26 agosto 2015

Leonard Bernstein y "La pregunta no respondida"

(Ópera Perú) Este martes 25 de agosto se celebró y recordó el nacimiento de Leonard Bernstein (1918 - 1990), considerado uno de los grandes directores de orquesta del siglo XX por su extraordinario estilo, técnica y sobretodo poder de comunicación. Bernstein no sólo conectó con las mejores orquestas de su tiempo, sino que dejó sendo legado en  grabaciones que son consideradas referenciales.
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Bernstein también un inteso pedagogo y comunicador. Estuvo en contacto con los nuevos medios de su época, y fue una figura reconocida en la TV, introduciendo la música a grandes audiencias.
SIn embargo, uno de sus mayores legados pedagógicos fue una serie de lecturas que dió en su Alma Mater, la Universidad de Harvard, en 1973. Durante un año de residencia allí, dió una serie de seis lecturas tituladas "The Unanswered Question", título puesto por la obra sinfónica de Charles Ives. Bernstein da una cátedra muy interesante sobre la música clásica, su esencia y su futuro.
Pueden disfrutar de estos seis episodios aqui

25 agosto 2015

Las bodas de Fígaro renueva nuestra cartelera lírica

© USMP
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
Mozart: Las bodas de Fígaro. Instituto de Arte USMP. Teatro Municipal de Lima. Dirección: Jean Pierre Gamarra. Dirección musical: Luis Chumpitazi.
Si bien nuestra cartelera lírica no es de lo mas nutrida, como lo es en otras ciudades, Lima ha crecido en cuestión de interés por el género operístico. Eso se demuestra en la aparición en los recientes años de escuelas o institutos como el que impulsa la Universidad San Martin de Porres hace 10 años.
Este Instituto, celebrando su primera década de existencia, decide celebrarlo con un montaje de "Las bodas de Figaro" de Mozart, una de las óperas mas famosas del repertorio, pero no por eso de las mas fáciles. "Figaro" es compleja ya que requiere que su presentación sea impecable y visualmente audaz, sino pierde brillo e interés. Su duración de mas de tres horas y sus largas e inspiradas arias da capo pueden causar que una producción se vuelva pesada, por lo que el director de escena tiene que saber resolver estos retos aplicando técnicas teatrales efectivas. Musicalmente demanda una técnica vocal de los cantantes y ser muy versátiles al momento de actuar y recitar sus frases, ya que de esto depende que sus personajes sean creíbles.
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Paola Neyra, Eduardo Castro y Amy Huamán © USMP
Esta producción cuenta en su mayoría con cantantes que están preparándose y el principal objetivo es darles la oportunidad en las tablas. Estas iniciativas son positivas y se critican desde esa perspectiva. Sin embargo, esta producción de cantantes jóvenes y en proceso no tiene por que ser austera, por lo cual su puesta en escena si es profesional.
José Sacín y Paola Neyra © USMP
El elenco está conformado por voces internacionales en los roles principales. El barítono peruano radicado en EEUU, José Sacín, interpreta al Conde de Almaviva, y es el cantante con la voz con mejor técnica y proyección, aunque su personaje es marcado por la dirección como muy estático y eso limita un poco su expresión. Fígaro es interpretado por Eduardo Castro, con gracia para los recitativos y buenos desplazamientos escénicos. La soprano rusa y también directora del Instituto de Arte, Elena Ananitcheva, interpreta a una Condesa refinada y cabisbaja, con movimientos leves y abanicándose constantemente. Proyecta bien la voz aunque con un vibrato excesivo. Destaco la brillante actuación de la soprano Paola Neyra como Susanna, quien tiene la gracia, movimientos y versatilidad requeridos para el papel. La voz aún está en proceso, pues le falta volumen y técnica, pero muy pronto dará que hablar y desde aquí le seguiremos los pasos. Otro personaje a destacar es el de Cherubino, interpretado por la joven mezzo Amy Huamán a quien se le pasó algo la mano en la caracterización del personaje, pero demuestra también mucha versatilidad y ganas de hacer las cosas bien. Los otros personajes cumplen con sus roles, sobretodo en la parte escénica.
© USMP
La dirección escénica, escenografía e iluminación recaen sobre Jean Pierre Gamarra, quien debe ser el único peruano especializado en dirección de ópera. Salido de las canteras del Colón, Gamarra ha presentado diversas óperas y espectáculos, y este "Figaro" es una delicia a la vista. La escenografía es minimalista pero fiel a la época, con un bastidor que representa el palacio de Almaviva, con detalles de época y muebles estilo neoclasicista. La calidad del acabado de esta puesta, mas la correcta iluminación, hacen que se vea elegante, sobrio, y con gusto refinado. Lo mismo con los vestuarios, muy bien presentados y coloridos. Gamarra marca muy bien las entradas y salidas de los personajes, les da toques atrevidos pero nunca excesivos y les da un ritmo teatral audaz.
Elena Ananitcheva es la Condesa de Almaviva © USMP
El Ensemble Artifex, orquesta de cámara de 21 músicos, cumple con los retos de la partitura, y la dirección de Luis Chumpitazi es precisa y correcta, controlando tanto a cantantes como a músicos. Una orquesta de mayor número hubiera hecho imposible escuchar a los solistas y coro, por lo que fue adecuada. 
© USMP
Esta puesta de "Las bodas de Fígaro" amplía la oferta de espectáculos de este tipo, sobretodo que devuelve el género lírico al Teatro Municipal de Lima, discriminado durante la gestión de Alayza y que durante esta gestión esperemos se retome, ya que un teatro como este no puede ser darse el lujo de relegar a las artes cultas. Esperemos que la nueva dirección de cultura de la Municipalidad que recién inicia funciones tenga presente desarrollar estas opciones.

24 agosto 2015

Olga Kern en intenso recital este jueves


La pianista rusa Olga Kern llega a Lima para un único recital este jueves, mostrando lo mejor de su repertorio y demostrando por que es una de las grandes intérpretes de hoy.
Una vida dedicada al tecladoLa carrera de Olga Kern se catapultó al ganar la medalla de oro en el Concurso Internacional de Piano Van Cliburn. Kern viene de una familia de músicos, con estrecha relación con los grandes compositores Tchaikovsky y Rachmaninov. Comenzó sus estudios de piano a la edad de cinco años. Ha ganado primeros lugares en numerosos concursos internacionales, entre ellos en el prestigioso Concurso Internacional de piano Rachmaninov a la edad de diecisiete años.
Con su vívida presencia en el escenario, pasión musical y técnica extraordinaria, la pianista rusa sigue cautivando fans y críticos por igual. Ha realizado giras por su Rusia natal, así como por Europa, Estados Unidos, Japón, Sudáfrica y Corea del Sur, y en las salas y con las orquestas más importantes del planeta tales como la Gran Sala del Conservatorio de Moscú, el Symphony Hall en Osaka, Salzburger Festspielhaus, la Scala de Milán, Tonhalle de Zürich, Avery Fisher Hall, Carnegie Hall de Nueva York, y el Teatro de Châtelet en París. Ha sido solista con la Orquesta del Teatro Mariinsky, Teatro Bolshoi, Filarmónica de Moscú, Sinfónica de Londres, St. Petersburg Academic Symphony, Orquesta Nacional de Rusia, China National Symphony, Orquesta Estatal de Stuttgart, Filarmónica de La Scala, Royal Scottish National Orchestra, Torino Sinfonía, y Sinfónica de Ciudad del Cabo, asi como con los directores más destacados de hoy, incluyendo Valery Gergiev, Leonard Slatkin, Manfred Honeck, Christoph Eschenbach, Yuri Termirkanov, Antoni Wit, Pinchas Zukerman, Marin Alsop, Gian-Carlo Guerrero y James Conlon. 
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El recital de Olga Kern será este jueves 27 de agosto en el Auditorio Santa Úrsula (Santo Toribio 150, San Isidro) y las entradas pueden adquirirse en Tu Entrada de Plaza Vea y Vivanda.
Para mas información sobre la temporada de conciertos de TQ Producciones, puede suscribirse a su boletín de noticias en su web www.tqproducciones.com 
Programa
LUDWIG VAN BEETHOVEN
Variaciones sobre un tema de Salieri, WoO 73.
El compositor italiano Antonio Salieri fue un gran músico que dejó un amplio legado en diversos estilos. Fue injustamente olvidado por una supuesta rivalidad con Mozart, la cual se esparció tanto que fue tema de óperas, libros y películas. Salieri fue maestro de grandes compositores como Beethoven y Schubert. Entre 1793 y 1801, Beethoven, durante su estancia en Viena, escribió mas de una docena de variaciones sobre temas de ópera y ballet, satisfaciendo la moda musical de aquella época en la capital musical de Europa. En 1797, inmediatamente después del estreno de la ópera "Falstaff" de Salieri, escribió 10 variaciones en sol bemol sobre el duetto "la stessa, la stessisima", honrando así a su maestro.
CHARLES-VALENTIN ALKAN
Étude en Sol mayor, Op. 35. no. 3 : Andantino
Pianista y compositor francés, Alkan está vinculado a la tradición del gran vistuosismo romántico, del que son parte Paganini, Chopin y Liszt. El famoso pianista Hans Von Bülow lo llamaba el "Berlioz del piano" por la originalidad y audacia de sus composiciones. Entre su basta serie de composiciones, figuran los "12 estudios para piano de todos los tonos mayores" Op. 35 en las que figura este tercer estudio sol mayor, marcado con la indicación "Andantino".
 FRÉDÉRIC CHOPIN
Sonata para piano No. 2, Op. 35
Escrita en la tonalidad de si bemol mayor, esta sonata es la mas famosa de Chopin, en parte porque contiene la "marcha fúnebre", una de sus piezas mas célebres. Esta sonata consta de cuatro movimientos: Grave - Doppio movimento. Tras una breve pero imponente introducción, se ofrece el anhelante primer tema, que contrasta con el segundo, lírico y apasionado. Tras un desarrollo libre en torno a los dos temas, nos encontramos con la originalidad de que, en la recapitulación, el primero no aparece. Scherzo. Aquí debería estar situado el tiempo lento, pero Chopin invierte los términos. El precioso trío, più lento, expone una melodía típicamente chopiniana. La sección final vuelve al arrebatadortempo primo, aunque los últimos compases recobran el tema del trío. Marcha fúnebre. Lento. De estructura tripartita, esta famosa marcha es lúgubre, emocionante y solemne, aunque la sección central supone un contraste de consolación con su bella melodía, recuerdo sublimado de la persona fallecida. La vuelta a la sección inicial completa esta impresionante página. Finale. Presto. Formidable pasaje en octavas y tresillos que va como una exhalación, sin respiro alguno de comienzo a final. Se ha calificado de demoníaco, pero no es más que un ramalazo de genialidad que dejó estupefactos a sus contemporáneos por su atrevimiento y su radical originalidad. (Fuente: AA. VV. (1997): Piano classics. Guía de la audición, Barcelona.)
SERGEI RACHMANINOV
3 Etude tableaux (op.33 and op.39)
Los Études-tableaux son dos conjuntos de estudios para piano compuestos por Rachmaninov entre 1911 y 1916. Estos conjuntos se suponía que eran "piezas de imágenes", esencialmente "evocaciones musicales de estimulación visual externa".1 Rachmaninov no dio a conocer qué inspiró cada pieza, afirmando: Yo no creo en el artista que revela mucho acerca de sus imágenes. Dejemos que ellas pinten por sí mismas lo que más sugieran.2 Sin embargo, compartió voluntariamente las fuentes de algunos de estos estudios con el compositor italiano Ottorino Respighi cuando éste llevó a cabo la orquestación de estas piezas en 1930.3
  (Fuentes: 1. Norris, 1983, p. 84; 2. Glover, Angela:«Cap. 4. Études-Tableaux, tesis. Florida State University, 2003; 3. Norris, 1983, pp. 84-85).
8 Preludios (op.23, Op.3 and op.32)
La serie Op. 23 se compone de diez preludios completados tras la boda de Rachmaninov con Natalia Satin. El Preludio en do sostenido menor op. 3, n.º 2, es una de las obras más conocidas de Rachmaninov. Es un preludio escrito en forma ternaria (ABA) en do sostenido menor, de 62 compases, que forma parte de un conjunto de cinco piezas tituladas Morceaux de Fantaisie. La serie Op. 32 contiene trece preludios escritos por Rachmaninov en 1910.

21 agosto 2015

Ballet desde Londres: La fille mal gardée


(Difusión) El ballet ‘La Niña Malcriada’ llegará a la cartelera peruana, como parte del ciclo de proyecciones de la Royal Opera House, el montaje de Frederick Ashton estará en exhibición este 22, 23 y 26 de agosto en las salas de Cinemark Jockey Plaza.
La obra de Frederick Ashton es considerada por los críticos como una de sus creaciones más alegres y está inspirada en su amor por el condado de Suffolk. Es protagonizada por la bailarina principal Natalia Osipova, que da vida a Lise, y Steven McRae, que interpreta a Colas. Lise es la única hija de Simone, una viuda y propietaria de una granja próspera. Ella ama al joven agricultor Colas, pero su madre tiene planes más ambiciosos. Ha determinado que debe casarse Alain, hijo de un rico terrateniente. Alain está poco interesado en casarse con Lise al igual que ella. Simone al principio se opone a la relación entre su hija y Colas, pero luego de muchas situaciones les da su bendición.
‘La Niña Mala’ está basada en el French Ballet de 1828 y la música fue adaptada de la exitosa obra original de Ferdinand Hérold por John Lanchbery. Fue un gran éxito en su estreno en 1960 y es una de las favoritas en el repertorio del Royal Ballet. 
La temporada de Royal Opera House es proyectada en exclusiva en las modernas salas de Cinemark  Jockey Plaza con tecnología 100% digital. Los espectadores disfrutan de obras estelares y con precios asequibles. El público aprecia espectáculos como si estuviera en Londres, en uno de los top espacios culturales de Ballet y Ópera del mundo.
Los interesados  podrán adquirir  sus entradas en la boletería de Cinemark Jockey Plaza, por la página www.cinemark-peru.com y a través de tu App (disponible para IPhone, Android o Windows Phone).

‘La Niña Malcriada’ (La fille mal gardée)
Elenco: Natalia Osipova y Steven McRae
Duración: 2 horas y 15 minutos (incluye un descanso)
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Ferdinand Hérold
Arreglo y orquesta: John Lanchbery
Escenografía: Jean Dauberval
Diseño: Osbert Lancaster
Iluminación: John B. Lee
Realización: Orquesta The Royal Opera House



Próximos títulos desde la Royal Opera House en Cinemark:
La Niña Malcriada                                                 22, 23 y 26 de agosto 2015
La Bohéme                                                          2, 13 y 16 de setiembre 2015
Guillaume Tell                                                    26, 27 y 30 de setiembre 2015

19 agosto 2015

Dos orquestas interpretan a un titánico Mahler

Fotos © Gran Teatro Nacional
Nuestras dos orquestas nacionales interpretan juntas esta demandante sinfonía
Por Gonzalo Tello Para Luces
Temporada de invierno de la Orquesta Sinfónica Nacional. Director invitado: Pablo Sabat. Invitados: Leticia Moreno (violín) y la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil. Programa: Jean Sibelius: Concierto para violín y orquesta, Op. 47. Gustav Mahler: Sinfonía no. 1 en re mayor.
Gracias a la estrecha relación de los elencos del Ministerio de Cultura y en búsqueda de una experimentación musical, la Orquesta Sinfónica Nacional contó en su último concierto de abono, por primera vez, con la participación de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, para realizar una presentación especial en el Gran Teatro Nacional. Esta unión se dio para interpretar la Primera Sinfonía de Gustav Mahler, obra que requiere más de 100 ejecutantes y una amplia cantidad de músicos en las diferentes secciones, especialmente metales y percusión. Las dos orquestas nacionales, dirigidas por Pablo Sabat, interpretaron esta gran obra cumpliendo sus requerimientos.
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El programa se inició con el Concierto para violín y orquesta en re menor de Jean Sibelius, reconocido compositor nacido hace 150 años. Leticia Moreno, joven y destacada violinista española de origen peruano, fue la solista encargada de dar el homenaje al finlandés. Moreno se ha presentado en importantes escenarios desde muy joven, fue alumna de Maxim Vengerov y Mstislav Rostropovich y ha ganado importantes premios internacionales.
En esta primera parte la OSN acompañó a Moreno, quien con postura discreta y moderada navegó por la obra con un arco que parecía flotar sobre las cuerdas. Solemne y elegante, ofreció un sonido claro y sincero sobre una amplia cadenza extendida en los dos primeros movimientos. Sobre el final Allegro ma non tanto hay un diálogo de tipo camerístico de la solista y los capos, en que Moreno agrada con melodías interpretadas con rubato y un aire gitano evocador. La orquesta, aunque algo dispersa al inicio, ofreció sonidos contundentes de las trompetas y cuerdas portentosas sobre el Adagio. La batuta de Sabat fue siempre precisa y destacó especialmente en el bello crescendo inicial. Moreno regaló como bis el tema “Nana” de Manuel de Falla, acompañada por Clelia Mertens al arpa.
Mahler destaca por la precisión con que describe los movimientos de sus sinfonías, algo posiblemente inspirado por Schumann. Su primera sinfonía, llamada “Titan” en un inicio, es la primera de una serie de sinfonías que requieren grandes orquestas y coros, y varias de ellas ya las hemos podido disfrutar gracias a satisfactorias interpretaciones de la OSN en los últimos tres años.

El primer movimiento, en que escuchamos perfectas trompetas a lo lejos, trae una melodía misteriosa y moderna. El misterio se transforma en una melodía pastoral que se repite constantemente. El tercer movimiento, que es una marcha fúnebre, destaca particularmente en esta obra. El final, Stürmisch bewegt (Agitato) requiere de la orquesta en pleno que, en fortíssimo y con pasajes marciales, ejecute con virtuosidad y logre el éxtasis musical. La mano precisa de Sabat es indispensable para mantener la cohesión de cada grupo. Sus tiempos son correctos y obtiene vigor de los ejecutantes. 
Como primera vez este intento de fusión de orquestas fue muy positivo, a pesar de que las cuerdas no tocaban al unísono, o los cornos fallaron por la mala ejecución de algunos elementos. Aunque la interpretación no fue perfecta, el resultado del arduo trabajo demostró que si ambos elencos trabajan juntos más seguido, podremos escuchar otras importantes obras post-románticas, como por ejemplo las sinfonías de Bruckner, compositor pendiente en nuestros escenarios.

14 agosto 2015

Concierto de Gala de Radio Filarmonía

Sergio Tiempo vuelve a Lima © Sussie Ahlburg.
Radio Filarmonía presentará este jueves 20 de agosto su Concierto y Cena de Gala anual con el patrocinio de las Embajadas de Argentina y Chile. Esto será a las 7:30 pm. en el Auditorio del Colegio Santa Úrsula. Este concierto contará esta vez con una orquesta dirigida por el chileno José Luis Domínguez, actual director de la Orquesta Filarmónica de Santiago de Chile, y contará como solista con el laureado pianista argentino Sergio Tiempo.
El programa incluirá un programa ambicioso, con obras de Wagner, Liszt y Berlioz, en lo que seguro será una gran evento.
Como es tradición, luego de este concierto se ofrecerá una Cena de Gala en la Residencia de la Embajada de Chile, en San Isidro.
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Las entradas para el concierto se venden en Teleticket de Wong y Metro, con 20% de descuento para el Círculo de Amigos de la Radio. Los precios van desde 30 hasta 150 soles. Ya saben que pueden hacerse Amigos de la Radio con sólo 10 soles mensuales. Entérese de como hacerlo en www.filarmonia.org.

La Cena de Gala será una vez terminado el concierto en la Residencia de la Embajada de Chile (esquina de Pezet con Gral. Portillo, en San Isidro). Las entradas para la cena se venden en el local de Radio Filarmonía en Barranco a US$ 125 por persona. Para los que quieran una mesa de 10 personas podrán adquirirla a US$ 1,250.

Informes a los teléfonos: 512 - 6161 y 512 - 6175.
PROGRAMA:
Richard Wagner
Obertura de la ópera "Los Maestros Cantores de Nuremberg"

Franz Liszt
Concierto para piano y orquesta N° 1 en mi bemol mayor, S.124

Héctor Berlioz
Episodio de la vida de un artista, sinfonía fantástica en cinco partes,   Op. 14


12 agosto 2015

OSN y OSNJ juntas en concierto

© OSN
Por primera vez la Orquesta Sinfónica Nacional y la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil se unen para presentar la Sinfonía no. 1 en re mayor, "Titán" de Gustav Mahler.
Ambas orquestas serán dirigidas por el titular de la OSNJ, Pablo Sabat. El Concierto incluirá en la primera parte el famoso Concierto para violín en re menor, Op. 47 de Jean Sibelius, interpretado por la violinista Leticia Moreno.

Serán más de cien músicos sobre el escenario los que ejecutarán esta importante obra del repertorio de Gustav Mahler. Serán dos conciertos los días viernes 14 de Agosto a las 8:00 pm y el domingo 16 de Agosto a las11:30 am en el Gran Teatro Nacional. Venta de entradas en Teleticket y boletería del Gran Teatro Nacional.
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Leticia Moreno es aclamada internacionalmente por su exquisita musicalidad y expresividad, Leticia Muñoz Moreno “Cautiva tanto al público como a la crítica gracias a su carisma natural, virtuosismo y su profunda fuerza interpretativa”.
Galardonada por SAR el Príncipe Felipe de España con el prestigioso premio “Príncipe de Girona” y elegida ECHO RISING STAR por la Comunidad Europea, realizó una gira de 20 conciertos por las salas más importantes de Europa: Musikverein de Viena, Barbican Centre de Londres, Concertgebouw de Amsterdam y ThéatreChampsElysées de Paris entre otras.
Ganadora de varios concursos internacionales: H. Szeryng, Concertino Praga, Novosibirsk, Sarasate o Kreisler donde fue aclamada por la crítica por su “interpretación sin precedentes del Concierto de Shostakovich Op. 99′′. Otros galardones son el Emily Anderson Prize de la Royal Philharmonic Society, el Martin Musical Scholarship de la London Philharmonia Orchestra, AIE y JJVV. Recibió el LottoFörderPreis del Festival de Rheingau por un jurado presidido por el Maestro C. Eschenbach quien consideró “su técnica impecable, brillante, radiante; su musicalidad profunda e intensamente conmovedora… posee un carisma que mantiene a la audiencia alerta en sus asientos, pues es emocionante e impactante”.
Leticia ha actuado con los directores más reconocidos como Zubin Mehta, Yuri Temirkanov, K. Penderecki, V. Spivakov, M. Vengerov, I. Bolton, J. Axelrod, J. Nelson, W. Weller, P. Steinberg, G. Herbig, E. Oue, J. Pons, V.P. Pérez, J. López Cobos, P. Halffter,C. Vásquez, A. Orozco Estrada y J. Mena entre otros, y con las principales orquestas tales como Wiener Symphoniker, Mozarteum Orchester, St. Petersburg Philharmonic, National Philhamonic de Rusia, Maggio Musicale Fiorentino, Sinfonía Varsovia, la Orquesta Sinfónica de Besançon, Essener Philharmoniker, la Orquesta Sinfónica de Taipei, Orquesta Simón Bolívar y es un invitada habitual en la mayoría de las principales orquestas españolas. Aparece en salas como Wiener Konzerthaus, Amsterdam‘s Concertgebouw, Wigmore Hall de Londres, Teatro Rudolfinum de Praga, Bayreuth Opernhaus, las Filarmónicas de S. Petersburgo y Moscú, el National Concert Hall de Taipei, el Carnegie Hall y la mayoría de las salas de conciertos de España y en festivales como Lockenhaus (invitada por G .Kremer), Rheinghau, Colmar, Besançon, Ravinia, Musical Olympus de San Petersburgo, Beethoven, Passau, Davos, para nombrar unos pocos.
Destacan sus actuaciones en el Festival de Colmar y el Festival de Rheingau, invitada permanente tras su clamoroso debut que la crítica describió como: “Triunfal actuación de una nueva estrella en el firmamento musical” (Rheingau Echo 2010) gran éxito por el que el ciclo Proarte la incluyó en una gira con la Kammerphilharmonie Amadé interpretando los conciertos de Mozart con sus propias cadenzas así como la Sinfonía Concertante que interpretó en Gdansk bajo la batuta de M. Vengerov. Debutó con la Essener Philharmoniker interpretando el concierto de Stravinsky junto a A. Orozco Estrada y se unirá al pianista M. Stadfeld para dedicar un programa a Bach y a Beethoven. Los éxitos obtenidos en Francia junto a J. Axelrod, donde la crítica elogiara “su presencia escénica, su energía, autoridad, exquisita sensibilidad e impecable precisión, cualidades que la alzan definitivamente al rango de los grandes intérpretes” hicieron que fuera invitada en numerosas ocasiones por V. Spivakov a actuar tanto en Francia como en Rusia.
Estudió con Zakhar Bron en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en la Musik Hochschule de Colonia siendo la becada más joven de la historia de la prestigiosa Alexander von Humboldt Stiftung, en la Saarlandes Musik Hochschule con M. Vengerov licenciándose en la Guildhall School of Music de Londres con D.Takeno. Tuvo el privilegio de recibir consejo de M. Rostropovich, quien fuera su mentor en los últimos años de su vida. Leticia ha recibido un importante apoyo de Juventudes Musicales de Madrid a lo largo de toda su trayectoria artística.
Ha grabado la Sinfonía Española de E. Lalo para Verso y las Piezas Caprichosas de C. Bernaola junto a Juanjo Mena y la OSE para Claves. Lanzará su primer CD para violín y piano con su gira europea del ECHO. Leticia toca un Nicola Gagliano de 1762.

10 agosto 2015

Músicos peruanos destacaron en julio

© GTN
Por Gonzalo Tello.- Durante julio, y muy apropiadamente por el mes patrio, tuvimos la oportunidad de disfrutar las presentaciones de jóvenes artistas peruanos que vienen desarrollando carrera tanto local como internacional.
La Sociedad Filarmónica de Lima eligió este mes para presentar un Festival llamado "Al encuentro de músicos peruanos" en los que presentaron, en tres conciertos gratuitos para sus abonados, a artistas como los pianistas Priscila Navarro Claudio Constantini y Gabriel Gutiérrez, el chelista chelista Johann Aparicio-Bohórquez y el cuarteto Nueva Lima Clásica. La atracción fue de hecho la presencia de Navarro, quien a su corta edad ha dado satisfacciones sobretodo a nivel internacional, en que crítica ha alabado su estilo y técnica, en programas que incluyen diversos compositores, incluso contemporáneos.
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El primer concierto dio que hablar entre el público asistente pues Priscila dio una eficiente interpretación de las "Variaciones Goldberg" de Bach. Los comentarios fueron de satisfacción y de que la SFL y otras productoras le den mas espacio a artistas emergentes con ella.

El pianista Claudio Constantini vive en Europa y desarrolla una carrera interesante, presentándose en diversos escenarios desde San Petersburgo a Los Ángeles, y es un artista versátil, pues también toca el bandoneón y es compositor. A trabajado en diversos géneros y ha trabajado con artistas tan populares como Gotan Project. De Constantini puedo elogiar que presentó un programa interesante que se salió de lo común en el típico esquema Mozart-Beethoven-Brahms que suele muchas veces engolar nuestras salas de concierto. Toda la primera parte fue dedicada a Debussy, compositor protagonista de un disco comercial editado por IBS Classical. El programa se completó con los intermedios de Brahms y concluyó con la sonata no. 3 de Chopin. Constantini creo que fue coherente con cada estilo, pero dándole un toque personal, que mucho tiene que ver con sus influencias jazzísticas. Ese toque le dio personalidad a su interpretación.
© GTN
Brillante Priscila Navarro con la OSN
Priscila Navarro fue invitada por la Orquesta Sinfónica Nacional para ser solista en su último concierto de temporada, en el Gran Teatro Nacional. Este concierto contó con la dirección de la  japonesa Tomomi Nishimoto. Navarro tuvo a su cargo el poderoso Concierto para piano y orquesta no. 3 de Sergei Rachmaninov. Este concierto es muy similar en estructura al popular Concierto no. 2, pero es de un peso diferente y en cierto modo titánico, como lo es el segundo concierto de Brahms. Podría decirse que esta obra tiene un peso titánico romántico. Navarro comenzó con una cierta "ingenuidad" en sus primeras frases, y digo esto de manera muy positiva, ya que estaba segura de llevarnos por todo un viaje. La orquesta, durante los dos primeros movimientos mas bien se subordina a lo que el piano está diciendo, y el intérprete debe ser capaz de narrarnos toda la historia como un actor experimentado, entendiendo tanto el temperamento de la obra por su estilo, como interpretando las diversas pericias técnicas que la obra requiere. Navarro, a pesar de su juventud y sobriedad en el escenario, es capaz de algo que pocos logran en este punto: Transmitir. Su mensaje frente a las teclas fue de dramatismo, delicadeza, con diversos acentos logró transmitir la bipolaridad que muchas veces caracterizan las obras de este autor, así como supo apoyar con fuerza y fue capaz de dar lecturas independientes con cada mano. Su actitud (lo digo pues la veía defrente y muy de cerca) estuvo compenetrada con el lirismo de la obra. Fue de gran ayuda la precisión de la directora Nishimoto, quien tiene una técnica depurada y supo conducir correctamente a la orquesta.
© GTN
La OSN estuvo a la altura de la virtuosa solista, salvo por algunas desafortunadas participaciones provenientes del grupo de cornos y trombones, que con sonidos secos y fuera de tiempo alteraron el buen resultado. Hace poco me llamaron la atención por criticar generalmente a los metales de la OSN, con lo que concuerdo, pues por descuido uno puede generalizar y pecar de injusto. Quiero precisar que aprecio el trabajo de la mayoría de músicos de la orquesta, y si hay fallas y errores, vienen de unos cuantos. Mis disculpas nuevamente a aquellos maestros que se hayan sentido injustamente recriminados.
Sin embargo, el trabajo de una orquesta es de un colectivo, y muchas veces pocos elementos desafortunados producen esos errores. Es un sentir que hay músicos en la OSN al que el puesto les queda grande y no pueden ser removidos. Mis comentarios este día fueron de adjetivos mas duros de los que hoy escribo. Creo que urge una legislación que permita que músicos que no cumplan con el nivel mínimo, no deban continuar en nuestra primera orquesta nacional, pero sobretodo urge porque hasta donde entiendo no hay leyes que permitan la continuidad en el oficio de los mas jóvenes. Un músico de la Juvenil no tendria un cupo asegurado en la Nacional por mérito. Es algo que los directivos tienen que evaluar, ya que se tiene que agilizar un mecanismo que vaya acorde con los esfuerzos que realizan tanto músicos como directores en el plano artístico y con resultados de los que hoy podemos estar orgullosos, eso si, sin bajar la guardia.

"Juditha Triumphans" nuevamente con el Coro Nacional de Niños
Este año pudimos ver la reposición de la infrecuente cantata "Juditha Triumphans" de Antonio Vivaldi, la cual fue estrenada con gratos resultados el año pasado. Esta reposición se hizo por los 20 años del CNN, aunque esta vez con nuevos solistas, otra orquesta y voces adultas formando parte del coro. El año pasado contamos con la presencia de dos grandes intérpretes, como son Josefina Brivio como Juditha y la argentina Jacquelina Livieri como Vagaus. También participó el competente Ensemble Artifex dirigido por Luis Chumpitazi. La reposición actual contó con Edda Paredes en el rol de Juditha, la soprano Marielly Minaya como Vagaus y Mónica Canales como Holofernes. El resto del elenco se mantuvo. Esta vez solistas de la OSN fueron dirigidos por Javier Súnico, y el Coro fue complementado por voces adultas femeninas, ex-integrantes del elenco.
No toda reposición es mejor que la anterior vez, y esta no es una excepción. Destaco la presencia y gran resultado de la soprano Marielly Minaya en el complejo rol de Vagaus. Su partitura es difícil y requiere mucha técnica, control de la respiración y correcta emisión. Minaya es una cantante en ascenso y su resultado fue satisfactorio. Con el tiempo y trabajo sostenido logrará mejorar sobretodo la coloratura y dar mejores resultados. Edda Paredes, quien es una competente cantante, en mi opinión como Juditha no llenó del todo el dramático y complejo rol. Sin embargo en su estilo logró imprimirle un sentido introspectivo al personaje. Mónica Canales no estuvo tampoco al nivel de lo que puede ser un gran Holofernes, sin embargo, entendiendo que llenó una plaza faltante en esta producción, y que el rol no va precisamente con su voz, aplaudo la valentía por sacar adelante el proyecto. Del Coro destaco el entusiasmo con que los niños interpretaban sus roles, con viveza y contundencia, todo de memoria. La orquesta no me pareció destacada, salvo la participación del oboe solista, quien fue el único que dió una interpretación con estilo y sentimiento. La falta de continuidad en el ritmo de Javier Súnico hizo que la obra se dilatara y cayera algo pesada.
Aunque los resultados no sean del todo óptimos por varias razones, igual salgo con la satisfacción de que se apuesta por obras diversas y se le da la oportunidad a jóvenes cantantes con mucho talento a probarlas. Ojalá y estos elencos insistan en programar obras barrocas, así muchos mas cantantes tendrían la oportunidad de interpretarlas, en un formato de alto nivel.

Sociedad Filarmónica de Lima celebra 108 años

SFL
(Difusión SFL) Un 15 de agosto hace 108 años, un grupo de distinguidos melómanos tuvo la iniciativa de crear una asociación que sirviera de nexo entre los grandes compositores e intérpretes de la música clásica y el público limeño en aquella época. Desde entonces, no se ha detenido. Durante todo este tiempo, la institución musical pionera del país ha ido creciendo y renovándose, al punto que hoy en día ofrece una temporada de 25 conciertos con la participación de los más importantes artistas y agrupaciones de la escena musical mundial, además de presentaciones en el interior del país. Hoy en día es la institución cultural de mayor prestigio en el Perú y una de las más antiguas de América Latina. 
En su mes de aniversario, la Sociedad Filarmónica celebra la promoción de la música con más música. Este martes 11 de agosto a las 7:45 p.m. en el Auditorio Santa Úrsula,presenta al Trío Vega, como parte de su Temporada de Abono 2015.
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SFL
El Trío Vega es una formación que emerge con fuerza en el panorama musical español. Compuesto por el violinista Marc Paquin (Suiza), la violonchelista Orfilia Saiz Vega (España) y el pianista Domenico Codispoti (Italia), se crea en el 2011 con la intención de profundizar en su pasión por la música de cámara y de concentrar su actividad musical en esta agrupación camerística.
Su repertorio abarca desde las obras maestras del clasicismo, romanticismo, impresionismo y siglo XX, hasta nuestros días con el estreno de obras nuevas creadas para el Trío Vega como “Ataraxia” de Juan Cruz Guevara, y la recuperación de obras desconocidas o poco divulgadas, de ámbito europeo.
Con esta y otras agrupaciones han actuado en salas de Inglaterra, Francia, Suiza, España, Italia, Estados Unidos, los Emiratos Árabes y la República Checa entre las que cabe destacar, Wigmore Hall, Grande Salle du Conservatoire de Ginebra, Musicades de Lyon, Schubertiades Suisses, Conservatorio de Paris, entre otras.
Han obtenido el reconocimiento del público en la Fundación Botín de Santander, Fundación Juan March de Madrid, Auditorio Manuel de Falla de Granada y Sociedad Filarmónica de Gijón y participado en conciertos en Suiza.
Recientemente han grabado los tríos de Giuseppe Martucci para Naxos, con salida en el 2015, y hay en proyecto la grabación integral de los Tríos de Hans Huber para el sello suizo Claves.
107 AÑOS PROMOCIONANDO LA BUENA MÚSICA
El 15 de agosto de 1907, se reunieron en el Club Nacional los más distinguidos melómanos de la ciudad con el propósito de fundar la Sociedad Filarmónica de Lima. Ahí estuvieron Manuel Álvarez Calderón, Ántero Aspíllaga, Enrique Barreda y Osma, Felipe Barreda y Osma, Enrique Domingo Barreda y Laos, Adolfo Baash, Rómulo Botto Lercari, Alberto Falcón, Alfredo Fleury, Luis González del Riego, Francisco Graña, Jorge Labrousse, Pedro López Aliaga, Enrique Swayne, Hernán Velarde y Carlos Einfeldt; un grupo de amantes de la música que reunió esfuerzos y voluntades para fundar una asociación que sirviera de nexo entre los grandes compositores e intérpretes de la música clásica y el público limeño. 
El 6 de septiembre, en los ambientes del Club Nacional, fue elegido el primer Consejo Directivo de la Sociedad Filarmónica que estuvo integrado por: Manuel Álvarez Calderón (Presidente), Carlos Einfeldt (Vicepresidente), Enrique Swayne (Tesorero),  Luis González del Riego (Secretario) y Francisco Graña (Bibliotecario). De esta forma, la nueva institución quedó plenamente organizada y preparada para iniciar sus actividades artísticas y culturales. Nadie imaginaba por aquel entonces que la Sociedad Filarmónica de Lima se iba convertir en la institución cultural con mayor duración y la de legado más sólido en nuestro país. 
En el texto de presentación del libro “100 años – Sociedad Filarmónica de Lima”, el escritor Mario Vargas Llosa señala: “En un país como el nuestros, donde los entusiasmos suelen ser efímeros y deshacerse frente a los obstáculos, que una institución cultural como la Sociedad Filarmónica de Lima cumpla cien años es un milagro. Pero, no, no lo es, sino una hazaña que resulta de la perseverancia, el idealismo y la generosidad de un puñado de hombres y mujeres que a lo largo de varias generaciones han sabido mantener vivo este oasis en el gran desierto de la cultura musical peruana…”
La Sociedad Filarmónica ha venido ofreciendo de manera ininterrumpida una serie anual de conciertos que le ha proporcionado a nuestra ciudad una dinámica artística que ha enriquecido nuestra actividad cultural y ha motivado la incursión de varios prometedores jóvenes en la escena musical mundial. Compositores, solistas, cantantes, instrumentistas y conjuntos de cámara nacionales y extranjeros, encuentran en la Sociedad Filarmónica la posibilidad de un diálogo musical entre diversas generaciones.
Entradas a la venta en Teleticket de Wong y Metro
Martes 11: Concierto de Aniversario con el debut en Lima del TRÍO VEGA: Marc Paquin, violin;  Orfilia Saiz Vega, chelo y Domenico Codispoti, piano. Suiza/ España/ Italia.
Programa: MOZART (1756 – 1791), Trío en do mayor para violín, violonchelo y piano (KV 548). SHOSTAKOVICH (1906 – 1975) , Trío para piano y cuerdas Nº 1 en do menor, op. 8. BRAHMS (1833 – 1897), Trío para piano, violín y chelo en si mayor, op. 8.

06 agosto 2015

Dos éxitos contemporáneos en Tardes de Ópera

© ROH
Por Gonzalo Tello.- Este sábado a las 12:00h por Radio Filarmonía 102.7 fm (www.filarmonia.org) tendré el placer de presentarles una doble función de dos óperas contemporáneas que han tenido mucho éxito alrededor del mundo, desde sus respectivos estrenos en 2003 y 2012. "Written on Skin" del inglés George Benjamin, y "Ainadamar" del argentino Osvaldo Golijov. Ambas óperas han sido grabadas, se escenifican en diversos teatros del mundo y se ha hablado mucho de ellas. 
A continuación les daré información útil para que puedan disfrutar de estas dos obras maestras de la ópera contemporánea.
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WRITTEN ON SKIN, de George Benjamin
George Benjamin, CBE (Londres, 1960), es un compositor, pianista, director de orquesta y pedagogo. Estudió con Olivier Messiaen en el Conservatorio de París durante la segunda mitad de los años 70, y llegó a ser uno de sus alumnos favoritos. A la muerte de Messiaen ayudó a su mujer Yvonne Loriod a finalizar el Concierto a cuatro que el maestro dejó inacabado. 
"Escrito en la piel" (Written on skin) es una ópera en tres actos y 15 escenas del compositor británico George Benjamin. Se estrenó en el Festival de Aix-en-Provence en 2012, y recibió su estreno británico en la Royal Opera House de Londres en marzo de 2013; El mismo Benjamin dirigió estas dos temporadas de estreno. 
El libreto es de Martin Crimp y se basa en una leyenda del trovador Guillermo de Cabestanh; la historia también se repite en El Decamerón de Giovanni Boccaccio. La acción de esta breve ópera tiene lugar en el siglo 12 de la Provenza, en el sudeste de Francia.  
El éxito de esta ópera ha motivado a la Royal Opera a encargarle una nueva ópera de larga duración a ambos autores, que se estrenará en 2018. El título aún no se conoce.
Grabación en vivo.  Londres, ROH, 2013.
ELENCO
El Protector | Christopher Purves
Agnès | Barbara Hannigan
Angel 1/El muchacho | Bejun Mehta
Angel 2/Marie | Victoria Simmonds
Angel 3/John | Allan Clayton
Orchestra of the Royal Opera House, Covent Garden
Director: George Benjamin
 
ARGUMENTO

Acto Primero

Un coro de Angeles nos transporta 8 siglos hacia el pasado. A la epoca donde los libros se iluminaban con hermosas ilustraciones, escritas sobre piel. Nos presentan dos personajes: el Protector, un poderoso señor feudal, y su esposa, la joven y sumisa Agnes. Uno de los Angeles se convierte en el tercer personaje. Un joven iluminador, el Muchacho. El Protector encarga al Muchacho que ilustre un Libro con imagenes de su familia en el Paraiso, y de sus enemigos en el Infierno. Como prueba de su pericia, el Muchacho enseña una bella miniatura el Protector y a su esposa. Agnes queda prendada del arte y los encantos personales del Muchacho. Los Angeles nos recuerdan versos de la Biblia sobre la Creacion del mundo, y el lugar de la mujer en esa Creación. Agnes acude al taller para admirar el trabajo del Muchacho. Al ver una ilustracion de Eva, Agnes le pide al artista que represente una mujer real, alguien tangible que conozca el Muchacho. Se acerca el invierno, y el Protector esta preocupado por los cambios que observa en su esposa, que apenas come y parece sumida en un estado de melancolia. Dos Angeles se convierten en Marie, la hermana de Agnes, y su esposo John, que visitan la casa del Protector. Marie se pregunta si ha sido inteligente introducir un joven tan apuesto en la intimidad de Agnes, pero el Protector desdeña sus consejos, y amenaza con expulsar a Marie y John de sus tierras. El Muchacho introduce a Agnes en su habitacion y le muestra la mujer que ha pintado. Es la propia Agnes. La tension sexual crece entre ambos, hasta que deben ceder al deseo carnal que los consume.

Acto Segundo

El Protector tiene una pesadilla, en la que sus siervos se rebelan, y sueña con que el Libro tiene una pagina secreta, en la que aparecen Agnes y el Muchacho, juntos en un lecho secreto. El Protector despierta, y ve a su esposa junto a la ventana, mientras contempla a lo lejos las hogueras con que los hombres del Protector estan quemado una aldea enemiga. Pide a su marido que la conforte, pero este rehusa y dice a Agnes que es solamente una niña. "No, no soy una niña. Preguntale al Muchacho", dice la joven su esposo. El Protector encuentra al Muchacho en el bosque, y le pregunta si ha tenido relaciones con Agnes en un lecho secreto. El Muchacho, asustado, lo niega, y dice que se acosto con Marie, la hermana de Agnes. El Protector le dice a Agnes que el Muchacho le ha contado su aventura con "la puta de tu hermana". Agnes, airada, pregunta al Muchacho porque ha mentido. "Para protegerte", le contesta. Pero Agnes no quiera proteccion, exige al Muchacho que cuenta la verdad a su marido, y dibuje ademas una escena, una pagina secreta, entre ella y el Muchacho que no deje lugar a dudas sobre la naturaleza de su relacion. 

Acto Tercero

El Muchacho muestra a Agnes y el Protector el Libro que ha terminado. Escenas del Paraiso, con las tierras y los allegados del Protector, que este no reconoce, y confunde con el Infierno. A la hora de mostrar las escenas del Infierno, el Muchacho se va y deja solos a Agnes y al Protector con la pagina secreta. El Protector lee la verdad sobre la relacion entre Agnes y el Muchacho. Agnes no sabe leer, y exige a su marido que le muestra como esta escrita la palabra 'amor'. El Protector asesina al Muchacho en el bosque. El Protector sirve una apetitosa vianda a Agnes. Cuando su esposa termina, le revela que es el corazon del Muchacho. Agnes desafia a su marido, y le dice que jamas se desvanecera de su boca el sabor del corazon del Muchacho. 
El Angel/Muchacho nos presenta el cuadro final. El Protector ha cogido un cuchillo para matar a Agnes, pero ella se adelanta, y se suicida, arrojándose desde el balcón.


© Teatro Real

AINADAMAR, de Osvaldo Golijov

Osvaldo Golijov tiene muchas influencias en su estilo composicional, que refleja sus orígenes multiculturales. Nació y creció en La Plata, Argentina en el seno de una familia judía que había emigrado de Rumania y Rusia en los años 20. De niño, Golijov aprendió yidish. La madre de Golijov era profesora de piano y su padre era médico. Golijov tuvo contacto con la música de cámara, música litúrgicajudía, el klezmer y el nuevo tango de Astor Piazzolla. Estudió piano en el conservatorio de La Plata y composición con Gerardo Gandini. En 1983 Golijov se mudó a Israel donde estudió con Mark Kopytman en la Academia Rubin de Jerusalén. En Israel profundizó en su conocimiento con las tradiciones musicales mezcladas de Jerusalén. En 1986 se mudó a los Estados Unidos y obtuvo un PhD de la Universidad de Pennsylvania, donde estudió con el compositor estadounidense George Crumb. Trabajó como ayudante en la cátedra de Tanglewood mientras estudiaba con Lukas Foss y Oliver Knussen.
Golijov ha recibido recientemente el premio de la Fundación MacArthur y otros premios como compositor. Ha trabajado como compositor permanente en varias universidades estadounidenses, para el festival de Ravinia en Chicago y otros festivales de música. Actualmente es compositor permanente de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Es profesor de música en College of the Holy Cross en Worcester, Massachusetts desde 1991. En 2000 Golijov y los compositores Sofía Gubaidúlina, Tan Dun, y Wolfgang Rihm fueron comisionados por la Internationale Bachakademie Stuttgart para escribir piezas en conmemoración de Johann Sebastian Bach. La contribución de Golijov fue La Pasión según San Marcos.
Golijov ganó dos Premios Grammy en 2007, por Ainadamar en las categorías Mejor grabación de ópera y Mejor composición clásica contemporánea. 
Ainadamar, ópera en tres escenas con libreto de David Henry Hwang sobre la actriz Margarita Xirgú y el poeta Federico García Lorca. El libreto de Hwang fue originalmente escrito en inglés, y luego traducido al español por Golijov. La ópera también incorpora abundante vocabulario en árabe y judío.
Como mucho del trabajo de Golijov, la obra cuenta con sonidos típicos del flamenco español, — de hecho, hay una sección deguitarra flamenca y cajón flamenco incorporada dentro de la orquesta. Comisionada por la Orquesta Sinfónica de Boston, la premiere se realizó en Festival de Tanglewood el 10 de agosto de 2003. Luego de importantes revisiones, la nueva versión fue presentada en la Ópera de Santa Fe el 30 de julio de 2005. Tuvo su premiere en Chicago en el Festival de Ravinia el 14 de junio de 2006, y más recientemente fue presentada en la Ópera de Boston y en la de Darmstadt en noviembre de 2007. En la reposición de 2012 en el Teatro Real de Madrid, el director de escena Peter Sellars incorporó poemas de Diván del Tamarit, y que eran recitados por el personaje de Margarita Xirgú; por lo cual, el papel fue abordado por una actriz (que recayó en Nuria Espert y una soprano.
Elenco del estreno
Margarita Xirgu:Dawn Upshaw
Federico García Lorca: Kelly O´Connor
Nuria: Jessica Rivera
Ruiz Alonso: Jesús Montoya
José Tripaldi: Eduardo Chama
Maestro: Sean Mayer
Ladies of the Atlanta Symphony Chorus
Atlanta Symphony Orchestra
Dirección: Robert Spano

Grabación DG, 2006.
La ópera cuenta la historia del escritor Federico García Lorca y su musa, la actriz catalana Margarita Xirgu. El personaje masculino de Lorca es interpretado por una mujer. Subtitulada "una ópera en tres imágenes",Ainadamar está contada cronológicamente de modo inverso e involucra la oposición de García Lorca a la Falange Española, acusaciones dehomosexualidad y su subsecuente muerte.
ARGUMENTO
Primera imagen: Mariana
La acción comienza en el Teatro Solís de Montevideo en abril de 1969. Se escuchan voces de niñas cantando la balada de apertura de la obra de García Lorca: Mariana Pineda. La actriz Margarita Xirgu mira hacia atrás en el tiempo a través de 40 años, desde que participó en la premiere de esta atrevida obra de un joven y brillante autor. En los últimos minutos del último día de su vida, ella intenta transportar a su alumna, la joven Nuria, al fuego, la pasión y la esperanza de su generación, la que hizo nacer a la República Española. Recuerda en flashes su primer encuentro con García Lorca en un bar de Madrid. Él le dice que la libertad en su obra no es sólo libertad política, y narra un mundo inspirado en la visión de la estatua de Mariana Pineda, que vio de niño en Granada. Mariana fue ejecutada en 1831 por coser una bandera constitucional y rehusarse a revelar los nombres de los líderes de la oposición constitucional a la monarquía absolutista de Fernando VII, entre ellos, su amante. Éste la abandonó, y ella escribió una carta final, serenamente compuesta, a sus hijos, explicando su necesidad de morir con dignidad. Margarita reflexiona en los sucesos paralelos de Mariana y Federico. El ensueño es roto por la llamada de Ramón Ruiz Alonso, el falangista que ordenó el arresto de Lorca, ejecutado en agosto de 1936.
Segunda imagen: Federico
La balada de Mariana Pineda vuelve a sonar, esta vez llevando a Margarita al verano de 1936, la última vez que vio a Federico. La República Española es atacada: el levantamiento de los generales de la derecha ha comenzado. La compañía de teatro de Margarita es embarcada en una gira a Cuba. Ella le rogó a Federico que la acompañara, pero él decidió, en cambio, ir a su casa en Granada, a trabajar en nuevas obras y poesía. Nadie sabe los detalles de la muerte de Lorca. Margarita tiene una visión de su hora final: el oportunista Ruiz Alonso arrestando a García Lorca en Granada, y conduciéndolo a un solitario lugar de ejecución, Ainadamar, "la fuente de las lágrimas", junto a un torero y un maestro.
Tercera imagen: Margarita
Por tercera vez escuchamos la balada de Mariana Pineda, una vez más la obra está por comenzar, la historia recontada por la generación de alumnos latinoamericanos de Margarita. Margarita sabe que está muriendo. Esta vez no puede hacer su entrada, otros deben hacerla. Guiada por su corazón, le dice a Nuria que un actor vive por un momento, la voz individual de un actor es silenciada, pero que la esperanza de la gente no muere. La dictadura militar se prolongó en España por casi cuarenta años, Franco nunca permitió que Margarita Xirgu, imagen de la libertad, pisara suelo español. Margarita mantuvo vivas las obras de García Lorca en Latinoamérica mientras eran prohibidas en España. El espíritu de García Lorca entra en la sala. Toma la mano de Margarita, y toma la mano de Nuria. Juntos entran en un ardiente atardecer de delirante transformación visionaria. Margarita muere, ofreciendo su vida a las líneas finales de Mariana Pineda: soy libre. Su coraje, su claridad y su humanidad son pasadas a Nuria, sus estudiantes, y las generaciones que le siguen. Canta: "Soy la fuente de la cual tú bebes".
(Toda la información de las biografías y argumentos son proporcionadas por Wikipedia y las páginas de los compositores Benjamin y Golijov).