(Difusión) Este 10 de noviembre el mítico pianista ruso Andrei Gavrilov y la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil (OSNJ) entregarán al público peruano un concierto en el Gran Teatro Nacional, que dará inicio a una gran alianza de promoción artística entre el Ministerio de Cultura y TQ Producciones.
El maestro Gavrilov, muchas de cuyas grabaciones se consideran legendarias, como su versión de los Estudios de Frédéric Chopin, ofrecerá un único concierto en el país, en el que mostrará su virtuosismo interpretando justamente obras del célebre compositor polaco: en la primera parte, diez de sus Nocturnos para piano solo, y en la segunda parte, una de las obras más bellas escritas por Chopin, el Concierto N.º 1 para piano y orquesta en el que lo acompañará la OSNJ.
A partir de esta alianza, la OSNJ, dirigida por el maestro Pablo Sabat, participará en dos de los seis conciertos organizados por TQ Producciones para su temporada 2013.
De esta forma, la iniciativa que emprenden TQ Producciones y el Ministerio de Cultura crea un espacio en donde nuestros jóvenes talentos podrán compartir el escenario con consagrados artistas, y tendrán asimismo la oportunidad de trabajar en nuestro país con estrellas de nivel mundial y exponer el nivel profesional que alcanza esta nueva generación de músicos en el Perú.
Es este uno de los objetivos principales de TQ Producciones, como afirma su presidente ejecutivo Alberto Menacho, además de reinsertar definitivamente al Perú en las giras internacionales de los mejores artistas del mundo, una actividad que esta promotora cultural realiza desde el 2005.
Las entradas estan a la venta en TuEntrada de Plaza Vea y Vivanda.
Berlín. (EFE).- El compositor alemán Hans Werner Henze, uno
de los más influyentes de la segunda mitad del siglo XX, murió hoy en Dresde
(este de Alemania) a los 86 años de edad, informó su casa discográfica Schott
Music.
"Hans Werner Henze, uno de los más versátiles e
influyentes compositores de nuestro tiempo ha muerto", comunicó la editora
en una extensa nota en su página web, que no precisa la causa del
fallecimiento.
Henze alcanzó la fama tanto por su extensa obra musical,
especialmente sus composiciones para teatro, como por su gran compromiso
político, denunciando el nazismo y defendiendo con igual pasión el comunismo.
Su extenso trabajo musical incluye cerca de 40 obras para
teatro, óperas, diez sinfonías, conciertos, obras de cámara, oratorios y un réquiem
compuesto por nueve conciertos sagrados.
"Muchas cosas deambulan desde la sala de conciertos al
escenario y viceversa", aseguró Henze en una ocasión.
Según la nota de su casa discográfica, lo verdaderamente
"único" de este amplio trabajo "es la unión de la belleza
atemporal y el compromiso contemporáneo".
Entre las cumbres de su creación destacan sus colaboraciones
con el poeta austríaco Ingeborg Bachmann, con quien compuso El príncipe de
Homburg (Der Prinz von Homburg, 1958-59) y El joven Lord (Der junge Lord, 1964)
y los dramas musicales Elegía para jóvenes amantes (Elegy for Young Lovers,
1959-61) y Los Bassarids The Bassarids, 1964-65).
Su compromiso político surgió de la mano de las enseñanzas
de su padre, un maestro de escuela, y se ahondaron con sus experiencias como
prisionero de guerra en la Alemania nazi de Adolf Hitler.
Más adelante se involucró políticamente en las revueltas de
1968 y la revolución cubana, y decidió traducir su compromiso en un nuevo
lenguaje musical.
Fruto de esta determinación nacieron obras clave en su
trayectoria como compositor como Vamos al río (We come to the River, 1974-1976)
o su novena sinfonía, una obra coral en siete movimientos basada en la novena
"La séptima cruz" de Anna Seghers, un monumento contra el fascismo y
la guerra.
En 1976, Henze fundó la Cantiere d'Arte en Montepulciano
(Italia) y en 1988, la Biennale de Múnich, de las que fue director artístico
hasta 1994.
Henze nació el 1 de julio de 1926 en Gütersloh (noroeste de
Alemania) y fue educado desde joven en una perspectiva socialista de la mano de
su padre, durante la convulsa república de Weimar, un período especialmente
turbulento en la historia de Alemania que antecedió a la ascensión del
nacionalsocialismo.
Tras la llegada de Hitler al poder en 1933, Henze comenzó a
llevar una vida doble, estudiando por la mañana en un conservatorio el
currículo oficial y tocando música de cámara en una casa de una familia en
parte judía.
Su padre murió en el frente oriental durante la II Guerra
Mundial y Henze fue movilizado de forma forzosa en 1944, con el Ejército alemán
ya en retroceso, y terminó encarcelado en un campo de prisioneros de guerra
británico.
Su compromiso político y sus apuestas musicales lo separaron
de sus colegas alemanes y en 1953 se trasladó a vivir a Italia, donde fijó su
residencia hasta poco antes de su muerte.
La música "es lo opuesto al pecado: es la redención, la
tierra prometida", aseguró Henze.
Anoche sábado 27
de octubre fue otra de esas fechas para recordar en nuestra cartelera cultural
limeña. La que alguna vez fue una ciudad en que artistas top nos
"salteaban", hoy hacen parada obligada en nuestra capital, debido sobre
todo a la mayor cantidad de asistentes a espectáculos, así como la construcción de
nuevos teatros y auditorios. Se ha vuelto atractivo para empresarios programar
estos espectáculos, hoy más que en las últimas décadas.
Este sábado vimos
dos espectáculos de primer nivel. Al mediodía más de 300
personas a sala llena vimos desde Nueva York en vivo la función de
"Otello" de Verdi, con Renée Fleming, Johan Botha, Falk
Struckmann y Semyon Bychkov, en una gran producción del Met. Excelente
el nivel musical, orquestal, coral y de los solistas. Fleming
dio cátedra de su tremendo talento en la larga escena del Sauce y el
Ave María. Un lujo que deslumbro a todos los presentes. Como siempre en UVK
Larcomar, disfrutamos de un perfecto HD y sonido surround de primera.
Y en la noche en el Gran Teatro Nacional, también a tope,
disfrutamos de la primera presentación en nuestra ciudad de Ithzak
Perlman, uno de los más grandes violinistas vivos y una de las superestrellas
de la música clásica En un programa junto al pianista de Sri
Lanka Rohan de Silva, incluyo obras de Mozart, Gabriel Fauré e Igor Stravinsky. La Sonata
para violín y piano en La Mayor K 526 es una obra íntima que muestra
a un Mozart simple y delicado en su escritura. Esa fue la intimidad que
mostraron ambos artistas. Luego pasaron a una romántica pieza, la
Sonata no. 1 para violín y piano en La Mayor, Op. 13 del francés
Gabriel Fauré, con mucho artilugio y encanto,
una pieza elegante y sofisticada donde Perlman y De Silva
mantuvieron el estilo a lo largo de sus cuatro movimientos.
En la segunda parte presentaron la Suite italiana de Igor
Stravinsky, pieza clásica pero de un virtuosismo muy del siglo XX, característico
de este compositor universal. Ambos artistas compenetrados dieron una excelente
interpretación de esta.
Luego Perlman, con su conocida sencillez y sentido del
humor, presento diversas obras cortas de compositores como James Reese, Fritz Kreizler,
Pazzini, entre otras, además del famoso tema de “La Lista de Schindler” de John
Williams. Virtuosismo puro, pura magia, teatro de pie ovacionando al gran
artista, no tanto por su fama, sino por su maestría.
Hace no mucho tiempo, el 18 de agosto se dio una fecha igual
de histórica: András Schiff y Dame Kiri Te Kanawa se presentaron
en Lima, el primero en el Auditorio Santa Úrsula, en concierto extraordinario
de la Sociedad Filarmónica de Lima, y la segunda con TQ Producciones en el Gran
Teatro Nacional. Ambas veladas también históricas, por la trascendencia de los
artistas y el resultado de esas veladas.
Hoy mas que nunca la cartelera clásica está a tope, con espectáculos
para todos los bolsillos. Aproveche y asista pues se sorprenderá con el nivel
que se ofrece.
Este sábado desde el mediodía veremos "Otello", obra maestra de Giuseppe Verdi en directo vía satélite desde The Metropolitan Opera de Nueva York en UVK Larcomar, dentro de la temporada 12-13 Met Live in HD.
Este martes pudimos compartir con mas de 60 personas detalles de esta obra gracias a las "Tertulias Líricas" que organizan Radio Filarmonía y el Crowne Plaza Lima Hotel, y que produce Opera Perú. Contamos con la presencia del doctor Jorge Smith, director del centro cultural de la Universidad Peruana de Arte ORVAL quien nos compartió muchos datos sobre la vida de Verdi y particularidades de los aspectos psicológicos de los personajes de esta obra. Aqui pueden ver mas fotos de la producción
Esta es una producción que tiene casi veinte años en el Met, dirigida por Elijah Moshinsky. La reconocida soprano Renée Fleming vuelve a retomar el rol, quiza por ultima vez, de Desdémona junto al tenor sudafricano Johan Botha en el rol titular. los acompaña el excelente barítono Falk Struckmann como Jago. La orquesta la dirige Semyon Bychkov. Si no se la quiere perder en vivo, las entradas numeradas están a la venta como siempre en la boletería del cine, a 60 soles. También puede verla en diferido el lunes 29 y lunes 5 a las 7 pm en UVK Larcomar.
En
noviembre, el Ministerio de Cultura estrenará la Temporada de Ópera 2012 en el
Gran Teatro Nacional con la puesta de escena de Las Bodas de Fígaro, a cargo del Coro Nacional y la Orquesta
Sinfónica Nacional Juvenil; y El Diluvio
de Noé, espectáculo en el que participará el Coro Nacional de Niños y el
ensamble Artifex.
La dirección escénica de ambas
producciones estará a cargo del maestro venezolano Víctor García Sierra, cantante lírico, quien además realizará el protagónico rol de
Noé. Como director de escena en ópera y teatro ha dirigido conocidas piezas como La Boheme, Madama Butterfly, El Barbero de Sevilla
y L'elisir d'amore.
El Diluvio de Noé es una ópera infantil en un acto creada en
1958 por el británico Benjamin Britten. Será protagonizada por el Coro Nacional
de Niños, dirigido por la maestra Mónica Canales, y tendrá como invitados al
barítono venezolano Víctor García Sierra y la mezzosoprano cubana Caridad Herrera en los roles de Noé y su esposa, acompañados
por jóvenes cantantes del Coro Nacional y del ambiente lírico limeño.
Esta puesta en escena, que se inaugura el 10
de noviembre en el Gran Teatro Nacional, estará en manos del maestro Javier
Súnico, y en ella participará el ensamble Artifex interpretando música en vivo.
El vestuario será diseñado por Sumy Kujón y la escenografía por Carlos Mesta.
Las
Bodas de Fígaro
de Wolfgang Amadeus Mozart, obra que también forma parte de la Temporada de
Ópera 2012, es una de las óperas más hilarantes, aplaudidas y representadas en
el mundo desde su estreno en Viena en 1786. Es también la segunda parte de El Barbero de Sevilla.
Será estrenada el 15
de noviembre y tendrá como protagonistas al barítono italiano Antonio Vincenzo
Serra en el rol de Fígaro, y a la soprano argentina Jaquelina Livieri en el papel
de Susanna.
Ellos estarán acompañados
por destacados solistas nacionales como la soprano Jacqueline Terry, la
mezzosoprano Josefina Brivio, el barítono Xavier Fernandez y el tenor Juan
Antonio de Dompablo entre otros, así como Elizabeth Guerrero, Zenón García,
Carlos Martínez y Fernando Vizcarra, solistas del Coro Nacional. La música de
este espectáculo será interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil
dirigida por el maestro Pablo Sabat.
Las funciones de El Diluvio de Noé serán el sábado 10, 17
y 24 y domingo 11, 18 y 25 de noviembre a las 11:30 hrs; mientras que las de Las Bodas de Fígaro están programadas
para los jueves 15 y 22, sábados 17 y 24 y martes 20 de noviembre a las 20:00
hrs.
Adquiera
sus entradas para ambos espectáculos en los módulos de Teleticket de
tiendas Wong y Metro y en la boletería del Gran Teatro Nacional, martes a
sábado de 14:00 a 19:00 hrs. Se aplica un 50% de descuento para niños,
estudiantes universitarios, jubilados y CONADIS.
Fue Claude Rocle quien definió con acierto las relaciones entre la música y el cine -dos artes autónomas- como las del sol y la luna, que se iluminan o se ensombrecen según como estén relacionados. Lo cierto es que la música acompañó al cine casi desde sus inicios. Y que, ya en tiempos del cine mudo, prestigiosos compositores (el primero fue Camille Saint-Saëns para El asesinato del duque de Guisa, 1908), al que siguieron Arthur Honegger (La Rueda, Abel Gance, 1923), Erik Satie (Entr’e acte, René Clair, 1924) o Darius Milhaud (Lo inhumano, Marcel l’Herbier, 1924).
Con la llegada del sonoro, cada gran productora crea su departamento musical y urge la especialidad de compositor de cine, la misma que no impide que algunos grandes compositores contemporáneos, como Serge Prokofieff, entablen colaboraciones ejemplares con realizadores, como ocurrió en Alexander Nevsky (1938) e Iván el terrible (1942-46), ambas de Serguei Eisenstein.
Otro paso importante se da cuando el biopic (abreviación de biographical picture) desarrolla sus propias reglas como género en los años 30 y surgen grandes biografías filmadas, entre ellas las de compositores célebres: Chopin, Schumann, Beethoven, etc. tuvieron las suyas, en un filón que está lejos de agotarse y del que hemos visto algunas muestras en el Ciclo LA MUSICA EN EL CINE que ha venido desarrollando la Sociedad Filarmónica de Lima, en el marco de su programa conmemorativo por sus 105 años de vida institucional, los últimos sábados de cada mes desde mayo pasado.
Hemos visto ensayos más audaces, como la Crónica de Anna Magdalena Bach, en la que el clavecinista y director de orquesta Gustav Leonhart encarna al compositor y hace que su música reine. O El silencio antes de Bach, en la que Pere Portabella se acerca a Bach desde la cotidianidad. Y también están las famosas Amadeus, multipremiada cinta de Milos Forman sobre la rivalidad de Salieri respecto a Mozart y Don Giovanni de Joseph Losey, la mejor versión filmada de la famosa ópera mozartiana .
Un Beethoven otoñal e irremediablemente sordo en vísperas de estrenar su Novena Sinfonía y su relación con su copista nos es presentada por la polaca Agnieszka Holland en La Pasión de Beethoven; un juvenil Marin Marais dispuesto a aprender el arte de la viola con su maestro Sainte Colombe protagoniza Todas las mañanas del mundode Alain Corneau, cinta que hizo renacer la música de este genial barroco francés luego de tres siglos de olvido.
Sábado 27 de octubre 11 a.m.
LA PASION DE BEETHOVEN –Copying Beethoven de Agnieszka Holland. EE UU-Alemania, 2006. Con Ed Harris, Diane Kruger, Matthew Goode. 104 min.
Anna Holtz, de 23 años, es una aspirante a compositora con pocos medios que intenta encontrar inspiración y prosperar en la capital mundial de la música, Viena. Anna, que estudia en el conservatorio, se las ingenia para conseguir una oportunidad de trabajar junto al mejor artista vivo:
Ludwig van Beethoven. Cuando, improvisadamente, el escéptico Beethoven la pone a prueba, Anna demuestra sus dotes y su especial valía para la música. El maestro decide aceptarla como copista, lo que da comienzo a una extraordinaria relación que cambiará la vida de ambos.
Sábado 10 de noviembre 11 a.m.
TODAS LAS MAÑANAS DEL MUNDO – Tous les matins du monde de Alain Corneau. Francia, 1991. Con Gerard Depardieu, Anne Brochet, Jean Pierre Marielle. 115 min.
El filme, realizado por Alain Corneau, fue el indiscutible vencedor en 1992 de la gran velada anual del cine galo, al cosechar los premios César -equivalente francés al Oscar de Hollywood-, a la mejor película, el mejor realizador, la mejor actriz secundarla, el mejor vestuario, la mejor fotografía, la mejor calidad de sonido y la mejor banda sonora musical. El ganador del César a la mejor música por la banda sonora de Todas las mañanas del mundo fue Jordi Savall, el más famoso violagambista, director de orquesta y musicólogo español especializado en música antigua quien viene por primera vez a Lima para ofrecer único concierto el 17 de noviembre 2012 cerrando la Temporada 2012 de la Sociedad Filarmónica de Lima,
Todas las mañanas del mundo cuenta la historia de dos músicos franceses de los tiempos de Luis XIV: el misterioso monsieur de Sainte-Colombe, gran maestro de la viola de gamba y militante jansenista, y su discípulo Marin Marais. Gérard Depardieu y su hijo Guillaume encarnan a este último personaje en dos etapas diferentes de su vida.
Francia, Siglo XVII. Narra la historia del maestro de viola más importante de todos los tiempos y su relación con un alumno en la corte de Luis XIV de Francia.
Las funciones son gratuitas en la acogedora Sala Azul del Centro Cultural de la Universidad Católica (Av. Camino Real 1075, San Isidro) los sábados en matinal. Los esperamos. Aún quedan 2 citas importantes. El ingreso es libre.
(Difusión) Del 2 al 4 de noviembre se realizará en Lima el Primer Congreso Festival Internacional Música Barroca Iberoamericana que contará con la participación de destacados especialistas de Israel, España, Ecuador, Argentina, Chile y México, además de músicos e investigadores peruanos. Llegarán adicionalmente agrupaciones musicales cultoras de la música de este periodo quienes ofrecerán conciertos en diversos escenarios. El congreso es organizado por Orval, universidad peruana de arte en colaboración con el Arzobispado de Lima, el Instituto de Investigación musicológica Carlos Vega de Argentina y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en España.
El congreso se iniciará en el auditorio de la Asamblea Nacional de Rectores (Calle Las Aldabas 337, Surco) el viernes 2 de noviembre a las 10 a.m. con la conferencia inaugural a cargo de Armando Sánchez Málaga, de la PUCP, quien disertará sobre “La iconografía musical en el barroco americano”, luego participará Leonardo Waisman del CONICET (Argentina) quien hablará sobre “La americanidad del barroco americano: quimeras, pretensiones y perspectivas” y Javier Marín de la Universidad de Jaén (España) abordará el tema “La pervivencia de Tomás Luis de Victoria en el Nuevo Mundo durante los siglos XVII y XVIII”
El sábado 3 a las 10 a.m. en el mismo escenario se iniciará la reunión con la conferencia “Maestro mayor vs. Maestro de Capilla: jurisdicción civil y jurisdicción eclesiástica en Lima a fines del siglo XVIII” en la participarán Marisa Restiffo y Clarisa Pedrotti de la Universidad Nacional de Córdoba y Leonardo Waisman del CONCIET. Luego Rafael Diaz de la Pontificia Universidad de Chile disertará sobre “Cofradías de indígenas en el Santiago Colonial: estrategias de construcción de una identidad musical soterrada”.
Le tocará luego el turno a Hugo Quintana de la Universidad Central de Venezuela quien abordará el tema “El uso de la guitarra en el acompañamiento de villancicos del siglo XVII”, luego Omar Morales Abril (CENIDIM – INBA, México) analizará el tema “Fiesta y devoción en los villancicos de Tomás de Torrejón y Velasco en la Catedral de Guatemala”. Tocará el turno luego a Juan Francisco Sans de la Universidad Central de Venezuela quien disertará sobre “Los maitines para la Navidad de 1655 en la Catedral de Puebla”. Cerrará la reunión Alexzhandra Franco de la Universidad Central de Venezuela/Universidad de las Artes quien ofrecerá una exposición sobre la “Edición crítica de una selección de obras del compositor venezolano José Angel Lamas (1775 -1815).
El domingo 4 de noviembre el congreso se traslada al auditorio de la Universidad Orval (Av, Primavera 207, San Borja) y se iniciará a las 10 a.m. con la participación de Guillermo René Alvarez de la Universidad Nacional del Litoral (Argentina) quien disertará sobre “Dos motetes para la celebración de la Inmaculada Concepción en la Catedral de Viseu”. Seguirá Janett Alvarado de la Universidad Nacional de Cuenca (Ecuador) quien disertará sobre “Villancicos y Tonos del Niño en Cuencia, función cultural)
En el panel de cierre participarán Diana Fernández Calvo (IIMCV-UCA – Argentina) con el tema “Esteban Ponce de León y la música para teatro en el Cusco del siglo XVIII” e Ismael Fernández de la Cuesta (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, España) con el tema “Oficio divino, liturgia profana, Opus Musicum”.
LOS CONCIERTOS
Adicionalmente a las presentaciones de especialistas llegarán a Lima destacados músicos como Sergio Pelacani (contra-tenor y continuista) y Daniel Ganum (tiorbista), ambos solistas integrantes del Ensamble vocal instrumental De Profundis de Uruguay. Ellos ofrecerán el primer concierto en la Iglesia de San Marcelo (Esq. Rufino Torrico y Emancipación, Cercado de Lima) el viernes 2 a las 6 p.m. junto a Myrna Herzog (Israel) instrumentista en viola da gamba quien ofrecerá el tema “Memoria de España”.
El segundo concierto será el sábado 3 a las 6 p.m. en el Centro de Innovación y Emprendimiento de los Olivos (Av. Universitaria 2202, Los Olivos) y contará con la presencia de la Compagnia Scaramella de Argentina dirigida por Leonardo Waisman, el Ensamble Vocal e Instrumental De Profundis de Uruguay dirigido por Cristina García Banegas y el Conjunto de Música Antigua PUCP bajo la dirección de Lydia Hung que contará con la participación del conjunto de danza barroca La Forlana Perú,
El domingo 4 a las 6 p.m. será el último concierto en la Catedral de Lima que contará con la participación de los maestros Ismael Fernández de la Cuesta, Sergio Pelacani y Daniel Gabum acompañados por el Ensamble Vocal De Profundis. También participará el grupo vocal “Camino y voces” dirigido por Juan Francisco Sans.
El ingreso a los conciertos será libre. Mayores informes para el congreso al 7192318. Informes@uorval.edu.pe
Hoy 21 de octubre se cumple el primer centenario de Sir Georg Solti. Compartimos un texto escrito en 1998 por Felipe Santos, de la "Nueva Revista" al cumplirse el primer aniversario de la muerte de Solti, uno de los directores de orquesta pilares de nuestro tiempo.
El pasado 5 de septiembre se
cumplió el primer aniversario de la desaparición de uno de los últimos
"emperadores del podio", tal y como lo catalogó el prestigioso diario
londinense The Times: Sir Georg Solti. NUEVA REVISTA no ha querido
desaprovechar esta oportunidad para rendirle un merecido homenaje.
La casualidad hizo que falleciera
el mismo día que el mundo se paralizó con el funeral de la princesa Diana, por
lo que su muerte pasó un tanto desapercibida. Aquel día, The Times escribió de
él lo siguiente: "Cuando él estaba presente en el podio, había
electricidad en el aire. Él tenía el poder de excitar al auditorio y el también
extraño poder de servir de inspiración a sus propios músicos (...). Lo más
impresionante de él eran sus ojos, que clavaba en los de su interlocutor con una
extraordinaria intensidad. Todo lo hacía con tutta forzcc. sus entusiasmos, sus
disgustos, sus pasiones del momento".
Sir Georg Solti dirigía sus
orquestas con vehemencia, con el empuje que le daba su pasión por la música.
Esta energía, que se transmitía al auditorio como un reguero de pólvora en
cuanto comenzaban las primeras notas de sus conciertos, le acompañó hasta el
final de sus 84 años.
La última vez que dirigió en
nuestro país fue en Madrid, el 31 de octubre de 1996, en el Auditorio Nacional.
Vino al frente de una de sus formaciones favoritas, la Orquesta Filarmónica de Londres,
y deleitó a un entregado respetable con la octava de Beethoven y la Primera
Sinfonía de Brahms. La gran ovación con la que se recibió a Solti, cuando
todavía no había dirigido una sola nota, fue la manifestación más sincera de
agradecimiento de un público, en memoria de tantos y tantos momentos sublimes
que Solti, con sus obras, había proporcionado hasta entonces.
Solti comenzó a tocar el piano en
un pub de Budapest por dinero, para ayudar a su familia a pagar las deudas de
juego que contraía habitualmente su tío, al que siempre ayudaban. Su origen
judío le obligó a huir a Suiza justo después de dirigir Las Bodas de Fígaro, de
Mozart, su primera ópera en Budapest. Aquella noche del 11 de marzo de 1938,
los tanques alemanes invadían Austria.A partir de ese momento, Solti
viviría el preludio de lo que iba a ser su vida. Una vida plagada de
dificultades, que sólo amainaría en los últimos años.
En Ginebra, donde se refugió
durante la guerra, sobrevivió otra vez gracias al piano y a las clases que
podía impartir. La primera noche en Suiza recibió un telegrama de su madre que
decía: "No vuelvas". Un tiempo más tarde, ella moría en un campo de
concentración nazi. Su llegada como director
artístico al Royal Opera House de Londres no fue tampoco un camino de rosas y
su labor tardaría varios años en cuajar. Todas estas fueron dificultades que
marcarían la carrera artística de Georg Solti y, probablemente, su manera de
hacer las cosas. Una vez, una joven pianista le
pidió consejo al director sobre qué debía hacer. Su consejo fue el siguiente:
"No se preocupe, si es usted buena, lo conseguirá; si no, no. En cualquier
caso, no se preocupe. Habré hablado con cinco mil pianistas a lo largo de mi
carrera. De ellos, sólo cinco han podido impresionar al mundo, no diré cuáles.
Si usted está entre esos cinco, no se preocupe, y si está en el resto,
preocúpese, pero sólo un poco. Lo más importante es que usted lo siga
intentando".
LA CALIDAD DEL MÚSICO, SU
EDUCACIÓN
Solti decía que "lo que
produce mayor calidad en los músicos es su educación". Por eso, él se
esforzaba personalmente en este empeño y, a veces, con un excesivo
apasionamiento que derivaba en duras reprimendas a sus músicos y, lo más
habitual, a sus cantantes.
En Budapest, donde nació el 21 de
octubre de 1912 en el seno de una familia judía, Solti asistió a la Academia Liszt,
donde estudió piano, composición y dirección con Bartók, Dohnányi, Kodály y Leo
Weiner. Sus inicios como pianista no le impidieron empezar a trabajar en 1937,
cuando sólo contaba con 25 años, en la Ópera del Estado de Budapest. Hasta ese
momento su nombre era Georgy Stern, pero cambió su apellido por el de Solti. Ese
mismo año, fue asistente de Arturo Toscanini en el Festival de Salzburgo; llegó
a ensayar La Flauta Mágica en presencia del mítico director. "Estaba al
piano, en el escenario, dando las entradas a los cantantes del Festival. De
repente, mi corazón se paró. A mi derecha estaba de pie un hombre de baja
estatura que llevaba sombrero, que se retorcía el bigote mientras no perdía
detalle de los que allí estábamos y de lo que estábamos haciendo. Era
Toscanini. Después del ensayo, recuerdo una sola palabra. El maestro me dijo:
'bene’. Recuerdo que aquello fue lo más importante que me ocurrió en mi
carrera".
A partir de aquel momento, su
dedicación le convertirá, tras el paréntesis de la guerra, en uno de los
directores más expertos en las representaciones de ópera. La primera que
dirigió fue Las Bodas de Fígaro, en Budapest. No volvería a dirigir otra ópera
hasta ocho años después, cuando el gobierno militar estadounidense le invitó a
dirigir la representación de Fidelio en Munich. Su éxito fue tan rotundo que le
nombraron director musical de la Ópera del Estado de Baviera, donde
permanecería seis años.
RICHARD STRAUSS
En aquella ciudad conocería a
Richard Strauss, una de las relaciones personales que más le marcaron en su
vida. Dirigió en su presencia una representación de El Caballero de la Rosa con
motivo de su 85 cumpleaños y, al día siguiente, el compositor invitó a Solti a
irse con él a su casa de Garmisch, donde estuvieron hablando de la música y de
la vida, como el propio director ha contado más tarde. Del contenido de aquella
conversación sólo queda la curiosidad de leerlo en sus memorias, que todavía no
tienen fecha para su publicación en español.
Probablemente, mucho del saber
que ha transmitido a tantas generaciones de músicos tuvo su origen en aquella
conversación. Su relación fue lo suficientemente intensa entre ambos como para
que el propio Solti dirigiese el terceto del tercer acto de El Caballero de la
Rosa en la ceremonia de cremación de los restos de Strauss en 1949. Con el
tiempo, él mismo se convertiría en uno de los más consumados especialistas en
dirigir obras de Strauss. Óperas como Elektra, Salomé, La Mujer Sin Sombra o El
Caballero de la Rosa cuentan con versiones de referencia a los ojos de la
crítica internacional.
LA ÓPERA
Una vez, Solti dijo que "si
yo hubiera tenido un hijo, sólo le hubiera permitido dedicarse a esto con la
condición de que empezara a aprender el ofició trabajando en un teatro de
ópera. La ventaja de hacerlo así es que se empieza ya con el material más
difícil. La ópera resulta mucho más compleja que el repertorio sinfónico. Si se
empieza dirigiendo ópera, se adquiere una educación total, al tener que
trabajar con cantantes y resolver al mismo tiempo los problemas derivados de la
acción teatral. Un buen director de ópera puede perfectamente convertirse en un
gran director sinfónico. Lo contrario es casi imposible".
Sin embargo, tras la etapa que le
llevaría a la Ópera de Frankfurt, el verdadero deseo de Solti era comenzar
cuanto antes su etapa dentro de la música sinfónica. Literalmente, se moría por
dirigir en sala de conciertos y, por eso, la oferta que le llega después de una
exitosa representación de El Caballero de la Rosa en el Covent Garden de
Londres se queda en segundo plano al ver que tiene una oportunidad para dirigir
la Filarmónica de Los Ángeles. Sin embargo, un error de los gestores de la
orquesta impidió que el maestro recalara en Estados Unidos: nombraron un asistente
sin su aprobación previa. Aquel asistente era el director Zubin Mehta.
Bruno Walter, uno de los mejores
directores de orquesta de la historia, animó a Solti a que aceptara la oferta
de Londres. Así, en septiembre de 1961, el director húngaro aceptaba el desafío
de devolver al Covent Garden londinense a los primeros lugares de la escena
operística mundial. Este empeño no resultaría nada fácil.
LONDRES
Es evidente que el carácter de
Solti chocó frontalmente con la forma británica de hacer las cosas.
Probablemente, no por él, sino por su tradición germánica en la dirección
musical de un teatro de ópera. Los primeros encontronazos no tardaron en
llegar. Un día, disgustado por el ensayo del coro, convocó a todos a un ensayo
extra un sábado por la tarde. Su enfado fue en aumento cuando le dijeron que el
ensayo era imposible, porque en el coro había tres jugadores de rugby galeses
que aquella tarde jugaban un decisivo Inglaterra-Gales de la Copa de las Naciones.
La disciplina férrea que imponía a sus músicos no tardó en desencadenar los
primeros motes. Empezó a conocerse a Solti con el alias de "el prusiano"
o "la calavera gritona", debido en gran medida a su aspecto y a su
especial mezcla, a veces ininteligible, de inglés y húngaro.
Sin embargo, lo peor vino con la
crítica. Don Giovanni, de Mozart, La Walkiria, de Wagner, y La Fuerza del
Destino, de Verdi, fueron acogidas como auténticos fracasos. El caso era
especialmente sangrante en todo lo que hacía sobre Mozart. La crítica lo
encontraba duro y excesivamente implacable. En muchas ocasiones, durante los
primeros tres años, estuvo a punto de dimitir, pero las habilidades
diplomáticas de Lord Drogheda, presidente del consejo gestor del teatro,
lograron retenerle.
El cambio de la situación vino en
1964. Solti acepta el proyecto de Decca de dirigir la Tetralogía de Wagner con
la Filarmónica de Viena. Este proyecto le llevaría siete años. A la vez, en
1965 incorpora a su repertorio Moisés y Aarón, de Schoenberg, y más tarde,
Arabella y La mujer sin sombra, de Richard Strauss. Estos compositores
consagraron definitivamente a Solti en el Covent Garden e impresionaron a la
crítica las noches dedicadas a Strauss; especialmente, La mujer sin sombra, que
adquirió fama internacional y se convirtió en una de las grandes en su
repertorio.
Solti deja el Covent Garden en
1971. Al año siguiente, la reina Isabel II le concede el título de
"Sir" por su contribución a la música y, en especial, a la escena
operística británica. Una vez desvinculado de Londres, volvería ocasionalmente
para dirigir ópera. Cada vez que lo hacía, era recibido como un héroe y
recordaba con sorna a los críticos británicos qué bien le trataban desde que no
estaba allí. No obstante, el público británico reconoce un antes y un después
del Covent Garden tras la etapa Solti.
LA MÚSICA SINFÓNICA
Tras un período en la Ópera de
París, Sir Georg Solti puede cumplir su sueño de dedicarse con exclusividad a
la música sinfónica en 1969. Aquel año, es nombrado director titular de la Orquesta
Sinfónica de Chicago, trabajo que ocuparía hasta 1991. La primera vez que
dirigió a esta orquesta fue en 1954 en el festival de Ravinia. Los 22 años que
dura esta relación dan a la música uno de los matrimonios musicales más
impresionantes de este siglo. ¿Cuál era su secreto? Richard Morrison, crítico
del Times de Londres, escribía que "obviamente, el maestro Solti no tenía
una depurada técnica debatuta. (...) Lo que el maestro tenía era la inamovible
convicción de cómo tenía que sonar aquello. Entre la concepción y la ejecución
siempre mediaba sangre, sudor y lágrimas, pero al final siempre conseguía que
tocaran como él quería".
La revista Newsweek diría de él
que "al frente de Chicago, ha fustigado, engatusado, martilleado, pulido y
conjurado un sonido orquestal que une dos propósitos opuestos entre sí. Por un
lado, un seductor y meloso rugir del viento y los metales. Por otro, un meticuloso
control del tono de la cuerda, hasta el punto de lograr que 60 músicos toquen
con la claridad y frescura de una orquesta de cámara".
Al frente de Chicago, Solti
profundizaría en su repertorio wagneriano. Una de sus grabaciones más importantes
con esta orquesta fue la que realizó sobre las oberturas y preludios de las
óperas El Holandés Errante, Tahnhauser, Tristán e Isolda y Los Maestros
Cantores de Nuremberg. Siempre se ha reconocido el Wagner de Solti como uno de
los mejores del mundo. Lo mejor sigue siendo su Tetralogía. Más de una vez se
ha afirmado que los últimos veinte minutos del Oro del Rhin constituyen una de
las cimas de la discografla de todos los tiempos. Durante sus últimos años
acarició la posibilidad de volver a grabarlo, pero siempre manifestaba que era
un proyecto muy trabajoso y que le faltaban, claramente, las voces. Una de
ellas era Birgit Nilsson, que estuvo con Solti en numerosos proyectos. De
hecho, la última ópera que dirigió en Covent Garden siendo director artístico
fue Tristán e Isolda.
El Romanticismo fue su gran área
de especialización. Particularmente sobresalientes son, además de Wagner,
Mozart y Strauss, sus versiones de Bruckner y Mahler, sobre todo con la
Sinfónica de Chicago. Sin embargo, no se ciñó exclusivamente a estos compositores.
Cada año incorporaba nuevos compositores tan dispares como Elgar, Tippett,
Bartók o Johann Sebastian Bach.
Además de la Sinfónica de
Chicago, también ha sido frecuente verle con la Filarmónica y la Sinfónica de
Londres, la Filarmónica de Viena, la de Berlín, la de Cleveland y, en sus
últimos años, con el Real Concertegebouw de Amsterdam.
Lo que Solti deja al mundo de la
música se podría resumir en una de sus frases: "Lo que más me interesa de
una orquesta es que sus integrantes amen la música que interpretan". La pasión
siempre fue un común denominador en la vida y en la obra de este director,
quizá en parte debido a la azarosa vida que llevó, obligado siempre a pelear
contra la circunstancias.
Es posible que esa pasión por lo
emotivo, que le hacía obligar a sus músicos a dar siempre lo mejor de sí mismos
cada vez que tocaban, fuera consecuencia de su propia experiencia personal.
"Amo mi profesión y la vida, y eso ya es suficiente".
Por Gonzalo Tello (Operaperu.com) Marcelo Lombardero es director artístico del Teatro Argentino de La Plata, uno de los teatros del sur del continente que mas actividad realiza, con varios títulos por temporada, talleres de teatro experimental y toda una maquinaria de producción y desarrollo cultural importante. Ademas es uno de los directores de escena latinos mas reconocidos, con producciones de diversas operas presentadas a través del continente como en Europa.
Lombardero visita Lima por primera vez para participar como jurado en el Primer Concurso Nacional de Canto Lírico de Radio Filarmonía. También tuve la oportunidad de acompañarlo al Gran Teatro Nacional, donde pudo conocer sus instalaciones, con las cuales se quedó profundamente impresionado. En esta entrevista en vídeo en dos partes pudo darme sus comentarios, apreciaciones y opiniones sobre como podemos manejar de la mejor manera nuestros centros culturales, desde su perspectiva y experiencia en manejo de teatros.
Opiniones como la de Lombardero y otros importantes gestores culturales internacionales son muy importantes ya que nosotros en Perú al no tener teatros estables y hacer producciones independientes de particulares, necesitamos todo el feedback posible para poder copiar modelos correctos y hacer crecer nuestras producciones, en el camino correcto. Estamos en un momento en el cual podemos crear un Teatro Estable y hacer un gran proyecto que se gestione de una manera profesional.
Bayreuth, 19 de octubre (Télam).- Katharina Wagner, bisnieta del compositor Richard Wagner y actual directora del prestigioso Festival de Bayreuth, interrumpió el proyecto de "El Anillo de los Nibelungos" en el Teatro Colón por la "falta de condiciones de trabajo adecuadas", según explicó hoy en Alemania.
"Lamentablemente encontramos unas condiciones en las que no se puede trabajar", dijo a la agencia alemana DPA y puntualizó que "no había nada preparado para el ensayo”. “No podría haber ensayado ni una sola escena con los cantantes y no se había empezado ni un vestido ni una peluca", repasó Wagner, de 34 años.
La también directora de “La colina verde” es la responsable de esta versión acotada de "El Anillo de los Nibelungos" que, aunque originalmente dura unas 16 horas, divididas en cuatro días, el 27 de noviembre será puesta en siete horas.
Wagner reveló que se limitó a escribir un correo electrónico al director artístico del Colón, en el que le pedía que le avisase en cuanto mejorasen las condiciones de trabajo pero que, hasta ahora, no recibió respuesta.
"Yo no tengo dudas en el proyecto en sí, pero naturalmente uno tiene que empezar a dudar si ni siquiera recibe respuesta a la pregunta de cuándo se puede empezar a trabajar", insistió.
Desde el Teatro Colón comentaron a Télam que posiblemente se emita una comunicación oficial en relación a esta situación, pero que la función está “absolutamente confirmada”.
Pese al enojo y en la misma sintonía, Katharina aseguró que espera poder seguir adelante con un proyecto que "de ninguna manera está muerto".(Télam).-
(El País) El director artístico del Teatro Real, Gerard Mortier ha desmentido en un comunicado que vaya "a cambiar" el coliseo madrileño por el milanés de la Scala, aunque precisa que si el Gobierno anuncia más recortes para su teatro -un 33% menos hasta el momento- "no podría quedarse" en España. El comunicado llega después de que el director Stéphane Lissner, superintendente de la Scala de Milán, anunciará a principios de este mes que dirigirá la Ópera Nacional de París cuando su actual responsable, Nicolas Joel, abandone el puesto en 2015.
Mortier explica en un comunicado que "si bien es cierto" que no se quedaría en Madrid si el Gobierno anunciara más recortes para el teatro, ya "en el límite de lo posible", no cambiará el Teatro Real por la Scala de Milán, en el que el publico es, a su juicio, "menos abierto" que en España. Además, señala, el público del Real, "en su mayor parte bastante conservador", ha demostrado "estar más abierto a nuevos horizontes que el de la Scala, y miles de jóvenes están descubriendo el Teatro Real, que defiende con algunas grandes otras instituciones la marca España".
"En el Teatro Real estamos haciendo un trabajo excepcional con la orquesta y el coro, que se han desarrollado hasta convertirse en dos de las mejores formaciones en España, que pueden competir perfectamente con los grandes teatros de ópera de Europa".
A principios de este mes, el coliseo madrileño planteóun nuevo modelo de financiación-"único en Europa", precisó Marañón- que se encamina hacia un gran aumento de la financiación privada para situar los porcentajes de ingresos en este apartado hasta el 70% del total (hasta ahora se repartían entre 42% de dinero público y 58% privado). ¿Cómo? Aumentando los patrocinios hasta en 4 millones de euros (pasaría de unos 7 a 11 millones) e incrementando los ingresos alternativos (alquiler de salones, alquiler de producciones, de equipos y del propio escenario principal). "Si el Gobierno necesita más ahorros debemos reestructurar el paisaje cultural, que es lo más difícil, pero el único camino para salvar los problemas actuales".Sin embargo, añade, con la reducción de las subvenciones de 28 millones a 12 millones, es decir más del 50% en los último años, "están en el límite de lo posible" y sobreviven "gracias a las acciones del presidente, Gregorio Marañón, del director general, Ignacio García-Belenguer y a la ayuda creciente de los patrocinadores".
el coliseo madrileño se encamina hacia un gran aumento de la financiación privada para situar los porcentajes de ingresos en este apartado hasta el 70% del total (hasta ahora se repartían entre 42% de dinero público y 58% privado). ¿Cómo? Aumentando los patrocinios hasta en 4 millones de euros (pasaría de unos 7 a 11 millones) e incrementando los ingresos alternativos (alquiler de salones, alquiler de producciones, de equipos y del propio escenario principal).
Por Ferran Bono (El País) El bufón jorobado de Rigoletto abrirá la séptima temporada del Palau de les Arts el 10 de noviembre. Para entonces el gran drama pasional de Verdi rivalizará con el drama financiero y organizativo de la ópera valenciana, cuyo desenlace marcará su futuro inmediato. La proyección presupuestaria de la Generalitat para el teatro asciende a unos nueve millones de euros. Con esta partida para el próximo año se cubriría el pago de las nóminas de los 300 trabajadores de su plantilla, incluida su apreciada orquesta, y el mantenimiento del inmenso edificio diseñado por Santiago Calatrava. Poco más. Ni habría para producciones propias ni apenas margen para óperas en concierto o para alquilar montajes de calidad.
El anuncio del recorte en un 50% de su presupuesto deja al Palau de les Arts en una situación cercana al colapso financiero. “No sé cuánto será finalmente el recorte, pero espero que no sea tanto”, señala la intendente de la ópera y responsable artística, Helga Schmidt. “Ahora bien, a pesar de la incertidumbre, puedo decir que nunca se va a bajar la calidad artística. Tendremos que explotar nuevas fórmulas”, añade prudente, a la espera de la aprobación de las cuentas autonómicas, que se producirá en los próximos días.
Una posible salida pasa por lograr un aumento de la partida o excluir de la misma la consignación de servicios generales, según apuntan otras fuentes del Palau de les Arts. Solo la apertura de puertas y el mantenimiento del teatro suponen un desembolso de 3,2 millones de euros al año, a pesar del ahorro acometido en este capítulo, que antes ascendía a 4,5 millones. La construcción del recinto costó a la Generalitat valenciana 478 millones de euros (incluidos los 44 de los honorarios del arquitecto), siendo la previsión inicial de gasto de unos 100 millones, según datos de la propia Ciudad de las Artes y de las Ciencias de Valencia, de la que el Palau es su mayor icono.
Schmidt recuerda que el “magnífico edificio” de Calatrava “no fue hecho en tiempos de crisis”, sino cuando “se podía pagar su coste”. Y reafirma el poder de atracción internacional que tiene la arquitectura del también ingeniero valenciano. El continente, no obstante, condiciona el contenido, lo que agrega un problema más a los muchos que comparte el Palau con los principales escenarios españoles.
A la reducción de la partida de la Generalitat, su principal vía de financiación (Ayuntamiento y Diputación no aportan), se suma la caída generalizada de los patrocinios por la crisis y la disminución de la consignación del Ministerio de Cultura (423.000 euros). El Gobierno valenciano, presidido por el PP, no ha logrado equiparar ni reducir la diferencia entre las ayudas del Ministerio al Liceu de Barcelona (8,3 millones de euros para un presupuesto total de unos 45 millones) y al Teatro Real (8,7millones, y 46 millones) con respecto al Palau de les Arts. Ni antes, cuando gobernaba el socialista José Luis Rodríguez Zapatero, ni ahora, bajo el mandato de Mariano Rajoy, si bien se han silenciado las denuncias de “agravio” aireadas antaño.
Solo el director de orquesta Zubin Mehta, vinculado desde su apertura con la ópera valenciana, ha continuado con sus críticas públicas por la diferencia de trato, esgrimiendo la calidad artística de la programación y el éxito de crítica de su joven orquesta, creada por Lorin Maazel.
Al margen de otras consideraciones sobre el costoso proyecto de la Generalitat, el Palau de les Arts (esta temporada ofrecerá seis óperas y una zarzuela) no cuenta con la tradición, ni con la masa crítica del Teatro Real (10 óperas y cuatro óperas en concierto) y del Liceu (nueve óperas y seis en concierto), pero ha logrado reconocidos hitos operísticos como la tetralogía de Wagner montada por la Fura dels Baus y dirigida por el propio Mehta, entre otros aplaudidos montajes.
La falta de liquidez del exhausto Gobierno valenciano, además, ha provocado retrasos en el pago a proveedores, y también a artistas del Festival del Mediterráneo con el que se cerró la pasada temporada. Aunque a fines de septiembre se subsanó parte de la deuda, como confirmó a este diario un prestigioso artista afectado, los impagos minan la credibilidad. Otra consecuencia de la coyuntura es la mayor dependencia de la taquilla. Los teatros apuesten más por títulos con gran predicamento entre el público.
A todos estos problemas se une el plan que ultima la Generalitat de reducir sus 45 empresas y sociedades públicas y 30 fundaciones en seis marcas-paraguas para recortar gastos y despedir a unos 3.500 trabajadores. La ópera valenciana (que depende de la Fundación Palau de les Arts Reina Sofía) quedará englobada en Culturarts y perderá su entidad jurídica, si bien aún está por determinar el alcance final de la medida.
Desde la Consejería de Cultura se estima que con nueve millones se pueden hacer muchas cosas y tal vez menos óperas y que el presupuesto futuro de la ópera se diluirá en el global de Culturarts, que ha de estar constituida antes de fin de año. Se sugiere que las cuatro salas de Les Arts deben tener más vida y dar más cobijo a las bandas de música, de gran tradición en Valencia.
La intendente Helga Schmidt, aboga por “reducir costes en tiempos de crisis pero también por salvar la cultura, parte de la vida de un pueblo”. Hace hincapié en que su modelo se sustenta en la “excelencia de su orquesta y de su coro” y en la participación de grandes nombres como Plácido Domingo o el director Riccardo Chailly, junto con “jóvenes emergentes”. “Es más importante tener y mejorar nuestra orquesta que contratar para tres funciones a la Filarmónica de Berlín”, agrega sobre la polémica y costosa visita de la formación dirigida por Simon Rattle al Teatro Real de Madrid.
La destacada violinista italiana Masha Diatchenko llega a Lima para ofrecer dos conciertos especialmente invitada por el Instituto Italiano de Cultura. El primero será el viernes 19 de octubrea las 7:30 p.m. en el marco del XII Festival de Violín que organiza anualmente el Conservatorio Nacional de Músico. Este concierto se realizará en la Sede Histórica del Conservatorio (Av. Emancipación 180, Lima). El ingreso es libre.
El segundo concierto se realizará el martes 23 a las 8 p.m. en el Teatro Pirandello (Av. Alejandro Tirado 274, Santa Beatriz) celebrando los 150 años de la Sociedad Italiana de Beneficencia y Asistencia (SIBA) que fundaron 121 caballeros italianos con el fin de dar asistencia social a sus compatriotas menos favorecidos en estas nuevas tierras y que actualmente preside Emiliana Muttoni. Para este concierto, para el que la violinista contará con el acompañamiento de la destacada maestra Carmen Escobedo, la entrada es sólo con invitación
SOBRE MASHA DIATCHENKO
Nació en Roma en 1994. Inició sus estudios de violín y piano a la edad de cuatro años, bajo la dirección de su padre el Mº Serguej Diatchenko. Su primer éxito es a la edad de cinco años, cuando actuó como pianista en el recital del Mº Ennio Morricone en el Aula Magna de la Universidad "La Sapienza" de Roma.
Desde esa fecha inició su carrera artística, orientándose hacia el violín, instrumento para el cual ha manifestado una particular predisposición y habilidades innatas.
Desde los seis años actuó como solista con el "Ensemble i Vituosi", bajo la dirección del Maestro V. Mariozzi, con la “Orchestra Sinfonica Statale di Leopoli”, la “Orchestra Filarmonica Marchigiana”, “I Virtuosi di Leopoli”, entre otras.
Con la “Orchestra I Mozartini” es invitada a participar en la prestigiosa reseña para jóvenes violinistas, organizada por el Mº Uto Ughi "Uto Ughi per Roma", durante la cual realiza el Concierto en La menor de J.S. Bach en presencia del Maestro mismo, obteniendo un considerable éxito.
Ha participado en numerosos concursos nacionales e internacionales recibiendo además el Primer Premio, con mención de honor, en la “Rassegna Nazionale degli archi di città di Vittorio Veneto”.
A los doce años de edad se graduó en el Conservatorio Nacional de Génova con la máxima calificación y con la mención honorífica bajo la dirección del Maestro M. Coco. Continúa sus estudios con el maestro S. Diatchenko acompañada por el maestro M. Spada.
Para sus dotes artísticas, la “Confederazione dei Cavallieri Crociati” le ha otorgado el premio “San Ginesio” en 2004 y el Premio "Uniglobus” en 2005 y los premios "Cisterna d’Argento” en 2005 y 2007; el Premio "G. Pressenda" en 2007, el Premio Internacional "Foyer des Artistes" en 2010.
En el 2004 ha sido proclamada la profesora más joven de la “Università per la Pace di Assisi” y en 2007 ha obtenido el título Académico de la "Accademia Gentium PRO PACE”.
Ha grabado cuatro CDs: Concierto N º 1 y 2 de N. Paganini y de J. Sibelius, el concierto de J. Brahms e Introducción y Rondò – Capriccioso di C. Saint-Saëns, los conciertos de N. Paganini y de P.Ciajkovskj N° 3 con "Carmen-Fantasie" de F. Waxman.
Ha sido la primera violinista al mundo que a los 12 años ha realizado en un único concierto los 24 Caprichos de Paganini en vivo.
Ha frecuentado master class y es parte de varios festivales internacionales. Desarrolla una intensa actividad concertistica sea en Italia que en el extranjero.
En la actualidad toca dos instrumentos: el violín de la familia Guarneri y el violín Gilberto Losi del 2003, que ha sido creado especialmente para ella.
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