20 abril 2015

Pekka Kuusisto abre temporada de la Sociedad Filarmónica

© Harrison Parrott
(Difusión) La centenaria Sociedad Filarmónica de Lima inicia su Temporada de Abono 2015 con la presentación de la prestigiosa orquesta de cámara alemana The Deutsche Kammerphilharmonie de BremenEl violinista finlandés Pekka Kuusisto participará como solista y director de la orquesta. Este primer concierto de la Temporada de Abono se realizará este sábado 25 de abril a las 7:45 p.m. en el Auditorio Santa Úrsula. El programa para esta noche es el siguiente: Obertura de la ópera Così fan tutte y Concierto para violín y orquesta N° 5 en la mayor, de W.A. Mozart; Concierto para violín y orquesta, de Magnus Lindberg; y Sinfonía N° 1 en do mayor, op. 21 de L. van Beethoven.
The Deutsche Kammerphilharmonie de Bremen es una de las principales orquestas del mundo. Durante muchos años, la orquesta ha cultivado amistades musicales con solistas y directores de renombre internacional como Maria João Pires, Viktoria Mullova, David Fray, Igor Levit, Hélène Grimaud, Martin Grubinger, Janine Jansen, Christian Tetzlaff, Hilary Hahn, Heinrich Schiff, Trevor Pinnock, y Sir Roger Norrington. Los miembros de la orquesta tienen un especial compromiso personal con la Bremen East Comprehensive School, donde actualmente se ubican sus salas de ensayo. Esta colaboración ha sido reconocida con numerosos premios, incluyendo el Zukunftsaward (Future Award) como “mejor iniciativa de innovación social” (2007) y el ECHO Classical Award (2012). Con estos proyectos, los músicos tienen como objetivo fomentar el desarrollo individual de la persona a través de la música. El Ministro de Estado para la Cultura ha designado el Future Lab como un proyecto modelo.
En el 2008 la orquesta recibió el prestigioso German Founders Award en la categoría de premio especial por su exitosa fusión de iniciativa empresarial y cultura. En el 2009, tres de sus nuevos lanzamientos obtuvieron el ECHO Classical Awards. Asimismo, han sido honrados con el German Record Critics’ Certificate of Special Merit (2010) por sus logros editoriales que van desde Bach a Ruzicka. El mismo año Paavo Järvi recibió el ECHO Classical Award como Director del Año por las grabaciones de Beethoven. 
Pekka Kuusisto es reconocido internacionalmente como solista y director, así como por su enfoque fresco del repertorio clásico. Defensor de la nueva música, Kuusisto trabaja regularmente con compositores como Nico Muhly y Thomas Ades. Tuvo a cargo el estreno mundial del Concierto para violín de Sebastián Fagerlund; y su grabación de esta obra con la Finnish Radio Symphony Orchestra y Hannu Lintu está próxima a ser lanzada por el sello discográfico BIS. Es frecuente su colaboración con artistas de todo el espectro artístico. Esta temporada Kuusisto une esfuerzos con los bailarines Kaari Martin (flamenco) y Minna Tervamäki (ballet) y el pianista Heini Kärkkäinen para una interpretación coreográfica del Concierto para violín de Sibelius, que será estrenada en Dresdner Musikfestspiele.
Con la Swedish Chamber Orchestra y Thomas Dausgaard, Kuusisto tiene un proyecto con motivo del 150 aniversario del nacimiento de Sibelius, que consiste en la presentación de las obras del compositor junto a canciones tradicionales y poemas de Karelia. Es además director artístico de ‘Nuestro Festival’, con base en la ciudad natal de Sibelius, el cual fue elegido en el 2011 como Festival del Año por Finland Festivals. Por este festival le fue otorgado el Premio de la Música del Estado Finés, por su programación innovadora. Kuusisto ha sido considerado como artista Junge Wilde en el Konzerthaus de Dortmund. En el 2013, ganó el Nordic Council Music Prize, siendo calificado por los jueces como “un violinista en la élite absoluta”.


18 abril 2015

Ya llega la Camerata de Berlín

La Camerata de Berlín se presentará junto al pianista Joseph-Maurice Weder este 21 de abril en el Auditorio Santa Úrsula. © Neda Navaee

(Ópera Perú) La Berliner Camerata ha iniciado ya su gira latinoamericana que la ha traído por varios países de nuestra región, y llegará a Lima para dar un concierto este 21 de abril en el Auditorio Santa Úrsula gracias a TQ Producciones.
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lo interesante de esta presentación, además de presentar un impecable programa de compositores barrocos y románticos, es el hecho de venir acompañados por el distinguido pianista Joseph-Maurice Weder. A continuación conozcamos su biografía:
"Un músico maravilloso con una técnica brillante", dijo Gautier Capuçon sobre Joseph-Maurice Weder (nacido en 1988), después de tocar con él en el verano de 2013 en el Festival de Clásicos San Prex.
Joseph-Maurice Weder realiza presentaciones con Südwestdeutsche Filarmónica, Sinfónica de Basilea, la Orquesta de Cámara de la Ciudad de Bratislava, Orquesta Filarmónica de Jóvenes de Munich, en prestigiosas salas de concierto (incluyendo el Wigmore Hall de Londres, Konzerthaus de Viena, Berlín, Edimburgo, Tonhalle de Zurich, Venecia, Belfast, la Residencia Teatro en Munich, Cardiff, Music Hall de Stadt-Casino de Basilea).
Su primer CD comercial (etiqueta euro-clásicos) fue lanzado a principios de 2007, que contiene una grabación en vivo del Tercer Concierto para piano de Beethoven con la Orquesta de Cámara de la Ciudad de Bratislava / Eslovaquia. El periódico Neue Luzerner Zeitung describió Joseph-Maurice Weder como poseedor de "una soberanía increíble ... un toque cristalino de virtuosismo excepcional."
Joseph-Maurice Weder es el ganador de algunos de los más prestigiosos premios en Suiza: Premio al Joven Talento, el Radisson SAS Hotel Basel; premio y compromisos con la Fundación para la Música Joven Talento Meggen / Lucerna (que incluía Vladimir Ashkenazy y Sir James Galway en el jurado); premio de la Neuen Orchester de Basilea; premio de Kulturdirektion Baselland; beca de la Fundación Fritz-Gerber Zurich; beca de la Schweizerische Interpretenstiftung; premio de Friedl-Wald Fundación Basilea, beca de la Fundación Lyra Zúrich, premio de Kiefer Hablitzel Fundación Berna). En 2008 y 2009, Joseph-Maurice Weder fue el ganador del prestigioso premio de Migros-Kulturprozent Zúrich.
A principios de 2013 recibió el destacado "Premio del Embajador de Suiza" por la Embajada de Suiza en el Reino Unido, cuando se estaba presentando en Edimburgo, Londres, Belfast y Cardiff. En 2015 Joseph-Maurice Weder hará sus conciertos debut en la Berliner Philharmonie, Salle Cortot en París, Gewandhaus de Leipzig y en el Laeiszhalle de Hamburgo. Además, hay giras programadas a través de América del Sur y Noruega, así como una grabación de dos conciertos de Chopin con la Berliner Camerata.

La Camerata Berlín, quien es dirigida por la violinista Olga Pak, interpretará un interesante programa que contiene:
Antonio Vivaldi: Concierto para violín y cuerdas en re mayor, RV 549.  
Johann Sebastian Bach: Concierto para dos violines y orquesta en Re menor BWV. 1043. 
Carl Phillip Emanuel Bach: Sinfonía N° 4 en sol mayor H. 666 Wq. 183. 
Wolfgang Amadeus Mozart: Concierto para piano no. 12 en la mayor, KV. 414. 
Frédéric Chopin: Concierto para piano y orquesta n.º 2 en Fa menor, Op. 21.

17 abril 2015

Bach por todo lo alto en el Gran Teatro Nacional

La Sociedad Filarmónica de Lima inicia su 108ava. temporada con una brillante presentación de la Internationale Bachakademie de Stuttgart, en la poderosa Misa en Si menor de J.S. Bach. © Ópera Perú

Sociedad Filarmónica de Lima. Concierto inaugural del Ciclo Sinfónico 2015. 16 de abril, Gran Teatro Nacional.
Internationale Bachakademie Stuttgart, Bach-Collegium, Gächinger Kantorei. Johanna Winkel (soprano), Ann Beth Solvang (mezzosoprano), Sebastian Kohlhepp (tenor), Markus Eiche (barítono). Hans-Christoph Rademann, director.
Programa: Misa en si menor, BWV 232 de Johann Sebastian Bach.
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
En el 2012 vino por primera vez a Lima la Internationale Bachakademie de Stuttgart, para iniciar la temporada de la Sociedad Filarmónica de Lima (SFL) en el Auditorio Santa Úrsula. En aquel entonces dieron una importante presentación con quien era su director en ese momento, el legendario Helmuth Rilling. La obra a interpretar era la famosa y trascendente Misa en Si menor de Johann Sebastian Bach.
Tres años después los tiempos han cambiado y recibimos a este mismo elenco para iniciar el tercer Ciclo Sinfónico de la SFL en el Gran Teatro Nacional. Esta vez llegan bajo la batuta de su nuevo director principal, Hans-Christoff Rademann, joven músico experto en la música antigua y con amplia trayectoria como director de coros y orquesta.
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Mucho se ha avanzado en esos tres años. La Sociedad Filarmónica ha repotenciado sus temporadas con dos ciclos y mas de una veintena de conciertos, con artistas cada vez de mayor nivel y vigencia internacional. La dimensión de este gran elenco, que incluye a los coros Bach-Collegium y Gächinger Kantorei, y a cuatro solistas europeos, ha hecho de este concierto inaugural un evento especial.
Evidentemente el plato fuerte ha sido la repetición de esta famosa Misa en Si menor de Bach, considerada una de las obras corales referenciales de la música universal, por la dimensión de su partitura y el lenguaje e importancia artística que representa en nuestros días. Una obra a la que Bach le dedicó 25 años de trabajo y es considerada su obra mas ambiciosa. Escucharla en Lima es un lujo que solo se puede permitir trayendo a un elenco especialista como este. Además, las características acústicas del GTN se adecúan perfectamente a obras sinfónico corales y permiten que disfrutemos de una mejor experiencia.
La característica principal de la Bachakademie Stuttgart y sus Coros es que son fieles al estilo de época, interpretan en instrumentos antiguos y su técnica es correcta a la investigación musicológica. El sonido de las voces de los coros es liviana, así como los solistas cumplen con los requerimientos de una versión que pretende ser fiel al original.
Esta obra contiene música que Bach utilizó en otras obras. Es una especie de Pastiche musical que contiene diversos temas, agrupados de tal forma que componen una Gran Misa Católica. Así es como figura en el legado de C. P. E. Bach, hijo de Johann Sebastian y heredero de esta partitura que su padre no escuchó en vida, pues fue estrenada recién a mitad de la década de 1830. Las excelentes notas al programa de Carlos Gatti nos dan una amplia visión de la biografía de su autor, de la obra en si y narra extraordinariamente bien sus partes.
En esta Misa el coro tiene participación predominante y los solistas ciertos pasajes. Destaca la participación de ambos coros especialmente en el Kyrie, el Credo (en que entonan pasajes virtuosísimos en piano en Et incarnatus y Crucifixus) y el hermoso e íntimo final del Agnus Dei. las solistas femeninas tienen mas presencia interpretando duetos y arias. La soprano Johanna Winkel interpreta con alevosía pero con fiel estilo sus partes. La mezzosoprano Ann Beth Solvang destaca por su bello timbre especialmente en el Agnus Dei, qui tollis final. El tenor Sebastian Kohlhepp deleita en sus pasajes Domine Deus y Benedictus, y el barítono Markus Eiche da contundente impacto en Quoniam tu solus y en un brillante Et in Spiritum Sanctum. Las partes de los cantantes solistas son acompañadas por instrumento solistas como la flauta, oboe d´amore, violín y contrabajo.
La dirección de Rademann demuestra su conocimiento del barroco con indicaciones mas rudimentarias, diferentes a las sofisticadas que podemos encontrar en directores románticos o contemporáneos. Su experiencia como director de coros también es evidente por su permanente control sobre las voces, prestándoles incluso mas atención que a la orquesta en ciertos pasajes, buscando la precisión del conjunto.
Si fuera una posibilidad escribir una hoja en blanco como comentario de este concierto, sería mi opción. Digo esto ya que una partitura tan bien lograda y un resultado sonoro tan perfecto como el que escuchamos anoche por momentos hace que los adjetivos pierdan valor, y la música sea la que tenga la última palabra. Esa fue mi percepción sobre cada nota de este magnífico concierto.
Este gran elenco de artistas terminó así su gira sudamericana que los llevó también a Brasil, Argentina y Uruguay. Solo la noche del miércoles se encontraban en el Teatro Colón de Buenos Aires interpretando El Mesías de Händel. El jueves ya estaban el Lima para su concierto de la noche.
La Sociedad Filarmónica de Lima promete nuevamente una temporada nutrida de conciertos. Serán tres conciertos mas en este Ciclo Sinfónico en el Gran Teatro Nacional, con la presencia de Joshua Bell y la Academy of Saint Martin in the Fields en junio; La Sinfonietta Tallin de Estonia en julio; y la Junge Philharmonie de Viena en octubre.
La temporada regular de abono se inicia este 25 de abril en el Auditorio Santa Úrsula, con un concierto que promete ser especial, a cargo de la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, dirigida por Pekka Kuusisto, quien también interpretará el violín. Ellos presentarán la obertura de "Cosi fan tutte" de Mozart, los conciertos para violín y orquesta no. 5 de Mozart y de Lindberg, y la sinfonía no. 1 de Beethoven. Esta temporada incluye 21 conciertos, entre ellos, cuatro de regalo para sus abonados.
Ese mismo sábado desde las 11:00 am iniciarán también su cuarto ciclo "La música en el cine" con Vertigo de Alfred Hitchcock. Este ciclo comprende ocho películas que serán proyectadas en el Centro Cultural de la PUCP de San Isidro hasta noviembre.
Mas información en www.sociedadfilarmónica.com.pe. La venta de entradas y abonos se realiza a través de Teleticket.

OSN: Yolanda Auyanet y canciones de Valcárcel

(Difusión)
(Difusión) El Ministerio de Cultura anuncia para este viernes 17 de abril, a las 20:00 horas, en el Gran Teatro Nacional, la segunda gala de la Temporada de Otoño de la Orquesta Sinfónica Nacional, que presentará como invitados estelares al director peruano radicado en Chile, David del Pino, y a la soprano canaria Yolanda Auyanet.
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La noche promete una serie de emociones con la interpretación de siete canciones populares españolas de Manuel de Falla, laureado compositor que sigue tres procedimientos diferentes para la ejecución de sus piezas: la utilización exacta de la melodía con el “Paño moruno”, “Seguidilla murciana” y “Asturiana”, la reelaboración melódica en “Nana”, “Canción” y “Polo” y la recreación de un estilo con “Jota”.
La combinación musical perfecta llegará con el estreno absoluto en Perú de siete canciones de los “Treinta y un cantos del alma vernácula”, obra del artista puneño Theodoro Valcárcel. “¿Hakuchu?”, “Suray Surita”, “Allkamari kanki”, “Urpicha, yaw”, “Tikata tarpuy, ¿Niykichu?”, “Apu kuyapayaq” y “Chililin utaja” forman parte del repertorio que Yolanda Auyanet regalará al público en quechua y aimara.
El cierre del concierto tendrá como protagonista a Ludwig van Beethoven y su Sinfonía No.7. Las entradas están a la venta en los módulos de Teleticket y en la boletería del teatro, con descuento del 50% para miembros del CONADIS, menores de 12 años, estudiantes universitarios y de institutos superiores y adultos mayores.
Para completar la jornada, el Ministerio de Cultura ha programado a las 18:30 horas, en el foyer del Gran Teatro Nacional, un conversatorio con ingreso libre para brindar una visión más profunda de la vida de Theodoro Valcárcel. Participarán el sociólogo y director del Instituto de Etnomusicología de la PUCP, Raúl Renato Romero; el poeta puneño y promotor de la literatura aimara, José Luis Ayala; y el director de la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú, Fernando Valcárcel.

14 abril 2015

UVK presenta el Ballet del Bolshoi


(Ópera Perú) El Ballet del Bolshoi de Moscú regresa a los cines a partir del domingo 19 de abril a UVK Multicines Larcomar.
Desde sus cómodas salas podremos ver cuatro clásicos en espectaculares producciones en diferido desde ese teatro. "El Lago de los Cisnes", "La leyenda del amor" (estreno mundial ) , "Romeo y Julieta" e "Iván el Terrible" son los títulos de esta corta temporada.
Estas transmisiones llegan a UVK en exclusiva desde el Teatro Bolshoi, gracias a Pathé Live y BY Experience. Se pueden adquirir las entradas en boletería del cine.
© Teatro Bolshoi

El lago de los cisnes - 19 de abril / 11:30 am.

Música: Piotr I. Tchaikovsky
Libreto: Yury Grigorovich
Coreografía: original de Yury Grigorovich
Reparto: Solistas y Cuerpo de Baile del Teatro Bolshoi.
© Teatro Bolshoi

Romeo y Julieta - 17 de mayo / 11:30 am.

Música: Sergei Prokófiev
Libreto: Sergei Prokófiev, Sergei Radlov and Adrián Piotrovsky
Coreografía: original de Yury Grigorovich
Reparto: Alexander Volchkov (Romeo), Anna Nikulina (Julieta)
© Teatro Bolshoi

Leyenda de amor - 7 junio / 11:30 am.

Música: Arif Melikov
Libreto: Názim Hikmet
© Teatro Bolshoi

Iván el terrible - 5 de julio / 11:30 am

Música: Serguéi Prokófiev

Ahora llega el "violín del futuro"

MONAD Studio

(Ópera Perú) Hace unos meses vimos en Hungría nacer el "piano del futuro". Ahora en Nueva York piensan crear el "violín del futuro".
Es una pieza aerodinámica impresa en 3D llamada "2-string Piezoelectric Violin",  que utiliza dos cuerdas en vez de cuatro y tiene una aparatosa estructura amplificadora.
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Este instrumento, diseñado por la firma MONAD Studio, es parte de un proyecto artístico dirigido por Eric Goldemberg and Veronica Zalcberg llamado 'MULTI', que comprende 5 instrumentos impresos en 3D, y que forman parte de una exhibición artística que podrá ser vista en el Jacob Javits Center de New York hacia el final de esta semana.
Estos cinco instrumentos además del violín, comprenden un cello, un monobarasitar, un didgeridoo chico y una hornucopia (didgeridoo largo). Serán interpretados por tres instrumentistas durante su exhibición el jueves y viernes.
MONAD Studio
Por lo pronto estos instrumentos no serán fabricados en masa.
(Con información de MONAD Studio)

Coro Nacional de Niños inicia Tiempo Pascual


(Difusión) En el marco de las celebraciones por sus 20 años de creación, el Coro Nacional de Niños ofrecerá el recital “Tiempo Pascual” en iglesias de Miraflores, Manchay, Pachacamac, Breña y el Callao, como parte del Ciclo de Música Sacra 2015 organizado por el Ministerio de Cultura.

El elenco dirigido por la maestra Mónica Canales ha interpretado en ediciones anteriores una diversidad de obras de corte religioso, que abarcan desde la monodia medieval hasta la polifonía de las últimas décadas en más de ocho lenguas. Este año, la agrupación en pleno concentrará su talento en piezas de los compositores Leo Delibes y John Rutter.

Las funciones gratuitas de “Tiempo Pascual” están programadas para el martes 14 de abril en la parroquia Nuestra Señora de Fátima de Miraflores, miércoles 15 en el templo Virgen del Rosario de Manchay, jueves 16 en el santuario Santísimo Salvador de Pachacamac, miércoles 22 en la capilla del colegio La Salle de Breña y jueves 23 en la Iglesia Matriz del Centro Histórico del Callao, a partir de las 19:30 horas.

La primera parte del espectáculo está dedicada al inglés John Rutter con composiciones para voces iguales y piano, como “All the things bright and beautiful”, “Look at the world”, “Give me wings”, “Magical kingdom”, “For the beauty of the earth”, “The lord bless you and keep you” y “A clare benediction”.

En el bloque final el público disfrutará del Messe breve para voces iguales y órgano, obra del francés Leo Delibes; además de las piezas “Exultate justi” de Josu Elberdin y “Alleluia” de Sherri Porterfield.

13 abril 2015

Sinfónica Juvenil en programa de excelencia

© Ópera Perú
Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil del Perú - Segundo Concierto de Temporada, 12 de abril, Gran Teatro Nacional. Pablo Sabat, director. Solistas: Gonzalo Guerra, clarinete. Mauricio Quiñe, fagot. Lukáš Vondráček, piano.
Programa: R. Strauss: Duetto concertino en fa mayor para clarinete, fagot, arpa y orquesta de cuerdas, AV 147 / TrV 293; S. Rachmaninov: Rapsodia sobre un tema de Paganini, Op. 43; L. Beethoven: Sinfonía no. 5 en do menor, Op. 67

Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
Hace un tiempo vengo elogiando el trabajo que Pablo Sabat y equipo realizan con la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, un trabajo sostenido de arduo esfuerzo y que se preocupa por ampliar repertorio y mejorar el nivel de los jóvenes músicos.
Esta temporada si que demuestra este avance, debido a la complejidad de cada programa y el alto nivel de los invitados internacionales que nos prometen. Hace poco, en su concierto inaugural 2015, la orquesta ofreció una dedicada versión del Concierto para piano de Grieg, junto al legendario Joaquín Achúcarro. En este segundo concierto de temporada no se quedaron atrás y ofrecieron un programa digno de una gran orquesta internacional y con un solista de primera.

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Siempre es un placer y una exquisitez escuchar obras de Richard Strauss, sobretodo las de su periodo de madurez, que son infrecuentes en nuestro medio. Las primeras décadas del siglo XX le trajeron un nuevo estilo compositivo al compositor alemán, mucho mas intimo e inspirado en el neoclasicismo. En esta oportunidad, la OSNJ mantuvo el formato de presentar solistas nacionales junto a internacionales en cada programa. En este concierto presentaron como solistas a los peruanos Gonzalo Guerra en el clarinete y Mauricio Quiñe en el fagot, interpretando el Duetto concertino en fa mayor para clarinete, fagot, arpa y orquesta de cuerdas, AV 147 / TrV 293, de Strauss. 
La obra se inicia de manera camerística, con una bella entrada de los capos de los cuatro grupos de cuerdas y una bella primera melodia del clarinete. Entra el fagot con el resto de las cuerdas en un tema íntimo y juguetón propio del estilo tardío de Strauss. El diálogo entre los solistas va in crescendo y se vuelve frenético. El tiempo y volumen de cuerdas es correcto y bien controlado por Sabat. Durante el andante el arpa y fagot narran un tema pastoral apoyado por los segundos violines y el concertino, Lorenzo Costa. Durante el Rondó las cuerdas narran temas que hacen recordar las canciones de Mahler, y aquí destaca la precisión de los cellos y contrabajos para sostener ese tema. Hacia el Allegro ma non troppo final el concertino Costa pinta y adorna el ameno diálogo entre ambos solistas. El discurso se extiende recordándonos el estilo de óperas como Intermezzo o Capriccio. Ambos solistas dieron una lectura destacada de esta bella obra, así como la orquesta, con un placentero sabor straussiano.

Luego llegó el turno del pianista checo Lukáš Vondráček, joven intérprete que ha grabado varios discos para el sello ORF y ha destacado con orquestas del calibre de la Filarmónica de Londres, Gulbenkian, Philharmonia, San Petersburgo, Sinfónica de Viena, Nacional de Washington, Cincinatti, y la NHK de Japón. Reputado intérprete, ha pisado las grandes salas de concierto como Wigmore Hall, Carnegie Hall, Kennedy Center, Konzerthaus, Tornhalle, Cité de la musique, y ha sido dirigido por Marin Alsop, Christoph Eschenbach, Gianandrea Noseda y muchos otros.

Vondráček y la OSNJ asumieron el reto de interpretar la difícil Rapsodia sobre un tema de Paganini para piano y orquesta, Op. 43 de Sergei Rachmaninov. El solo hecho de interpretar tamaña obra ya es digno de admiración. Vondráček pudo sacarle el jugo al nuevo Steinway del Gran Teatro Nacional de elaborada manera.

Vondráček interpreta cual cirujano con fortes y pianos intercalados, junto al ritmo frenético que Sabat saca de la orquesta, con un sonido envolvente y preciso. Por momentos los pies del pianista golpean muy fuerte el pedal y se escuchan sobre las notas. La entrada de los metales es brillante y estupenda. Esta versión es fenomenal y el volumen que logra la OSNJ parece venir de una orquesta mas grande. La variación 18, la del tema mas famoso de la obra, es iniciado con melancolía y gracia, y recuerdan el romanticismo del famoso tema del último movimiento del Concierto no. 2 de este compositor. Esta obra es un viaje virtuoso para el pianista, y Rachmaninov logra plasmar en su obra una maestría digna de los conciertos para piano de Franz Liszt. El final inesperado  y delicado de la obra es brillante, con una excelente coordinación permanente entre solista y director.

Aunque Vondráček recibió fuertes aplausos, aun nuestro público es apático y no retribuye justamente una entrega de ese nivel. El teatro sube las luces y anuncia el intermedio muy pronto y eso no ayuda a que se elogie suficientemente al solista.

Si bien la lectura que Sabat suele darnos de las sinfonías de Beethoven suele ser dinámica, con mucha audacia y descubriendo nuevas perspectivas, este no es el caso con la famosa Sinfonía no. 5 en do menor, Op. 67. Desde el inicio la energía y tiempo presto que Sabat le indica la orquesta ocasiona un problema de entrada de las cuerdas y maderas, que no terminan de emparejarse hasta la mitad del Allegro con brio. Aquí destaco la belleza y frescura con que entra el solo de oboe. Los cornos suenan muy fuertes sobre el conjunto. Durante el Andante con moto  escuchamos un bello trio entre el clarinete, flauta y oboe. Los metales suenan marciales y las cuerdas están en mejor forma. Los cellos cantan su melodia con mucho legato. Los últimos dos movimientos son cronometrados y rápidos, destacando el Finale - Allegro en que orquesta en pleno, y sobretodo los metales brillan hacia un vertiginoso final. 
La OSNJ debería aumentar el número de sus ejecutantes. Su brillo y belleza de sonido puede mejorar si sube la cantidad de músicos. También es preciso darle mas atención a este elenco respecto a la difusión de sus conciertos, ya que parece que no se le hace mayor promoción. El nivel de obras y solistas que presenta es de alto nivel, y sus bajos precios hacen inaceptable que el teatro esté a la mitad. El nivel de estos conciertos son excelentes para compartirlos en familia y poder introducir a los mas jóvenes al repertorio universal. El que estos conciertos no estén llenos se desdice con el trabajo que realizan los Elencos y el Teatro en cuestión de formación de públicos.

Por otro lado, y basado en mi experiencia observando a los músicos nacionales por bastante tiempo, creo que es preciso que tanto músicos juveniles como adultos puedan asistir a los conciertos de las orquestas europeas que se presentan en el país. Sería interesante que nuestros músicos puedan copiar esa pasión y gracia con la que interpretan los europeos. Muchas veces parece que los nuestros sufren y no disfrutan interpretando, como si lo hicieran mecánicamente. Cada concierto debe ser ejecutado con pasión, y al final de estos sería ideal ver sonrisas amplias y un reflejo de satisfacción. Espero que esto pueda contagiarlos y que en sus interpretaciones haya mas brillo. Sería un placer adicional, tanto para ellos como para el público, expresar esas ganas de tocar, y de seguro acrecentaría su nivel.

"Lucia di Lammermoor" llega para impactar Lima

Jessica Pratt como "Lucia di Lammermoor" en La Scala de Milán. © Jessicapratt.org
La octava edición del Festival Internacional de Ópera "Alejandro Granda" llega con este impactante y famoso título, uno de los mas populares de la lírica universal. Jessica Pratt volverá a deslumbrarnos con uno de sus roles mas exitosos.
(Ópera Perú) La próxima edición del Festival Granda promete ser volátil, impactante y llena de coloratura, ya que una de las óperas mas populares del repertorio llega para impactar Lima. "Lucia di Lammermoor" será interpretada por la fantástica soprano australiana Jessica Pratt, quien debutó en Lima en 2013 como Mathilde en "Guillaume Tell" en el mismo Festival junto a Juan Diego Flórez, y esta vez protagoniza un rol que la ha hecho famosa a nivel mundial, por la excelencia de su interpretación.
A inicios del siglo XIX en Europa se popularizaron las novelas y cuentos de Sir Walter Scott. Fue Gioacchino Rossini y Andrea Leone Tottola quienes usaron por primera vez un texto de este autor escocés en la ópera, lo cual provocó una moda entre los compositores italianos de la época. Gaetano Donizetti y Salvatore Cammarano basaron su ópera en la obra "La novia de Lammermoor" y la estrenaron en 1835, con gran éxito, a pesar de la censura por su tema controversial.
"Lucia di Lammermoor" es la historia de Lucia Ashton, quien ama a Alfredo pero es obligada a casarse con otro hombre por su hermano Enrico, pues la familia necesita recuperar el status económico. Esta presión la vuelve loca, con lo cual su amor se convierte en tragedia. La música de Donizetti es tremendamente inspirada, y es vehículo para que grandes cantantes den rienda suelta a sus cualidades vocales. Las mas grandes sopranos de la historia han interpretado este rol protagónico con tremendo éxito. Maria Callas, Montserrat Caballé, Beverly Sills, Joan Sutherland, Anna Moffo, Leyla Gencer, Renata Scotto, Edita Gruberová, Mariella Devia, Natalie Dessay, Diana Damrau, entre otras, son sus intérpretes mas destacadas, de las cuales podemos encontrar una amplia cantidad de grabaciones de estudio y en vivo.
El Festival Granda como siempre ha ensamblado un reparto internacional importante de jóvenes figuras para esta producción. En esta edición veremos una nueva producción dirigida por el brasileño Allex Aguilera y con vestuario del colombiano Adán Martínez. En el reparto principal veremos junto a Pratt al joven tenor polaco Arnold Rutkowski como Edgardo, al barítono coreano Julian Kim como Enrico, al bajo croata Marko Mimica como Raimondo y al tenor peruano Juan Pablo Marcos como Arturo. La Orquesta del Festival Alejandro Granda será dirigida por el venezolano Carlos Izcaray.
Diseño de la escenografía, por Allex Aguilera © Festivalgranda.com
Solo habrán dos funciones de esta popular obra, los días 28 y 30 de abril, en el Gran Teatro Nacional. Las entradas se venden en Teleticket. mas información en www.festivalgranda.com

10 abril 2015

Sociedad Filarmónica de Lima inicia tercer Ciclo Sinfónico


EL JUEVES 16 DE ABRIL A LAS 8 P.M. EN EL GRAN TEATRO NACIONAL, LA PRESTIGIOSA BACHAKADEMIE STUTTGART INAUGURA EL III CICLO SINFÓNICO 2015 DE LA SOCIEDAD FILARMÓNICA DE LIMA
Es el primero de los 25 conciertos que integran la gran TEMPORADA 2015  de la SFL


(Difusión) La centenaria Sociedad Filarmónica de Lima inicia sus actividades con la tercera edición de su Ciclo Sinfónico (4 conciertos) que se desarrollará, una vez más,  en el Gran Teatro Nacional, a partir del jueves  16 de abril.
El ciclo que se desarrolla de manera paralela a la tradicional Temporada de Abono del Auditorio Santa Úrsula (21 conciertos),  reúne en esta ocasión a cuatro prestigiosas agrupaciones entre ellas a la BachAkademie de Stuttgart; la Academy of Saint Martin in the Fields, que en esta ocasión viene con el notable violinista  Joshua Bell como director; la Sinfonietta Tallinn y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Viena. 
La Internationale Bachakademie Stuttgart, con sus agrupaciones Gächinger Kantorei y Bach-Collegium Stuttgart, se han convertido en un sinónimo de reconocimiento internacional por sus actuaciones de alta calidad así como por su comunicación de la música.
La temporada 2013/2014 marcó el inicio de una nueva era para esta institución musical, rica en su tradición: Hans-Christoph Rademann se hizo cargo de la dirección de la Academia Bach de Stuttgart en el verano del 2013. Junto con Gernot Rehrl, Gerente General y responsable de la gestión e imagen de la Academia Bach, han ideado un nuevo concepto para el futuro.
Administrados por la Academia Bach, las agrupaciones Bach-Collegium y Gächinger Kantorei realizan una intensa actividad que comprende una amplia gama de conciertos, actuaciones con artistas invitados y grabaciones de discos. Parte importante de la labor de estos conjuntos es su participación en el Musikfestuttgart, así como en una significativa serie de conciertos de oratorios que van desde Schütz a obras contemporáneas por encargo. Un enfoque particular desde su creación ha sido la interpretación de obras vocales de Johann Sebastian Bach.
El Coro de la Academia Bach, Gächinger Kantorei, fue creado en 1954 por Helmuth Rilling y lleva el nombre de un pequeño pueblo en las montañas de Suabia, al sur de Alemania. Durante décadas ha sido considerado como uno de los coros más destacados en el mundo. Además de sus actuaciones regulares junto al Bach Collegium Stuttgart, su socio instrumental, el coro trabaja frecuentemente con orquestas como la Filarmónica de Viena, Filarmónica de Nueva York y la Filarmónica de Israel. Asimismo, mantiene una estrecha relación de colaboración con la Radio Symphony Orchestra Stuttgart del SWR. Directores invitados como Masaaki Suzuki, Krzysztof Penderecki y Sir Roger Norrington colaboran regularmente con el coro.
Con la orquesta Bach Collegium Stuttgart han logrado gran prestigio, interpretando tanto música barroca en parámetros históricamente informados, así como el repertorio de oratorio de nuestro tiempo.
Importantes giras han llevado a ambos conjuntos a países de Asia, América Latina y varios de los principales festivales de Salzburgo, Lucerna, Praga, Nueva York, París, Londres, Viena y Seúl. Cientos de grabaciones de discos abarcan las obras vocales completas de Bach, y una amplia variedad de oratorios que van desde el siglo XVIII a numerosos estrenos, incluyendo obras de Penderecki, Pärt y Rihm.
Hans-Christoph Rademann, Director. Estudió dirección coral y orquestal en la Escuela Superior de Música de Dresde. Cuando todavía era un estudiante fundó el Coro de Cámara de Dresde, que continúa dirigiendo. Fue Director Musical de la Academia de Canto de Dresde hasta 1999. Entre 1999 y 2004 fue director titular del Norddeutscher Rundfunk Chorus. Ha sido invitado para dirigir otros coros y orquestas líderes como Collegium Vocale Gent, Freiburg Baroque Orchestra y Akademie für Alte Musik Berlin. Una de sus especialidades es la música antigua, y en particular, la investigación de obras olvidadas del patrimonio musical de Dresde y Sajonia. En el ámbito de la nueva música, su interés radica en la constante exploración de nuevas perspectivas para desarrollar de manera más profunda la composición para voces. Numerosas grabaciones de obras de compositores como Ernst Krenek y Wolfgang Rihm reflejan la estrecha colaboración de Rademann con la música contemporánea. Es Director Titular de la RIAS Kammerchor desde 2007, director artístico del Festival de Música de Erzgebirge desde 2010 y Director de la Academia Bach de Stuttgart desde junio del 2013. También es profesor de dirección coral en la Hochschule für Musik "Carl Maria von Weber", en Dresde. Ha recibido numerosos premios por su trabajo, incluyendo la Medalla Constitucional Saxon (2008), la Medalla Johann Walter del Consejo de la Música de Sajonia y el Premio de las Artes de la ciudad de Dresde (2014). Sus grabaciones han ganado el German Record Critics’ Award -en varias ocasiones, siendo la última en 2014-, así como el Classics Today Prize 10/10 y el Best Baroque Vocal Award (2014) por su interpretación del Magnificat de Carl Philipp Emanuel Bach.
 SOLISTAS 
Sebastian Kohlhepp, Tenor.- Nació en Limburg an der Lahn y  estudió con Hedwig Fassbender en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Frankfurt / Main.  Hizo su debut en la ópera Salomé, dirigida por Asher Fisch en la Ópera de Monte Carlo, logrando posteriormente un contrato de dos años en el Badisches Staatstheater Karlsruhe. Para la temporada 2013/2014, Kohlhepp se traslada a la Ópera Estatal de Viena, donde ha trabajado con famosos directores como Franz Welser-Most, Adam Fischer, Peter Schneider, Jeffrey Tate, Dan Ettinger y Patrick Lange. El año pasado hizo su debut en la Ópera Popular de Viena, donde interpretó el papel principal en la ópera de cámara Albert Herring, de Benjamin Britten, dirigida por Brigitte Fassbaender. Su repertorio abarca desde óperas y arias de las Pasiones de Bach a grandes oratorios y misas de los períodos clásico y romántico. En el 2013 realizó una gira por Europa con la ópera La pasión según San Mateo de J.S. Bach, presentándose en el Wiener Konzerthaus, Tonhalle Zürich  y el Concertgebouw de Brujas, además de otros escenarios en España y Hungría.
Markus Eiche, Barítono.- Estudió en las Academias de Música de Stuttgart y Karlsruhe. Ha ganado varias becas y ha obtenido el primer premio del Concurso Internacional de Canto Francisco Viñas, de Barcelona.  Entre el 2001 y 2007 fue miembro del Teatro Nacional de Mannheim y, del 2007 hasta 2011 de la Ópera Estatal de Viena. Desde 2012 es profesor en la Universidad de las Artes de Zúrich. Desde el 2011, Markuse Eiche tiene contratos residenciales con la Ópera Estatal de Viena y la Ópera Estatal de Baviera, en Múnich.  Entre sus próximos compromisos destaca su participación en la nueva producción de Manon Lescaut de Puccini, con la Ópera Estatal de Baviera, junto a Anna Netrebko y Jonas Kaufmann. Ha sido invitado al Teatro alla Scala de Milán, Nederlandse Opera de Amsterdam, Ópera Cómica de Berlín, Deutsche Staatsoper de Berlín y la Ópera Estatal de Stuttgart. Además se ha presentado en los festivales de Salzburgo y Bayreuth, así como en el Festival de Ópera de Múnich. Ha trabajado con directores de la talla de Kent Nagano, Kirill Petrenko, Zoltan Pesko, Helmuth Rilling, Adam Fischer, Alan Gilbert, Riccardo Muti, Chrisoph Eschenbach y Christian Thielemann, por mencionar solo algunos.
Johanna Winkel, Soprano.- Sus estudios de canto comenzaron con Mechthild Böhme y Caroline Thomas, seguida de clases magistrales con Christina Scheppelmann, Ralf Popken, la Akademie für Alte Musik y Christa Ludwig. En el 2008 hizo su debut internacional en Nantes, cantando la Misa Nº 5 de Franz Schubert, junto con Peter Neumann y la orquesta de cámara alemana Concerto Köln. Posteriormente, ha actuado con conjuntos de renombre como Hamburger Symphonikern, SWR Vocalensembleand Sinfonieorchester, Chorwerk Ruhr y Chor des Norddeutschen Rundfunks; así como con directores de la talla de Jörg Straube, Sylvain Cambreling, Philipp Ahmann y Frieder Bernius, entre otros. Es invitada habitual en festivales como Bachfest Leipzig, Musikfest Berlin, Luzern Musikfestival y La Folle Journée de Nantes. En el 2009 recibió el primer premio en el concurso internacional Cantilena en Bayreuth.
Ann Beth Solvang, Mezzosoprano.- Nacida en Noruega, realizó estudios en Rogaland Conservatory of Music en Stavanger y The State Academy of Operatic Art, en Oslo. Ha recibido premios como Shell Prize y Ruud Wallenberg Music Award. Entre el 2006 y 2008 fue miembro del International Opera Studio en la Staatsoper de Hamburgo, uniéndose posteriormente al conjunto de la Staatsoper de Hamburgo, hasta el 2011. Cuenta con un amplio repertorio que incluye una serie de misas, oratorios y ciclos de canciones de Monteverdi, Pergolesi, Vivaldi, Haendel, Mozart, Haydn, Mendelssohn y Mahler. Ha trabajado con directores como Alessandro De Marchi, Lawrence Foster, Riccardo Frizza, Philippe Jordan, Roberto Paternostro, Vasily Petrenko y Simone Young, entre otros. Entre sus próximos compromisos está su rol como Anita en el estreno mundial de Todo sobre mi familia, de Sondre Lerche y Atle Halstensen en Bergen National Opera;  su participación en Rosamunda de Schubert, con la Bergen Philharmonic Orchestra; así como en el Oratorio de Navidad de J.S. Bach, en el Theater an der Wien.

ACERCA DE LA OBRA 
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685 – 1750),  nació en Eisenach, Turingia, en 1685, el mismo año en que nacieron G. F. Händel y Domenico Scarlatti, y murió en 1750, en Leipzig. Perteneció a una familia de músicos integrada por varias decenas de intérpretes y compositores de destacado nivel. La figura más importante de esa familia de siete generaciones de artistas fue, sin duda, Johann Sebastian, quien cultivó intensamente y con extraordinarios resultados la composición de obras de prácticamente todos los géneros musicales propios de su época, salvo la ópera.
En 1723 fue elegido para ocupar un cargo en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, donde transcurrió una buena parte de su vida y compuso muchas de sus obras religiosas. Bach escribió muchas cantatas que se interpretaban en los servicios religiosos luteranos de los domingos y los días festivos.
Durante su estancia en Leipzig, además de desarrollar más de la mitad de sus obras musicales, terminó de componer la Misa en si menor (BWV 232), quizá la más importante y grandiosa creación de Bach, que ha merecido comentarios como el del músico suizo Hans Georg Naegeli, quien en 1818 dijo que era “la mejor obra de todos los tiempos y de todos los pueblos”.
La creación de esta obra se concretó por partes durante un lapso de unos 25 años. Bach la fue gestando sin tener previamente un esquema definido. La primera pieza compuesta de toda la serie que constituye la Misa fue el Sanctus, originalmente elaborada para una celebración navideña de 1724. En 1733 compuso el Kyrie y el Gloria y los presentó como Misa a la corte de Dresde del rey Augustus III de Polonia, quien también era elector de Sajonia. Esta Misa breve, concebida conforme a los cánones luteranos, hizo que Bach, además de mostrar su genio creativo, se convirtiera a la larga en compositor honorario de esa corte. Las demás partes de la Misa son posteriores: datan del período comprendido entre 1747 y 1749, es decir, fueron concebidas durante los últimos años de su vida. Bach concluyó la Misa recurriendo en algunos casos a piezas anteriormente escritas por él, en las que introdujo algunos cambios. Así logró finalmente una obra maestra sorprendente por su unidad. Si bien la Misa fue terminada por el autor, Bach nunca llegó a oírla  completa. Treinta años después de su muerte, su hijo Carl Philipp Emanuel Bach interpretó la parte del Credo, y se dice que la misa completa fue estrenada solo en el siglo XIX, varias décadas después de su composición.
Si bien la obra se conoce como Misa en si menor, cabe destacar que muchas de las partes no están en esa tonalidad, aunque la obra se inicia en ella y la retoma en algunas partes. La composición está dividida en cuatro grandes secciones indicadas por el propio autor. La primera, integrada por el Kyrie y el Gloria, conforme a lo establecido por el autor en la partitura original, lleva el nombre de Missa a 5 Voci, 2 Soprani, Alto, Tenore, Basso, 3 Trombe, Tamburi, 2 Traversi, 2 Oboi, 2 Violini, Viola e Continuo di J.S Bach.[1]
El Kyrie, siguiendo el texto litúrgico, se desarrolla en tres partes: Kyrie eleison, entonado por el coro; Christe eleison, interpretado por un dúo de voces femeninas y Kyrie eleison, expuesto en una nueva participación del coro más corta que la primera. El primer Kyrie, con su hondo carácter de invocación, pareciera ser la larga expresión de una humanidad que sufre y busca la compasión divina con el ¡Señor, ten piedad! Se inicia con un breve adagio coral, al que sigue un hermoso pasaje orquestal en el que destacan la flauta y el oboe. Luego se desarrollan una fuga a cinco voces y un nuevo interludio orquestal. Después vuelve el coro a la fuga, esta vez desde las voces más graves hacia las más agudas. El Christe eleison, compuesto en re mayor, tonalidad relativa de si menor, crea un clima esperanzado y consolador. Es un dúo de voces femeninas sobrepuesto a elaboradas melodías de los violines en el que se pueden advertir ciertas reminiscencias del estilo italiano. El último Kyrie, mucho más breve que el primero, presenta una construcción austera y rigurosa de fuga a cuatro voces del coro, en la que la orquesta reduce su lucimiento y pierde independencia. Esta parte recuerda a los desarrollos musicales propios de grandes maestros antiguos como Giovanni Pierluigi da Palestrina u Orlando de Lasso.
Continúa la primera gran sección con el Gloria. Se inicia esta parte con el Gloria in excelsis, compuesto en la brillante tonalidad de re mayor. Desde el inicio aflora un júbilo especial que es resaltado por el uso de las trompetas. Frente al carácter triunfal del Gloria en las alturas, la parte correspondiente al Et in terra pax se desarrolla en un tempo un poco más lento e íntimo que sugiere  el carácter pausado de un caminar sereno por el mundo. El Laudamus te es una intensa aria en la mayor para voz femenina secundada por un violín solista. La voz humana y el instrumento de cuerda dialogan con espíritu alegre y florido con cierto aire italianizante. Gratias agimus tibi es el siguiente fragmento interpretado por el coro. Se trata de la música que perteneció primero a la cantata de Bach, Wir danken dir (Te damos gracias). El Domine deus es presentado por una soprano y un tenor, además de una flauta, que en esta pieza pareciera una voz más. La flauta inicia esta pieza en la que algunos han querido ver un carácter simbólico trinitario: han asociado a las tres voces con Dios Padre (tenor), Dios Hijo (soprano) y Dios Espíritu Santo (el soplo de la flauta). 
El Qui tollis peccata mundi, presentado por el coro, deriva de la primera mitad de la cantata de Bach Schauet doch und sehet, a la que el autor introdujo cambios en el tempo. Sigue el Qui sedes ad dexteram patris, un aria hermosa para contralto y oboe d’amore, en tempo andante. El penúltimo número de esta parte es el Quoniam tu solus sanctus, una elaborada aria para bajo en la que destaca el corno di caccia como instrumento principal del acompañamiento orquestal, y en el que también se dejan notar dos fagotes. Como último movimiento, cierra con brillo el Gloria el Cum Sancto Spiritu. Se trata de un vivace marcado, en forma de fuga a cargo del coro. En este movimiento destaca nuevamente la presencia de las trompetas que crean una atmósfera solemne y triunfal.
La segunda gran sección de la obra es el Symbolum Nicenum a 5 voci, 2 Soprani, 1 Alto, 1 Tenore, 1 Basso, 3 Trombe, Tamburi, 2 Traversieri (sic), 2 Oboi, 2 Violini, 1 Viola e Continuo di J.S Bach. Se trata del Credo, o Símbolo de Nicea, constituido por una serie de nueve partes en las que se alternan simétricamente intervenciones del coro con un dúo y un aria. Las piezas corales son las dos primeras (Credo in unum Deum, Patrem Omnipotentem), las tres centrales: 4, 5 y 6 (Et incarnatus est, Crucifixus, y Et resurrexit), y las dos finales (Confiteor, Et expecto resurrectionem mortuorum). El dúo de soprano y alto es la tercera pieza (Et in unum Dominum Jesum Christum). El aria, cantada por el bajo, es la pieza sétima (Et Spiritum Sanctum Dominum). Teniendo en cuenta lo señalado, es posible reconocer la existencia de un propósito constructivo formal en el compositor: a dos intervenciones del coro sigue el dúo, después el coro interpreta las tres piezas centrales, en las cuales se presentan aspectos fundamentales del cristianismo: la Encarnación, la Crucifixión, y la Resurrección de Cristo. En estas piezas Bach ha creado música de gran valor y extraordinaria capacidad expresiva asociada a cada uno de esos importantes acontecimientos religiosos y a la letra que los refiere. Esta es la parte central del Credo, esa compleja arquitectura musical elaborada por el músico a partir de simetrías e inversiones que tienen como pieza central y clave al Crucifixus (la quinta pieza de un total de nueve). Y para completar el Credo, como en un reflejo al espejo en el orden de aparición de las piezas, aparece el aria del bajo y luego dos partes corales. Algunos estudiosos han atribuido un carácter simbólico o especialmente significativo a tal esquema arquitectónico. Es posible decir que esa simetría inversa corresponde a una organización jiásmica de las partes. El término jiasmo deriva del nombre y la pronunciación griega de la letra  χ (ji), cuyo diseño gráfico se concreta con dos trazos simétricos, pero invertidos. Cabe señalar que resulta sugerente la asociación que secularmente se estableció entre Cristo y la primera letra de su nombre escrito en griego, el cual empieza con la letra χ (ji): χριστός.
Distintas partes del Credo provienen de cantatas del mismo Bach. Por ejemplo, el Patrem Omnipotentem, Crucifixus, y Confiteor, derivan de  las cantatas 171 (Gott, wie dein Name, so ist auch dein Ruhm)12 (Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen) y 120 (Jauchzet, ihr erfreute Stimmen)
A continuación, como tercera gran sección, aparece el Sanctus, escrito para seis voces, dos sopranos, dos contraltos, tenor, bajo y orquesta (trompetas, tambores, oboes, violines, viola y continuo) en la tonalidad de re mayor. Como se ha dicho, esta pieza es la más antigua de la misa, pues data de 1724. Cabe destacar que el coro ha pasado de cinco a seis voces en esta pieza compuesta en la tonalidad jubilosa de re mayor. Si bien el compás es cuaternario, el empleo de tresillos crea una atmósfera ternaria, la cual, unida a otros recursos, como el empleo de tres oboes (en vez de dos, como sucede en otras partes de la obra), además de las tres trompas, y la división, en ciertas partes, de las seis voces en dos grupos de tres, han llevado a algunos estudiosos a atribuir un carácter simbólico trinitario a esta parte de la obra[2]. 
La cuarta gran sección lleva la siguiente inscripción: Osanna, Benedictus, Agnus Dei et Dona nobis pacem ab 8 Vocibus, 2 Soprani, 2 Alti, 2 Tenori, 2 Bassi, 3 Trombe, 2 Tamburi, 2 Traversieri ,2 Oboi, 2 Violini, 1 Viola e Continuo di J.S. Bach. 
En el Sanctus escrito años atrás para la liturgia luterana, Bach, como era regular en ese culto, solo había incluido las partes relativas al Sanctus y el Pleni sunt coeli, y no el Hosanna y el Benedictus propios de la liturgia católica romana. Por ello en la versión final de la Misa en si menor, añadió en la cuarta gran sección aquellos textos que había omitido en la tercera. Con esta incorporación se completaba una misa católica, aunque no apareciese estrictamente dividida en las cinco grandes secciones habituales (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus, Agnus Dei).
Inicia la serie, el Osanna, interpretado por coro doble. A esta pieza sigue el Benedictus, un aria para tenor acompañada de flauta solista. Luego vuelve el coro con el Osanna in excelsis.
Continúa la obra con el Agnus Dei, que es un aria para contralto compuesta en la tonalidad de sol menor, con violines de acompañamiento. Esta gran obra finaliza con el Dona nobis pacem, pieza presentada por un coro a cuatro voces y escrita en la brillante tonalidad de re mayor. Tanto el aria como el coro están tomados de otras obras, el Oratorio de la Ascensión y la cantata nº 24 (Wir danken dir, Gott).
Con esta composición, Bach logró construir un extraordinario monumento musical en el que se integran armónicamente estilos, tradiciones musicales y piezas concebidas en distintos momentos de su vida. Además, la Misa en si menor, con toda su grandiosa y honda belleza, es una muestra del espíritu ecuménico que es capaz de integrar a diversas comunidades humanas a partir de la concentración en aquello que es fundamental para el hombre y su alto destino, y sabe dejar de lado las diferencias menores o puramente formales.
Nota: La venta de abonos se realiza en TELETICKET y como siempre considera precios especiales para estudiantes, docentes, jubilados y público en general. Asimismo precios corporativos.

[1] Salazar, Adolfo. Juan Sebastián Bach, un ensayo. México: El Colegio de México, 1951. p. 321
[2] Ver al respecto Tarín, Carlos. La Misa en Si menor de Bach: el legado (http://orfeoed.com/grandeso/misab.asp)