que impuso Johannes Brahms.
Catalogado como un artista obstinado, obsesivo y perfeccionista, Bruckner modificaba continuamente sus obras, razón por la que actualmente existen varias versiones de una misma pieza, siendo difícil reconocer la más lograda. Compuso once sinfonías (la primera en 1863 denominada Sinfonía Nº 1 en fa menor), música de cámara, religiosa y para orquesta completa (una de sus creaciones más brillantes fue la popular misa Te Deum). Falleció en 1896 y sus restos reposan en la Iglesia de San Florián (Viena).
Las entradas cuestan de 15 a 50 soles y están a la venta en Teleticket y la boletería del Gran Teatro Nacional. Menores de 17 años, jóvenes del Servicio Militar Voluntario, universitarios, estudiantes de institutos superiores, mayores de 60, docentes de instituciones educativas públicas y miembros del CONADIS tienen 50% de descuento.
El Ministerio de Cultura presenta en su Temporada de Ópera 2018, el estreno en Perú de "Alzira", obra de Giuseppe Verdi y libreto de Salvatore Cammarano, Inspirada en la novela "Alzira o los americanos" de Voltaire. Esta obra se sitúa en la ciudad de Lima en tiempos de la Colonia. El montaje nos traslada a la época donde españoles e indios conviven en un ambiente de conflicto constante, donde los hijos de los incas luchan por librarse del yugo español, que se ha apoderado de sus tierras y se impone arrancándoles su identidad.
Alzira es una doncella inca reclamada como esposa por el futuro gobernador del Perú a cambio de la paz entre indios y españoles. El Inca Zamoro, a quién se creía muerto, regresa para reclamar el amor de Alzira iniciando un conflicto bélico que se suma a la ya complicada relación entre colonos e incas.
El rol protagónico de Alzira estará a cargo de la destacada soprano argentina Jaquelina Livieri, y un reparto de cantantes nacionales. La dirección escénica está a cargo del destacado y vanguardista director nacional Jean Pierre Gamarra, quien el mas talentoso y experimentado en nuestro medio para montajes con visión actual. Gamarra adaptará la ópera a otro tiempo, manteniendo por supuesto la esencia de la obra. Participan además el Coro Nacional y la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por el español Oliver Díaz.
"Alzira" tendrá 5 funciones en el Gran Teatro Nacional, a precios populares, del 9 al 18 de noviembre. Las entradas están a la venta en Teleticket.
ALZIRA, Ópera en dos actos con música de Giuseppe Verdi y libreto de Salvatore Cammarano, basado en "Alzire, ou Les Americains" de Voltaire.
Reparto: Alzira: Jaquelina Livieri; Zamoro: Juan Antonio de Dompablo; Gusmano: Jorge Tello; Alvaro: Xavier Fernandez; Ataliba: Carlos Martinez; Zuma: Rosa Parodi; Otumbo: Juan Pablo Marcos; Ovando: Manuel Rodriguez. Coro Nacional del Perú, Orquesta Sinfónica Nacional del Perú
Dirección Escénica: Jean Pierre Gamarra; Diseño de Escenografía y Vestuario: Lorenzo Albani; Dirección Artística de la Temporada: Javier Súnico; Dirección Musical Oliver Diaz (España)
La extraordinaria ópera de Béla Bartók será interpretada por el barítono Hernán Iturralde, la Mezzosoprano Rinat Shaham, y la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Fernando Valcárcel.
(Difusión ) En el marco de la Temporada de Ópera 2018 del Ministerio de Cultura, la Orquesta Sinfónica Nacional de Perú, dirigida por el maestro Fernando Valcárcel, presentará el “El castillo de Barbazul”, en forma de concierto, el jueves 27 de septiembre, a las 8:00 de la noche, en el Gran Teatro Nacional; con la participación estelar de la soprano israelí Rinat Shaham y el bajo-barítono argentino Hernán Iturralde.
“El castillo de Barbazul” es la única ópera compuesta por el húngaro Béla Bartók, ejecutada en un solo acto con libreto del poeta Béla Balázs. El argumento está inspirado en el cuento de Charles Perrault “La Barbe-Bleue” bajo la influencia de la obra “Pelléas y Melisande” de Claude Debussy. La obra se extiende aproximadamente una hora 15 minutos y relata la dramática historia del duque Barbazul (Kékszakállú) y su nueva esposa Judith, apasionada mujer que descubre los aterradores secretos que guarda el oscuro castillo de su amado. Su difusión en Budapest revivió el interés por la música popular húngara, pero sufrió algunas modificaciones para convertirse en éxito rotundo después de la II Guerra Mundial.
Béla Bartók es considerado uno de los compositores europeos más importantes del siglo XX, fundador de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología con la musicología. La técnica musical y escénica que exige un montaje como “El castillo de Barbazul” animó a la Orquesta Sinfónica Nacional a estrenar esta pieza en Perú, ofreciendo además un repertorio que incluya (también en calidad de estreno) la interpretación de “L´isle joyeuse”, mágica creación del francés Claude Debussy.
Las entradas cuestan de 15 a 60 soles y están a la venta en Teleticket y la boletería del Gran Teatro Nacional. Menores de 17 años, jóvenes del Servicio Militar Voluntario, universitarios y estudiantes de institutos superiores, mayores de 60, docentes de instituciones educativas públicas y miembros del CONADIS tienen el 50% de descuento.
Veamos a Rinat Shaham interpretar un extracto de esta ópera, junto a la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Sir Simon Rattle.
TQ Producciones presentará en su Temporada 2018, por primera vez en Lima, a la pianista mas reconocida y celebrada del mundo: YUJA WANG. Ella ofrecerá un esperado recital, en su primera gira sudamericana, este sábado 29 de setiembre en el Gran Teatro Nacional.
Su singular combinación de destreza técnica, aguda percepción musical y profundidad emocional han establecido a Yuja Wang como una de las mejores intérpretes del mundo. El poder de sus interpretaciones surge de una combinación distinta de su presencia excepcional en el escenario y una afinidad natural y un enfoque inquisitivo del repertorio, que va desde Mozart a Gershwin y más allá. 'Carismática', 'impresionante', 'impecable' y 'sincera' son solo una selección de los superlativos utilizados con frecuencia por los críticos de todo el mundo para juzgar sus interpretaciones.
Como parte de su compromiso con las artes, Rolex seleccionó a Yuja Wang como una de sus embajadoras culturales en 2009, una distinción que mantiene hasta el día de hoy. Ella ha sido descrita por el afamado diario The New York Times como "una de las mejores jóvenes pianistas del mundo" y aclamada por el Sydney Morning Herald por su "técnica abrasadora". En julio de 2015, Los Angeles Times declaró: "El suyo es un teclado despreocupado y brillante, virtuosismo que hubiera hecho celosos a Prokofiev (que era un gran pianista) e incluso al legendario Horowitz". Esta combinación de aclamación de la crítica especializada, ovaciones de la audiencia, compromisos de regreso a los principales escenarios internacionales y una relación de grabación exclusiva con el legendario sello alemán Deutsche Grammophon confirman el status de Yuja Wang como una de los artistas más convincentes de este siglo.
Esta temporada, Wang presentará una intensa gira de recitales y series de conciertos con algunos de los conjuntos y directores más venerados del mundo. Comienza en una gira con la London Symphony Orchestra y Michael Tilson Thomas, seguida por la interpretación del primer concierto en el Ravinia Festival con la Chicago Symphony Orchestra, bajo la batuta de Lionel Bringuier. Los compromisos posteriores incluyen conciertos con la Filarmónica de Múnich y Valery Gergiev, una serie de actuaciones en el Festival Verbier, y una gira alemana de tres ciudades con la Filarmónica de San Petersburgo. También se embarca en una gira de conciertos con dos de las mejores orquestas de cámara del mundo: La Mahler Chamber Orchestra y la Chamber Orchestra of Europe, además de unirse a la gira inaugural de Jaap van Zweden como director titular de la Filarmónica de Nueva York, y a la gira final de Yannick Nézet-Séguin como director de la Filarmónica de Rotterdam. Otras apariciones notables incluyen conciertos en Hong Kong, Miami, Washington D.C., Praga, Tel Aviv y Berlín, además de su primera gira sudamericana en setiembre y octubre.
La presencia de Yuja Wang en los mejores escenarios del mundo es obligada, por lo cual su primera visita a Lima es considerada un hito de la música de nuestro tiempo, solo comparable a la visita de los grandes pianistas del siglo XX.
Yuja Wang presentará un electrizante recital con los mejor de su repertorio el sábado 29 de setiembre a las 8:00 pm. en el Gran Teatro Nacional. Las entradas están a la venta en Teleticket de Wong y Metro.
Espectáculo musical se realizará los días 01, 02, 08 y 09 de septiembre con la participación estelar del Coro Nacional de Niños y el Ensamble Artifex
(Difusión) El Ministerio de Cultura de Perú anuncia el estreno de la ópera familiar Pulgarcito, la verdadera historia con la participación del Coro Nacional de Niños, liderado por la maestra Mónica Canales; y el Ensamble Artifex, dirigido por Luis Chumpitazi. Las funciones se realizarán los días 1, 2, 8 y 9 de septiembre (sábados 4:00 pm. y domingos 11:30 am.) en el Gran Teatro Nacional.
El espectáculo relata las aventuras del famoso pequeño, protagonista del clásico cuento de hadas, que en medio de un bosque oscuro y peligroso aprende a manejar la soledad generada por el abandono de sus padres y a enfrentar sus miedos con valor y entusiasmo, buscando en todo momento el camino a la felicidad. Esta narración es vista como un dispositivo de aprendizaje para menores y adultos.
Pulgarcito, la verdadera historia, llevada al escenario limeño en versión ópera, ofrecerá una lectura ilustrada y dinámica con música de Hans Werner Henze, libreto de Giuseppe Di Leivat y la dirección general de Jean Pierre Gamarra. Los roles principales serán asumidos por integrantes del Coro Nacional de Niños al ritmo de bellos acordes y melodías interpretadas por el Ensamble Artifex y destacados solistas.
Fundado en 1995, el Coro Nacional de Niños de Perú está conformado actualmente por más de cien estudiantes (entre 6 y 17 años). Se ha presentado en importantes ciudades de Ecuador, Chile, Argentina, Francia, Italia y Suiza promoviendo repertorios de música clásica y barroca. En su programación anual también destaca el cancionero multilingüe “Tinkuy”, que permite al Ministerio de Cultura revalorar nuestras lenguas indígenas.
El Ensamble Artifex, dirigido por Luis Chumpitazi, es una agrupación dedicada a la difusión de la música Renacentista y Barroca. Cuenta con seis años de formación académica y su objetivo central es ejecutar las piezas sinfónicas que se ejecutaban antiguamente en históricas catedrales latinoamericanas.
La edad recomendada para Pulgarcito, la verdadera historia es a partir de los 8 años. Las entradas cuestan de 15 a 40 soles y están a la venta en Teleticket y la boletería del Gran Teatro Nacional. Menores de 17 años, universitarios, estudiantes de institutos superiores, jóvenes del Servicio Militar Voluntario, jubilados mayores de 60, docentes de instituciones educativas públicas y miembros del CONADIS tienen 50% de descuento.
La Orquesta Sinfónica Nacional de Perú presenta “La historia de China” en el Gran Teatro Nacional, este viernes 17 de agosto, a las 8:00 de la noche, con la dirección de José Serebrier y la participación estelar del pianista Yuan Jie y la violinista Li Yuhe.
(Difusión) El Ministerio de Cultura de Perú presentará el viernes 17 de agosto, a las 8:00 de la noche, en el Gran Teatro Nacional, el concierto de gala “La historia de China” con la participación estelar de la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por José Serebrier en calidad de invitado de honor; integrantes del Coro Nacional liderados por Javier Súnico Raborg, el Coro Nacional de Niños, a cargo de Mónica Canales; y los solistas chinos Yuan Jie (piano) y Li Yuhe (violín). El diálogo musical que sostendrán nuestros elencos nacionales con artistas de la República Popular China permitirá fortalecer la amistad que se inició hace más de tres siglos entre ambos países, impulsar el intercambio cultural y la cooperación pragmática, promover un desarrollo sostenible en las relaciones bilaterales y reconocer el talento de sus nuevas estrellas sinfónicas que interpretarán piezas del laureado compositor Xiaogang Ye.
El programa contempla el estreno en Perú de Starry Sky para piano, coro y orquesta, éxito musical en los Juegos Olímpicos de Beijing 2008; Winter Op. 28 (1988), Lamara Cuo para violín y orquesta (2014) y Sichuan Image (selecciones), obras del maestro Xiaogang Ye; así como las danzas polovtsianas de “El príncipe Igor” creadas por el ruso Alexander Borodin.
Xiaogang Ye nació en Shanghai en 1955 y estudió en el Conservatorio Central de Música de Beijing (1978-1983), bajo la dirección del compositor Du Mingxin. Años después se matriculó en la Eastman School of Music y tuvo entre sus maestros a Alexander Goehr. En el año 2006 participó en el "Composer Alive!", proyecto digital de música contemporánea accesible realizado mediante correspondencia transpacífica, que le permitió conquistar el mercado estadounidense con “Datura” (nombre de una planta china utilizada como alucinógeno), publicada con éxito en Internet.
El solista Yuan Jie es un pianista chino egresado como doctor de la prestigiosa escuela Julliard de Estados Unidos. A sus 31 años ha ganado importantes competencias internacionales ubicándose en el top ten de la región asiática, debido principalmente a sus exquisitas interpretaciones y grabaciones fonográficas de alto nivel. Maneja al detalle su repertorio perfeccionando la articulación musical y alternando sus movimientos pletóricos con arranques líricos intensos. Ha llevado su arte a escenarios de Malasia, Singapur, Francia, Italia, México, Colombia, Japón, Canadá, Noruega, Irlanda, Marruecos, Polonia, España y Alemania, además de China y Estados Unidos, con actuaciones memorables en el Carnegie Hall, Lincoln Center y Washington Phillips Collection. También se desempeña como docente y asesor del Festival Internacional de Piano Chino Changchun.
Por su parte, Li Yuhe es profesora de violín en el Conservatorio de China, cursó una maestría en la École Normale de Musique de Paris y obtuvo la medalla de bronce en el 13º Concurso Internacional de Música de Osaka (Japón). Proviene de una familia de artistas y en su vitrina personal luce varios galardones, incluida la medalla de oro que ganó en la competencia Les Clés D'O. Ha viajado por muchos países con su violín Stradivari (fabricado entre los siglos XVII y XVII) al que considera como “un instrumento capaz de crear los sonidos más perfectos”.
Las entradas para el concierto “La historia de China” están a la venta en Teleticket y la boletería del Gran Teatro Nacional entre 15 y 60 soles. Menores de 17 años, jóvenes del Servicio Militar Voluntario, universitarios y estudiantes de institutos superiores, mayores de 60, jubilados, docentes de instituciones educativas públicas y miembros del CONADIS tienen el 50% de descuento.
Celebrando sus 111 años de creación, la Sociedad Filarmónica de Lima prepara una velada especial con la presentación de la Orquesta Sinfónica de Jerusalén, el sábado 25 de agosto en el Gran Teatro Nacional.
Se trata de una de las principales orquestas de Israel y una de las instituciones culturales más célebres de Jerusalén. Fundada a fines de la década de 1930 como la Orquesta de Servicios de Radiodifusión de Jerusalén, la JSO se convirtió en la Orquesta Nacional de Radio "Kol Israel" en 1948, coincidiendo con la declaración de Independencia de Israel. La Orquesta es conocida por su variado repertorio, que va desde el barroco y clásico hasta composiciones contemporáneas. Y es que, desde su creación, la Orquesta Sinfónica de Jerusalén apoya la producción de autores israelíes, encomendando e interpretando sus obras. Durante esta temporada, y con motivo de su 80º aniversario, la orquesta presentará no menos de 15 piezas escritas por compositores israelíes.
Muchos músicos que llegaron a Israel durante la gran inmigración (Aliyá), constituyen hoy la mayor parte del conjunto de la orquesta, mientras que también absorben a muchos jóvenes y talentosos músicos israelíes durante sus estudios en la Academia de Música y Danza de Jerusalén. Durante las últimas ocho décadas, algunos de los más renombrados músicos del mundo han actuado con la JSO, incluyendo a Igor Stravinsky, Otto Klemperer, Arthur Rubinstein, Yehudi Menuhin, Mstislav Rostropovich, Isaac Stern, Pablo Casals, Igor Markevitch, Henryk Szeryng, Yo Yo Ma, Pierre Boulez, Neville Mariner, Christa Ludwig, Tabea Zimmermann, Martha Argerich, Radu Lupu, José Carreras, Jean Pierre Rampal, Maxim Vengerov y Yefim.
La orquesta ha realizado giras en Europa, Asia, América del Sur y los Estados Unidos, y ha actuado en algunos de los lugares más prestigiosos del mundo, como el Musikvereine de Viena, la Philharmonie de Colonia y el Carnegie Hall de Nueva York. En febrero de 2015, la JSO fue invitada a París por la UNESCO para interpretar la Sinfonía Nº 13 de Shostakovich, Babi Yar, durante un concierto conmemorativo por el 70º aniversario de la liberación de Auschwitz.
El maestro Yeruham Scharovsky dirigió la orquesta por primera vez en 1984, y desde entonces la ha dirigido con frecuencia en conciertos, grabaciones y giras de conciertos internacionales. El actual director musical de la JSO es el maestro Frederic Chaslin. Anteriormente desempeñaron ese cargo los maestros Mendi Rodan, Lukas Foss, Gary Bertini, Lawrence Foster y David Shallon.
Yeruham Scharovsky inició su educación musical en su país natal, Argentina, estudiando flauta, contrabajo, composición y dirección con profesores del Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires y del Teatro Colón, tales como Alfredo Montanaro en flauta, Alberto Bellomo en contrabajo y Jacobo Ficher en composición. En la década del 70 se trasladó a Israel donde continuó sus estudios superiores de música y Dirección Orquestal en la Academia Superior de Música Rubín de Jerusalén, con el maestro Mendi Rodán. En 1990 fue elegido por Zubin Mehta para recibir el premio al “Joven Artista del Año”, luego del cual dirigió el Concierto de Gala de la Orquesta Filarmónica de Israel. Desde entonces, ha dirigido más de 50 destacadas orquestas de todo el mundo, entre ellas la Orquesta Filarmónica de Israel, la Sinfónica de Berlín, la Sinfónica de Jerusalén, la Filarmónica de Moscú, la Ópera de Israel, la Filarmónica de Marsella, la Sinfónica Dohnnany de Budapest, la Sinfónica de Roma, la Orquesta Filarmónica del Teatro Colón, entre otras.
Entre los años 1991 y 1995 fue Director Artístico y Titular de la Orquesta Symphonette Ra’anana de Israel. Durante ese periodo, la orquesta se convirtió en uno de los cuerpos sinfónicos más destacados de Israel. Posteriormente, entre los años 1998 y 2005 fue nombrado Director Artístico y Titular de la Orquestra Sinfónica Brasileira en Río de Janeiro. Asimismo fundó la Orquestra Sinfónica Brasileira Joven y el Concurso “Nuevos Talentos Brasileiros Nelson Freire” (NTB). En 2002 recibió el título de “Ciudadano Honorario de Río de Janeiro” en mérito su contribución artística, social y cultural. Al frente de la Orquesta Sinfónica de Jerusalén, dirigió giras de conciertos a Sudamérica (1998 y 2010) y Múnich (2001). En esta última compartió podio con el Maestro Lorin Maazel dirigiendo la Sinfónica de Jerusalén junto a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, en un concierto conmemorativo por los 3,000 años de la ciudad de Jerusalén.
Paralelamente a su carrera como director de orquesta, ha desarrollado durante los últimos 30 años una vasta actividad en el campo de la educación musical, dictando clases magistrales de dirección orquestal en Israel (Conservatorio de Kfar Saba y Hod Ha Sharon), Brasil (Universidad Unirío y Conservatorio de Música de Río de Janeiro), Colombia (Universidad Javeriana y Universidad Andina de Bogotá), Alemania (Conservatorio de Lubeck), Italia (Arts Academy di Roma), Hungría (Academia Liszt) y España (Conservatorio de Badajoz en Extremadura).
Itamar Zorman es ganador prestigiosos premios, como el Avery Fisher Career Grant (2013), Borletti-Buitoni Trust Award (2014), International Tchaikovsky Competition (2011), International Violin Competition of Freiburg (2010) y el Juilliard Berg Concerto Competition (2011). Su carrera como solista abarca los cuatro continentes. Ha actuado con las más importantes orquestas en Estados Unidos, Europa, Asia y Sudamérica, incluyendo la American Symphony Orchestra, Tokyo Symphony, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Philharmonie Baden Baden, Israel Philharmonic Orchestra, St. Petersburg Philharmonic y la Russian State Symphony Orchestra “Novaya Rossiya”, entre otras. Asimismo, ha ofrecido recitales en el Carnegie Hall como parte de la serie Distinctive Debuts, también en el Louvre Recital Series en París y en festivales como el Kronberg Academia, Rheingau, Mecklenburg-Vorpommern y Copenhagen Summer Festival.
En la temporada pasada, tuvo un exitoso debut con la Filarmónica de Belgrado, la Orquesta Sinfónica Estatal de Lituania y la Orquesta Sinfónica Nacional RTE en Dublín. Su actual temporada incluye actuaciones con la Kremerata Baltica, Meininger Hofkapelle y la NFM Leopoldinum Orchestra. Asimismo, como parte de una exploración sobre la música de Paul Ben-Haim, grabará un disco con obras para violín y orquesta del compositor israelí con la BBC National Orchestra of Wales y Philippe Bach.
Descrito como un "poeta del violín", Itamar Zorman es un comprometido intérprete de música de cámara. Es miembro fundador del Israeli Chamber Project y miembro del Lysander Piano Trio, con el que ganó el Concert Artists Guild Competition (2012), el Gran Premio del Coleman Chamber Music Competition (2011) y el primer premio en el Arriaga Competition (2011). Zorman ha recibido becas de la Fundación Cultural América-Israel y ha participado en numerosas clases maestras en todo el mundo, junto a Itzhak Perlman, Pinchas Zuckerman, Shlomo Mintz, Ida Handel e Ivry Gitlis.
Nacido en Tel-Aviv en 1985 en el seno de una familia de músicos, Itamar Zorman inició sus estudios de violín a los 6 años en el Conservatorio de Música de Tel-Aviv, en Israel. Se graduó en 2003 y continuó sus estudios con el Profesor David Chen y Nava Milo. Recibió su Licenciatura en Música de la Academia de Música y Danza de Jerusalén como alumno de Hagai Shaham, y posteriormente realizó una Maestría en la Escuela Juilliard, donde estudió con Robert Mann y Sylvia Rosenberg. Tiempo después recibió un Diploma Artístico de la Manhattan School of Music (2010) y un Diploma de artista de Julliard (2012). Zorman también es alumno de la Kronberg Academy donde estudió con Christian Tetzlaff.
Entradas a la venta en Teleticket de Wong y Metro.
Programa
MARK LAVRY
Danza Hora, del poema sinfónico Emek, op. 45
FÉLIX MENDELSSOHN
Concierto para violín y orquesta en mi menor op. 64
Anna Netrebko llega a Lima por primera vez. La regente de la lírica dará un concierto en nuestro país, marcando un hito en la historia cultural local.
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
Salzburgo, 2005. Una soprano rusa, llamada Anna Netrebko, y el tenor mexicano Rolando Villazón lograban un atronador éxito con una nueva producción de Willy Decker de "La traviata" de Verdi, moderna y desenfadada, que fue transmitida y grabada en audio y video. Fue la primera vez que el mundo "mainstream" oyó sobre estos dos artistas que se convirtieron en la pareja del momento en la lírica.
Pero Netrebko (Krasnodar, 1971) ya llevaba tiempo haciendo carrera en su natal Rusia. Aunque la leyenda de "cenicienta" suena muy bonita y ha sido agrandada por el marketing occidental, lo cierto es que la joven Anna tenía la ilusión de cantar en el escenario del legendario Teatro Mariinsky, en el que trabajaba, por lo cual se presentó a las audiciones. Allí es donde la detecta Valery Gergiev, y el resto es historia. El maestro la programa en obras para su voz de entonces, soprano ligero-lírica, y comienza a hacer carrera en un país en que las voces y la belleza de sus cantantes líricas se cuenta como granos de arena en el mar. La competencia es feroz y Rusia es uno de los semilleros líricos de hoy por autonomasia.
Su primer gran éxito internacional lo consigue al debutar el protagónico de "Ruslan y Ludmyla" de Glinka en un viaje que hace la compañía del Mariinsky a San Francisco en 1995 (Versión que puede encontrarse en DVD y youtube), y varios años años después logra su consagración en la ópera internacional, interpretando a Natasha Rostova en "La guerra y la Paz" de Prokofiev en la Metropolitan Opera en 2002, nuevamente bajo la dirección de Gergiev con la compañía del Kirov.
Luego de la consagración de Salzburgo, Netrebko va poco a poco demostrando una versatilidad vocal y una belleza desbordante, tanto que llega a editoriales en revistas de moda como Vogue, y trasciende el cerrado y muchas veces aburrido mundo operístico. Toda una revolución a inicios del siglo XXI.
Corre el año 2006 y en el Met Netrebko estelariza "I Puritani", ópera muy demandante de Vincenzo Bellini, en el que la soprano interpreta una escena de la locura y sobreagudos imposibles para cualquiera. Netrebko afronta el rol. En esas, mis épocas de estudiante, consigo un "standing ticket" con mucha suerte, ya que las funciones estaban agotadas. Quería saber en persona si toda esa maravilla de la que hablaban era cierta, o era puro marketing. Bien que Netrebko pasó la prueba y con creces. No solo su voz era clara y potente (El Met tiene una acústica deficiente en la platea trasera, pero la voz de Netrebko llegaba perfectamente) sino que su interpretación fue deslumbrante. No había forma de sacar los ojos de ella y apreciar su coloratura, incluso cantando con la cabeza colgando del borde del escenario al foso, en el da capo de la cavaletta del segundo acto (esta escena se puede ver también en youtube).
Pude seguirle la carrera gracias a las transmisiones en vivo en cines que la Metropolitan de Nueva York lleva a cabo desde el 2006 y en Lima desde el 2008, en el que Netrebko siempre ha sido la estrella de la cartelera, cantando mas que ninguna otra cantante. Roles como Julieta, Tatyana, Adina, Norina, Lucia, Antonia, Manon, Leonora, Iolanta, y con resultados apoteósicos en los roles de Anna Bolena y Lady Macbeth.
La última vez en que nos cruzamos fue en Viena, en la Wiener Staatsoper, en la cual junto a Roberto Alagna y Ludovic Tèzier interpretaban una nueva producción de "Il Trovatore". Entradas casi agotadas pero con suerte conseguí un boleto arriba por algo mas de 90 Euros. Esta Netrebko era otra, con una voz consumada, mucha mas experiencia y un repertorio que ha extendido a roles mas dramáticos.
Todos coinciden en decir que Netrebko está en el pico de su potencial, y de su fama, pues como "Tesoro de Rusia" Inauguró el mundial de su país con un concierto en la Plaza Roja, lugar donde ya había cantado varias veces antes. Hoy por hoy no hay cantante que supere a Netrebko en nivel.
Su vinculación y matrimonio con el tenor Yusif Eyvazov les ha traído convertirse en una pareja, hoy por hoy la mas solicitada en los teatros. El con voz dramática, importante proyección y belleza, hace gran pareja con la diva y les permite interpretar con éxito óperas como "Andrea Chénier", "Tosca", entre otras, con absoluto éxito.
Hoy esta pareja está de gira por Sudamérica, juntos por primera vez, para presentar lo mejor de su repertorio. Y digo lo mejor, porque no se están guardando nada. Interpretarán no solo arias y dúos de óperas consagradas y que están por debutar (La Forza del Destino en Londres en 2019 y Madama Butterfly mas adelante) Sino que interpretarán obras favoritas del público de óperas tan completas como "Andrea Chénier", "Luisa Miller", "Otello", "Tosca", "Cavalleria Rusticana", además de operetas y canciones. Será un programa lleno de virtuosidad, como ya han demostrado en sus previas presentaciones en Santiago y Sao Paulo. Ambos estarán acompañados por la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario, dirigida por el maestro italiano Jader Bignamini.
Conversamos brevemente con la mas grande soprano del mundo para preguntarle sobre el reto de cantar ante nuevas audiencias. Asimismo, como asume la vida, siendo alegre, teniendo amplia presencia en redes sociales y disfrutando de la moda, la comida, y el glamour.
Ha estado en América Latina anteriormente y con Yusif Eyvazov en México recientemente. ¿Qué le gusta de esta parte del mundo? ¡Amo América Latina! La comida es deliciosa, la gente es amable, y la cultura y estética son muy coloridas. ¿Qué no se podría amar? Estamos muy emocionados de visitar por primera vez estos países y absorber su cultura.
Va a cantar en teatros importantes de Sudamérica por primera vez, como el legendario Teatro Colón en Buenos Aires y el nuevo Gran Teatro Nacional en Lima. ¿Qué piensa o espera cuando llegas a un nuevo teatro con una nueva audiencia? Cada audiencia da una energía diferente, por lo que como artistas debemos adaptarnos. Esperamos dar nuestro mejor rendimiento y para que el público disfrute de una hermosa velada de música hermosa.
Está cantando en esta gira arias y dúos que están en su repertorio durante mucho tiempo, y algunos nuevos roles, como "Forza" y "Butterfly", junto con canciones populares. ¿Cómo armaron este programa y qué quieren mostrar con él? El programa está compuesto de piezas que son nuestras favoritas de todos los tiempos, así como de las óperas en las que estamos trabajando actualmente. Queremos que nuestra audiencia pruebe algunas cosas diferentes, por lo que hay algo para todos.
Ambos están muy interesados en las redes sociales y están al día con la moda y las tendencias. ¿Qué le gusta hacer cuando no está trabajando o cuál es tu "estilo de vida" ideal? Cuando no estoy en el escenario, me encanta pasar tiempo con Tiago (su hijo) y relajarme con mis amigos y mi familia. Nos gusta pasar tiempo en la naturaleza y también cocinar en casa. Ser feliz es mi forma de vivir.
La cultura, la comida y la moda local son los 3 mejores que Perú tiene para ofrecer al mundo. ¿Qué esperas de tu visita? ¿Hay algo que quieras ver o probar especialmente? ¡Espero exactamente eso! Me encanta viajar por el mundo y observar nuevas culturas. Espero experimentar todo lo que pueda en nuestro tiempo allí.
Producción del Teatro Mayor de Bogotá que veremos en Lima en julio, agotó localidades este fin de semana en una atractiva puesta en escena. Llega al Gran Teatro Nacional el 18 de julio.
(Difusión Teatro Mayor) Luego de dos exitosas temporadas en 2013 y 2014, regresa "Carmina Burana" de Carl Orff, la primera producción de gran formato del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, en la que participan la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB), el Coro de la Ópera de Colombia, el Coro Filarmónico Infantil de la OFB y la Fundación L’Explose. Una producción en la que las pasiones, los excesos y el amor se ven puestos en escena por 150 artistas entre solistas, bailarines, coro y músicos.
Además, esta producción estará viajando a Perú para presentarse en el Gran Teatro Nacional de Lima (Perú) los días 18, 19 y 20 de julio.
Carmina Burana es el nombre de un manuscrito descubierto en la abadía benedictina de Beuern en Alemania, en 1803, y que se constituye como una de las fuentes más importantes de la música y la literatura profanas de los siglos XII y XIII. En 1936, el compositor alemán Carl Orff escogió 24 poemas de este manuscrito, de los cuales tomó solo los textos, la mayoría en latín, algunos en alemán antiguo y en provenzal para los que compuso la música formando la cantata que hoy conocemos como "Carmina Burana". La obra se estrenó el 8 de junio de 1937 en Frankfurt con un espectacular montaje escénico diseñado por Ludwig Sievert.
Tino Fernández, director escénico de esta impresionante producción, y esto fue lo que contó sobre esta producción de "Carmina Burana":
¿Por qué decidieron hacer una versión de Carmina Burana, una obra tan representada en el mundo?
En realidad, el Teatro Mayor nos contactó para hacerla y le presentamos un proyecto de puesta en escena a Ramiro Osorio (Director General del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo) a quién le encanto nuestra propuesta y ahí mismo se comenzaron a hacer las cosas. Quizás si viniera de nosotros mismos, hubiéramos propuesto otra obra u otro compositor. Hoy en día creo que ha sido un acierto y que nuestro planteamiento escénico es algo diferente de lo que se ha hecho hasta ahora con esta cantata.
¿Cuál fue el punto de partida para su puesta en escena?
Lo primero que hicimos con Juliana Reyes, la dramaturga de L’Explose, fue encontrar la traducción de estos cantos goliardos del siglo XII y XIII para tener una mejor comprensión de la obra. Por tratarse de una obra coral, surgió en primera instancia la necesidad de poner en escena todo el coro, de construirles a esas 70 voces una partitura coreografía. Esos fueron los dos primeros impulsos que nos llevaron a la puesta en escena.
¿Cómo construyeron esta propuesta?
Se construyó en una primera instancia con diez bailarines de la compañía en el estudio a puerta cerrada. Luego se dio paso al trabajo con todo el coro, unos 70 coristas, más los diez bailarines, treinta y dos voces del coro infantil y tres solistas para un total de ciento quince personas en escena, más la orquesta. Fue algo majestuoso, el paso de lo micro a lo macro fue tomando tal magnitud que ni nosotros mismos nos lo esperábamos.
¿Por qué "Carmina Burana" es una de las obras líricas más famosas?
Yo creo que la obra nos hace un llamado al gozo de vivir, a los placeres terrenales, el amor carnal, al mismo tiempo que hace una crítica a los estamentos sociales y eclesiásticos y todo esto Carl Orff supo traducirlo muy bien a la música. En todo caso, lo que sí puedo decir es que tanto la música como todas estas voces en escena, nos hacen vibrar en cada uno de los ensayos.
¿Cómo definirían la estética de su "Carmina Burana"?
Creo que se podría clasificar dentro de una estética surrealista, con muy pocos elementos escénicos. Con unas cuarenta sillas, cuatro mesas metálicas y un video proyectado al fondo del escenario, se consigue adentrar al público en una atmósfera atemporal, donde el deseo está presente.
¿Qué es para ustedes lo más poderoso de la obra de Carl Orff?
Creo que lo más poderoso de "Carmina Burana" es la riqueza de contrastes que hay dentro de la misma obra; cómo se pasa de lo público a lo íntimo, de lo religioso a lo pagano, de lo angelical a lo terrenal, de la inocencia a la lujuria, consiguiendo sorprendernos a cada paso de la obra.
"Carmina Burana" de Carl Orff, se presenta en Lima, en el Gran Teatro Nacional del 18 al 20 de julio, y las entradas están a la venta en Teleticket de Wong y Metro.
Este viernes el Trio di Parma, conformado por Iván Rabaglia, Enrico Bronzi y Alberto Miodini debutaron en Lima en el mas reciente concierto de temporada de la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por el también parmesano y residente en Perú, Matteo Pagliari.
Pagliari, director titular de la OSN entre el 2009 y 2010, trabajó con la orquesta en un período aún complejo, cuando no existía el Gran Teatro Nacional y daban sus conciertos en el Auditorio Los Incas, de una acústica terrible, los domingos por la mañana. Durante los 90´s, la Era Santos redujo a la OSN a una calidad ínfima, algo que no mejoraron sus sucesores, y fue lo que Pagliari tuvo que afrontar, luchando por reacomodar a los músicos en aquel escenario para cada concierto y tratando de ampliar repertorio. Su trabajo rindió frutos a través de obras interesantes, como sinfonías de Beethoven por ejemplo. Hoy Pagliari reside en Lima y es invitado anualmente a dirigir un programa con la orquesta en su nueva residencia. Hoy luego del ejemplar trabajo de Fernando Valcárcel, la OSN es otra, con amplia experiencia en nuevo repertorio y mejor sonido.
En este debut de sus amigos y compañeros de la escuela Arrigo Boito, Pagliari escogió un complejo programa, que se inició con el Preludio y "Liebestod", versión sinfónica de ambos números de la apoteósica "Tristan und Isolde" de Richard Wagner. Como es costumbre en la OSN, siempre hay una obra en cada programa que es obvio que no se ensaya lo suficiente, dando resultados regulares para abajo. Lamentablemente, fue esta. Valcárcel la dirigió hace un par de años con resultados gratos. Aquí Pagliari "jugó seguro" con tiempos y marcaciones muy controladas, y aunque la orquesta obtuvo ecos gratos de los vientos, metales y cuerdas, en general el resultado no fue pleno.
Mejor ejecución dieron en el "Canto para Orquesta, no. 1" del compositor peruano Enrique Pinilla, uno de los especialistas en cine y destacado por sus composiciones en las película de Armando Robles Godoy. Su obra, que demanda un gran cuerpo de percusión y exige a vientos y cuerdas, fue una excelente complemento a la obra de Wagner, quizá por su mutuo interés en satisfacer lo visual. Terminó la ambiciosa primera parte, de mas de una hora de duración, con las "Metamorfosis Sinfónicas" sobre un tema de Carl Maria Von Weber, del alemán Paul Hindemith, reconocido por su ópera "Mathis der Maler". La secuencia del programa, dejando a los solistas para el final, quizá no fue la mas adecuada, especialmente cuando Hindemith no combinaba del todo con las obras previas. Fue un maridaje arriesgado, aunque la orquesta y director respondieron bien a su ejecución, mucho mas adecuada al estilo que lleva la OSN.
Finalmente, el Trio de Parma interpretó el Triple Concierto de Ludwig Van Beethoven. Este programa "Tedesco" en gran medida nos brindó una cálida y sofisticada interpretación. El Trio de Parma ha grabado una amplia variedad de repertorio, sin embargo en los discos que he podido escuchar, dedicados a Beethoven y Schubert, su interpretación es discreta, delicada y esto la hace muy expresiva. Su versión en vivo de este triple concierto no fue diferente. Finalmente, como bis, escuchamos un movimiento del Trio no. 5 de Beethoven.
El concierto estaba "sold out", lo cual hace mucho tiempo no ocurría en una presentación de la OSN. Grato saber que esta presentación despertó interés en el público, que supo ovacionar tanto al director y orquesta, como a los solistas.
Orquesta Sinfónica Nacional, Temporada de abono 2018. Programa VII
Gran Teatro Nacional. 8 de junio
Matteo Pagliari, director. Trio di Parma (Iván Rabaglia, violín; Enrico Bronzi, Violonchelo; Alberto Miodini, Piano)
Programa
Richard Wagner: Preludio y muerte de amor, de Tristán e Isolda Enrique Pinilla: Canto para orquesta Nº 1 Paul Hindemith: Metamorfosis sinfónicas
