Anillo de Wagner por radio desde Los Ángeles

Desde este sábado y los siguientes escucharemos "El Anillo del Nibelungo" de Richard Wagner, en vivo desde LA Opera en 4 sábados consecutivos. Este ciclo del anillo cierra el gran "Festival del Anillo" en Los Ángeles, un evento que congregó a miles de personas en actividades referidas a la monumental obra de Wagner en toda la ciudad.

La transmision se hara via KUSC, radio de Los Angeles, que transmite su senal en vivo via internet.

KUSC - escucha en vivo

Entrevista a Domenico Codispoti, pianista italiano

(Por Pilar Flores - Sociedad Filarmónica) “El escenario es el lugar elegido, complementario y necesario de nuestra vida. Es el terminal último de una labor individual constante y en continua evolución (la maravilla de las actuaciones públicas consta en que nunca una es igual a otra). Un pianista que sube al escenario quiere a su público, y sueña con que este amor sea correspondido, siempre. Nos nutrimos de esto, es un intercambio imprescindible para dar sentido a la vida que elegimos y porque no, también como desahogo de cierto narcisismo! ” Sostiene el prestigioso pianista italiano Doménico Codispoti quien debuta el martes 1 de junio en el Tercer Concierto de Abono de la Temporada 2010 de la Sociedad Filarmónica que viene desarrollándose exitosamente en el Auditorio Santa Úrsula. Aquí un diálogo con el pianista.

Usted fue alumno de dos grandes pianistas. Primero su compatriota Bruno Mezzena y luego en su etapa de perfeccionamiento el notable pianista español Joaquín Achúcarro ¿cuál ha sido el mayor aporte de cada uno de ellos en su carrera?

Debo mi formación a Bruno Mezzena, que durante mucho tiempo en su clase (entré a los 10 años) me ha transmitido el profundo respecto de la partitura, la cultura de los detalles en un acercamiento casi religioso a la Música, legado de su Maestro (el grande Arturo Benedetti Michelangeli) y quizás uno de los signos distintivos de la escuela italiana. El periodo de estudio con Joaquín Achucarro fue otra etapa de mi vida musical, coincidiendo con mi exploración del mundo musical fuera de Italia y en cierto modo “autorizando” una mayor libertad y una innata y más “mediterránea” forma de sentir la Música, base para una rediscusión personal y mayores perspectivas. Una búsqueda que nunca acaba, en la cual todo contribuye a la formación de una personalidad propia, resultado de una gran variedad de elementos e infinitas combinaciones y posibilidades de elección, porque un músico no puede ni debe ser copia de otro, evidentemente.
Ser convencido, con honestad y sinceridad musical tanto como de sentimientos, para poder convencer es una frase que recuerdo siempre. Me gusta pensar que el crecimiento como músico es inevitablemente relacionado (quizás, consecuente) a la maduración como persona, y en este proceso tanto las experiencias musicales como las extra musicales, como pueden ser los periodos de vida en diferentes contextos geográficos y culturales, son de importancia fundamental.

Usted comparte su labor concertística con la docencia. ¿En cuál se las dos facetas se siente más a gusto o le son complementarias?

Hay enorme placer y necesidad en ambas. El escenario es el lugar elegido, complementario y necesario de nuestra vida. Es el terminal último de una labor individual constante y en continua evolución (la maravilla de las actuaciones públicas consta en que nunca una es igual a otra). Un pianista que sube al escenario quiere a su público, y sueña con que este amor sea correspondido, siempre. Nos nutrimos de esto, es un intercambio imprescindible para dar sentido a la vida que elegimos y porque no, también como desahogo de cierto narcisismo! De otro lado, poder observar el proceso de desarrollo musical de los más jóvenes, intervenir poniendo dudas y sugiriendo alternativas, alargando el espectro de opciones o – mas importante – despertando emociones escondidos tras las notas de un pentagrama y tras apariencias más o menos conscientes, es algo de valor igualmente inestimable. La gratificación en restituir entusiasmo por una partitura, en permitir que la música sea satisfacción personal antes que mero trabajo, en conseguir que no le se tenga “miedo” al piano y al enfrentarse al público, es un premio enorme. Lo bonito es que todo esto sigue siendo un intercambio, un enriquecimiento recíproco, ya que el tener un referente nos obliga a poner siempre en discusión los propios convencimientos, actualizarlos y evolucionar, cuando es necesario.

Leyendo varios comentarios acerca de sus actuaciones, encontramos elogios que lo señalan como uno de los artistas “más cálidos, elegantes y musicales”; intérprete de “sonido poderoso y rotundo, poseedor de una técnica arrolladora y de auténtico sentido poético”… ¿Cuánto de estudio, sacrificio y tenacidad e imagino horas de estudio hay detrás para lograr ese resultado en escena?

La componente de “profesionalidad” es imprescindible, tanto como el talento y el corazón, que sin ella serian como un coche sin gasolina. Esto se traduce obviamente en horas de estudio, en una constancia de empeño necesaria a traducir una emoción o una idea musical de la mejor forma posible. Allí empieza la “lucha” entre el instinto de empujar hacia los limites y levantar el “asta” de nuestro salto, y la conciencia que este proceso se dirige hacia el aislamiento, esta “torre de marfil”, aquel exilio dorado en el que muchos artistas se cierran. Considero personalmente que un justo balance entre el vivir intensamente el propio mundo interior y respirar la vida social, observar el mundo hecho de relaciones humanas y consciencia social es una obligación para un músico, sobretodo en nuestros tiempos. No quiero confiar en la autosuficiencia, no me identifico en la imagen del artista solitario y alienado, dejo estas sensaciones a ciertos momentos más íntimos en frente del teclado, donde en silencio se saborea la fuerza de emociones únicas, se llora, se sufre, se exulta de felicidad. Conseguir que la vida sea una obra de arte, meta y sueño de muchos, pasa – en mi opinión – por la capacidad de saber cómo compartirla con la gente, con el mundo, en muchos sentidos que van más allá de la perfección estilística o técnica de un pasaje. Finalmente, creo que es una cuestión de calidad de horas, más que de cantidad, y que el cerebro nunca sea desconectado del alma.

En su próximo concierto en Lima usted dedica su programa a Schumann y Chopin, dos compositores de quienes se celebra el bicentenario de su nacimiento. ¿Fueron los aniversarios la principal razón para elegir el repertorio?

Fue efectivamente una “asistencia” muy agradecida, me ha permitido concentrar más tiempo en una oferta musical que me permitiese explorar ulteriormente el mundo de los dos compositores a los cuales quizás tengo más cercanía. Es una suerte poder elegir dentro de un repertorio donde cada uno encuentra inevitablemente empatía con unos compositores, con su forma de sentir la música, de escribirla y vivirla, que permite expresarse de la forma más auténtica. Este es el caso, para mí, de los dos Grandes que homenajearé en este recital.

Respecto a la interpretación que usted hace de “Kreisleriana” de Schumann se destaca que su “arte tiende hacia la introspección y nos muestra la faceta más contemplativa y profunda de unos autores de apasionada intelectualidad como puedan ser Chopin, Liszt o Schumann…

Kreisleriana es una obra emblemática, impactante y extremadamente “personal”. Mezcla de genio, intimidad, lógica estructural y puro instinto irracional. Una obra muy amada por el mismo Schumann y dedicada a Chopin, donde el juego entre Florestan y Eusebius (los dos alter ego de Schumann) se encuentra en una de sus más altas realizaciones, y permite una participación emotiva fuera de lo común tanto al intérprete como al público. Extremadamente inspirada y pasional, pero también enigmática, con Kreisleriana establecí una relación de inmediata empatía, aunque ha llegado en mi repertorio más tarde que otras de Schumann. Es una obra para pianistas, además, pensando al auténtico placer que representa “perderse” en una partitura tan densa, que se revela poco a poco y se transforma en médium poderoso de exploración sonora y emotiva.

Robert Schumann siempre se sintió atraído por el tema del recuerdo de la infancia. Tres colecciones de piezas nos lo muestran en esa búsqueda una de ellas es Escenas Infantiles op. 15 (Kinderszenen op.15)

Él mismo escribió que se trataba de música que hablaba de niños, no de música para niños, algo de lo que no podemos dudar, dada la profundidad de estas pequeñas piezas. Es interesante leer las palabras del mismo Robert en una carta a su mujer Clara, comentando la creación de estas Kinderszenen: “Es quizás una respuesta inconsciente a lo que tú me escribiste hace algún tiempo (“A veces me pareces un niño”). Si es así, verás que a este niño le han salido alas, ya que ha escrito más de 30 pequeñas piezas y ha escogido una docena de ellas para reunirlas bajo el título de Escenas infantiles. Sin duda te gustará tocarlas, pero tendrás que olvidarte de que eres una virtuosa”. Significativo también este otro paso de otra carta del genio alemán a su Clara, hablando de las mismas opus 15 y 16: “Toca mi Kreisleriana a menudo. En algunos movimientos hay un amor salvaje, y tu vida y la mía, y cómo eres. Las Kinderszenen son todo lo contrario, dulces, amables y felices como nuestro futuro”


¿Qué expectativas tiene acerca de esta gira y especialmente de su debut en el Perú? Entiendo que se trata de una gira muy importante y que antecede otro gran debut en febrero 2011 en el gran Auditorio Nacional de Madrid con el Concierto Nº 2 de Rachmaninov.

Tengo una ilusión enorme para este debut, que viene de mi gran curiosidad de conocer países nuevos y también de mi específico deseo de visitar Perú, que me acompaña desde la infancia. Poder presentarme al piano es la manera más sincera para empezar un verdadero diálogo con un lugar nuevo y su gente. Un lujo, además, que el idioma pueda ser el universalmente reconocido, sin vínculos ni barreras: la Música. Otro debut será el de febrero en Madrid acompañado por la Orquesta de la Fundacion Excelentia, y con un Concierto de mis favoritos, además, el maravilloso Segundo de Rachmaninov. Otra gran emoción de la que desfrutaré mucho, no olvidando la suerte que hay en poder mirar al horizonte y saber que nos espera algo intenso y verdadero. Ser músico es también esto: la consciencia que ella nos acompañará siempre y nos regalará momentos inolvidables, vaya como vaya.

Dietrich Fischer-Dieskau, el gran barítono

Nacio el 28 de mayo de 1925. Su verdadero nombre es Albert Dietrich Fischer. Diskau fue agregado al apellido original por el abuelo en 1937. Estudió canto en la capital alemana con Georg Walter y luego con Hermann Weissenborn en la “Hochschule für Musik” de esa ciudad. Sus primeras inquietudes habían sido convertirse en un actor, un director de orquesta o un Heldentenor. Llamado pronto al frente fue hecho prisionero en Italia y llevado a un campo de concentración. Allí continuó entrenándose como autodidacto e hizo algunas presentaciones dentro y fuera del establecimiento de detención.

Terminadas las hostilidades volvió a su antiguo profesor Weissenborn y en 1947 hizo su debut oficial en Freiburg con el “Requiem alemán” de Brahms. Al año siguiente se presentó por primera vez en un escenario lírico (la Opera del Estado de Berlín) como el Marqués de Posa (Don Carlo), personaje que le quedaba como anillo al dedo y al que sabía dar un supremo señorío a través del canto y el juego escénico. En 1949 aparecieron en su repertorio un elegante Don Giovanni y un autoritario Almaviva (Nozze di Figaro). También Wolfram (Tannhäuser), Valentin (Faust), Ford (Falstaff), Marcello (Bohème) y el Landgrave (Santa Isabel de Liszt).

La actividad de la Opera del Estado de Berlín de la dividida ciudad lo tuvo como favorito de creciente popularidad y se lució en las “Semanas de otoño”, donde fue ovacionado en cada presentación. Sus condiciones innatas y cultivadas de músico y actor se fueron perfeccionando y los años posteriores vieron triunfos como el Renato (Ballo in Maschera, 1956/57) Matías el Pintor de Hindemith (1959) y las memorables presentaciones de Wozzeck (1960), aparte de las presentaciones con la compañía en el Teatro Champs-Elysées de París como Almaviva (1956). Además de la actividad berlinesa, se presentó asiduamente (desde 1949) en la Opera del Estado de Munich con roles mozartianos antes aludidos y en las obras de Richard Strauss que tan bien se avenían a sus medios (Arabella, Salomé y Capriccio).

Nuestro barítono creó en esta compañía el complejo papel de Mitenhofer en Elegía para jóvenes amantes de Henze. Fischer-Diskau se presentó por primera vez en Bayreuth en 1954 y durante un período relativamente breve cantó los papeles del Heraldo de Lohengrin, Wolfram, Kothner y Amfortas. Dos años antes había participado en los Festivales de Salzburgo, donde cantaría hasta 1978 papeles como Almavivam, Wotan (Das Rheingold), Don Alfonso y Mefistófeles (Damnation de Faust de Berlioz). Llegó al Covent Garden de Londres con Mandryka (Arabella, 1965). También fue muy aplaudido en Viena en conciertos y funciones líricas. En Italia nunca intentó rivalizar con los colegas de ese origen. Aun así fue invitado por la RAI en 1956 para protagonizar el Guillermo Tell rossiniano (un gran logro) e hizo muchas giras de concierto.

La galería de personajes de Fischer-Diskau es una muestra de su característica versatilidad. Además de Don Giovanni y Almaviva supo ser un agudo Don Alfonso en Cosí fan tutte, el Orador de Zauberflöte y Barak en Die Frau ohne Schatten. Siempre admiró a Verdi y le hizo todos los honores en acabadas encarnaciones de Rodrigo, Falstaff y Renato. En Wagner descollaba sólo en los requerimientos más líricos, pero supo dar vida a Kurwenal, Hans Sachs y al Wotan de Das Rheingold. Su musicalidad acrisolada lo hizo ideal para la literatura del siglo XX, como la mencionada obra de Henze, en Lear de Reimann (Munich, 1978, estreno mundial), Doktor Faust de Busoni, el Matías de Hindemith y el Wozzeck de Berg. Los Estados Unidos lo conocieron mayormente a través de los discos. Debutó allí el 15 de abril de 1955 en Cincinnati con el “Requiem alemán” de Brahms y el 24 de marzo de 1974 se presentó como director de la Orquesta Filarmónica de Los Angeles. Otras agrupaciones han estado bajo su sólida conducción.

Kenneth escribió una biografía suya publicada en 1981. Fischer-Diskau se retiró definitivamente en 1993 por motivos de salud. El arte de este barítono alemán iluminó el firmamento de la música durante cuatro décadas y se lo puede considerar como una de las piedras angulares del arte canoro de su generación. Poseyó un sentido musical único y en el terreno del Lied ha tenido pocos colegas a su estatura. Dominó con talento el factor idiomático de las obras que afrontó y es destacable la manera en que manejó las lenguas italiana y francesa. Con sorprendente facilidad pudo transitar por estilos diversos y logró dejar una profunda huella como cantante de teatro lírico, aunque sin llegar a las profundidades histriónicas de colegas como Tito Gobbi.

Los escenarios concertísticos de todo el mundo no se cansaron de aplaudirlo y su acercamiento al micrófono fue exhaustivo, habiendo dejado un legado imperecedero para todo admirador de la música. Su privilegiada voz de barítono neto fue hermosa, penetrante, sonora y colorida. La perfecta técnica aplicada al noble órgano permitía un juego de dinámica que siempre obedecía al sentido del texto. También exhibió un sabio dominio del pasaje, las notas altas (sin problemas hasta el La) y de uno de los trinos masculinos más perfectos que jamás se hayan escuchado.

La presencia de este cantante (que dividía a la perfección los empeños en recitales y funciones líricas) fue muy útil para enseñar a una legión de melómanos que “canto de cámara” no significa poca voz o desmayada expresión. Gérard Souzay se refugiaba en entregas intimistas que muchas veces sonaron algo lánguidas. Fischer-Diskau, en cambio, supo dar el carácter adecuado (y camerístico) tanto a la estrella vespertina de Tannhäuser, que interpretaaba como nadie, como a los personajes que deben ser diferenciados con vigor y versatilidad en “Erlkönig” de Schubert.

El amor y el respeto de Fischer-Diskau por el canto italiano no sólo se manifestaron con el esmero que puso a las encarnaciones de Rigoletto, Renato, Rodrigo, Scarpia y Macbeth, sino que Beniamino Gigli y Giuseppe De Luca estuvieron entre sus ídolos. Piensa que el arte canoro peninsular está íntimamente ligado con el paisaje (algo con lo que concordamos) pero también que hay cantantes de tipo itálico que pueden provenir de otras latitudes. Admira a Maria Callas por su extraordinaria musicalidad y lamenta no haber concretado una versión de Macbeth con su Lady en los años sesenta.

Fuente: Patrón Marchand, Miguel–Callas y 99 contemporáneos

Pianista Domenico Codispoti por primera vez en Lima

(Nota de Prensa) El renombrado pianista italiano Doménico Codispoti se presentará este martes 1 de junio a las 7:30 p.m. en el auditorio del Colegio Santa Úrsula, como parte de la temporada de conciertos 2010 que viene organizando la Sociedad Filarmónica de Lima.

Alumno de Bruno Mezzena, Doménico Codispoti se perfeccionó con Joaquín Achúcarro en la Southern Methodist University de Dallas. En esa ciudad ha recibido el Don Nobles Memorial Award y en Italia, obtuvo el Diploma de Merito de la Accademia Musicale Chigiana de Siena.

El pianista italiano ha sido ganador de relevantes concursos internacionales, como el Pilar Bayona de Zaragoza, el Premio Jaén, el Ciudad de Ferrol, el Internacional de Pinerolo o el Torneo Internazionale di Música de Roma, desarrolla una intensa carrera internacional, que le ha llevado a actuar en auditorios y festivales de Europa, America y Asia, junto a prestigiosos conjuntos como la Luzerner Sinfonieorchester, la Sinfónica de la Radio de Varsovia, la London Chamber Orchestra, la Filarmónica Italiana, la Sinfónica Nacional de Islandia, la Sinfónica de Castilla y León, la Sinfónica de Galicia, la Real Filarmonía de Galicia y la Sinfónica de Córdoba, entre otras. En los Estados Unidos ha actuado como solista con la Irving Symphony, la Lewisville Lake Symphony, la San Ángelo Symphony, y en México con la Filarmónica de Jalisco en Guadalajara. Entre sus grabaciones, se encuentra un CD de presentación para el sello Dynamic y conciertos en directo transmitidos por RNE y RTVE (España), Radio Nacional de Islandia, RAI 3 y Radio Vaticana (Italia), KERA e ICTN (Estados Unidos).

TRIBUTO A SCHUMANN Y CHOPIN
Este año se celebra el bicentenario de dos grandes compositores de obras destinadas al piano de Robert Schumann y Frédéric Chopin. En 1819, en Zelazowa Wola, pequeña población ubicada al oeste de Varsovia, nació Frédéric Chopin. El día exacto de su alumbramiento no es del todo preciso. El 8 de junio del mismo año nació en Zwickau (Sajonia) Robert Schumann.

Programa: Robert Schumann (1810-1856): Escenas infantiles Op.15, Kreisleriana Op. 16 Fréderic Chopin (1810 – 1849): Nocturno Op. 62 Nº 2 en mi mayor / Nocturno Op.posth en do menor / Nocturno Op.27 Nº 2 en re b mayor / Sonata Op. 58 en si menor

Cabe destacar que con la organización de esta nueva temporada, la Sociedad Filarmónica presidida actualmente por el doctor Salomón Lerner Febres, renueva los objetivos que desde 1907 impulsaron a sus fundadores, un grupo de amantes de la música que reunió esfuerzos y voluntades para fundar una asociación que sirviera de nexo entre los grandes compositores e intérpretes de la música clásica y el público limeño.

El concierto se realizará a las 7:30 p.m. en el Auditorio Santa Úrsula, ubicado en la Av. Santo Toribio 150, San Isidro.

La venta de abonos y entradas para cada concierto se realiza en todos los módulos de Teleticket de Wong y Metro. Para mayor información sobre la temporada, venta de abonos y registro de nuevos abonados sírvase llamar a los teléfonos 445-7395 / 242-6396, escribirnos al email informes@sociedadfilarmonica.com.pe ó acudir a la oficina de la Sociedad Filarmónica ubicada en Calle Porta 170 Of. 307, Miraflores, en los horarios de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 p.m. a 5:00 p.m. de lunes a viernes.

Visite la página: www.sociedadfilarmonica.com.pe

Beverly Sills es Maria Stuarda

Hoy celebramos a la gran soprano Beverly Sills, que nació un 25 de mayo de 1929.

Lee su extensa biografía aqui

Sus mejores registros son de los años 1959 al 1972, como famosas sus grabaciones de las tres reinas de Donizetti: Maria Stuarda, Ana Bolena y Elisabetta (de la ópera Roberto Devereux) así como I Puritani, de Bellini, Manon de Massenet y la Traviata (ambas para EMI), estas tres últimas compartiendo elenco con el gran tenor Nicolai Gedda.
De su paso por el Metropolitan Opera House existe testimonio de una Lucía de 1977, también con Gedda. Brilló en ocho producciones de ópera televisadas para la PBS y participó en tales especialidades como una Mirada - En el Met con Danny Kaye en 1975, Sills y Burnett en el Met, con Carol Burnett en 1976, y el Perfil en la Música, que ganó a Emmy Award por su interpretación en EU en 1975, aunque había sido grabada en Inglaterra en 1971.
Durante muchos años, Sills fue la anfitriona para transmisiones de la PBS del Lincoln Center y todavía era muy solicitada para conferencias gracias a su inteligencia y chispeante sentido del humor.

Escuchemos a Sills en una de sus mejores creaciones

Gaetano Donizetti
MARIA STUARDA

Maria Stuarda: Beverly Sills
Elisabetta: Eileen Farrell
Anna Kennedy: Patricia Kern
Roberto: Stuart Burrows
Lord Guglielmo Cecil: Louis Quilico

John Alldis Choir
London Philharmonic Orchestra
Director: Aldo Cecatto


Maria Stuarda es una ópera de Gaetano Donizetti. Fue estrenada el 30 de diciembre de 1835 en el Teatro alla Scala de Milán. Forma parte de la Triología Tudor (junto a Anna Bolena y Roberto Devereux), las óperas que Donizetti compuso en torno a la figura de Isabel I de Inglaterra.
Donizetti había pensado en Felice Romani para escribir el libreto, pero este se negó. El compositor contrató entonces a Giuseppe Bardari, un joven abogado de 17 años. Ya Donizetti había escogido la trama de la ópera, sería una pieza de Schiller, que a su vez narra hechos ficticios sobre la reina María I de Escocia.
Como muchas otras óperas de la época, Maria Stuarda tuvo inconvenientes con la censura. Donizetti la compuso por encargo del Teatro San Carlo de Nápoles. Pero durante los ensayos, en 1834, recibió la orden de cambiar el texto para eliminar cualquier referencia a la disputa entre Isabel I de Inglaterra y María Estuardo, y la ejecución de ésta última. La corte de Nápoles era para el momento la más conservadora de Europa.
Los cambios fueron comisionados a Pietro Salatino y se hicieron en cinco días. La nueva ópera se tituló Buondelmonte y se estrenó el 18 de octubre de 1834.
El estreno de la obra con el libreto original se realizó en Milán. La intérprete del personaje de María sería la célebre María Malibrán. Donizetti tuvo que realizar cambios para ajustarse nuevamente a la censura y para adaptar la parte de María a la voz de mezzosoprano de la Malibran. A pesar de todo, la primera noche no fue exitosa. Luego de la sexta representación la ópera fue prohibida. Donizetti murió antes de verla nuevamente producida. En 1866, Maria Stuarda volvía al Teatro San Carlo, en este ocasión con su libreto original; la dinastía Borbón ya no reinaba en la ciudad.
En 1958 la ópera fue exhumada en Bérgamo con dirección de Oliviero de Fabriitis pero su reinstauración definitiva en el repertorio internacional llegó en 1967 en Florencia con Leyla Gencer y Shirley Verrett. Le sucedieron exitosas producciones protagonizadas por Beverly Sills, Janet Baker (en idioma inglés), Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Edita Gruberová y Mariella Devia.

Teatro Colón de Buenos Aires se vistió de gala en su reapertura

Alrededor de 2.700 invitados presenciaron la reapertura, luego de cuatro años de estar cerrado por restauración. La alcaldía de Buenos Aires invirtió 100 millones de dólares en la obra.

Foto: EFE

(EFE) Tras cerca de cuatro años de cierre, el teatro Colón de Buenos Aires, uno de lo más emblemáticos de América Latina, se vistió de gala para levantar el telón con el esplendor de hace un siglo pero con un moderno equipamiento técnico.

Más de 2.700 invitados, entre ellos unos 300 de pie, presenciaron la reapertura de este coloso, en cuya remodelación el gobierno de la ciudad ha invertido unos 100 millones de dólares.

La reapertura del Teatro Colón constituye el acto más importante de la Alcaldía de Buenos Aires con motivo del Bicentenario de la Revolución de Mayo, que dio paso a la independencia de Argentina, declarada en 1816.

Entre los asistentes estuvieron el presidente de Uruguay, José Mujica, el vicepresidente del Gobierno, Julio Cobos, y el alcalde de la ciudad, Mauricio Macri, junto a dirigentes de la oposición, artistas y personajes de la farándula que desfilaron por la alfombra roja colocada sobre las escaleras de la fachada central.

La gran ausente, la presidenta argentina, Cristina Fernández, que anunció esta semana que no acudiría a la cita por su enfrentamiento político con Macri.

Las estolas de piel, los vestidos de lentejuelas, tocados, sombreros y elegantes trajes de frac que desfilaron por la alfombra roja devolvieron al Colón el glamour de sus mejores épocas.

Una guardia de honor del Regimiento de Patricios custodió el impresionante hall de acceso al salón de butacas, con capacidad para 2.500 personas, que esta noche estaba abarrotado.

Menos afortunados fueron los 300 invitados, entre ellos un puñado de corresponsales extranjeros, que asistieron a la función de pie desde el "paraíso" del tercer piso al que se accede tras escalar una empinada escalera sin encanto alguno.

En su reapertura, el Colón ofreció, con casi media hora de retraso según lo previsto, el tercer acto del ballet "El lago de los cisnes", de Tchaikovski, y el segundo de la "Bohéme", de Giacomo Puccini, con la presentación de la orquesta filarmónica de Buenos Aires.

Además de los privilegiados que pudieron acceder al teatro, decenas de miles de personas siguieron la gala a través de las pantallas gigantes instaladas en el "Paseo del Bicentenario", sobre la avenida 9 de Julio, la más ancha de Buenos Aires.

La reapertura del Colón estuvo precedida por un espectáculo de luz y sonido que proyectó sobre una de las fachadas del teatro imágenes de algunas de las grandes figuras que pisaron su escenario, como María Callas, Enrico Carusso, Luciano Pavarotti o los españoles José Carreras y Plácido Domingo.

Entre los invitados especiales de esta gala estaba la mezzosoprano española Teresa Berganza, que se considera ya la "madrina" de la reapertura de este "templo sagrado" de la música.

También el bailarín Julio Bocca, quien comenzó su carrera en el Colón y hoy afirmó que es "maravilloso" que el teatro vuelva a abrir sus puertas.

Su compañero Maximiliano Guerra recuerda todavía sus escapadas como estudiante a la terraza del Colón para disfrutar de la vista de la ciudad y las amonestaciones que se ganó por utilizar la rotonda del teatro para jugar al fútbol.

Atrás han quedado las aventuras de Guerra y Bocca como estudiantes del Colón y los años en que el teatro fue cayendo en el abandono progresivo hasta obligar a su cierre, en noviembre de 2006, tras un concierto de Mercedes Sosa.

Cuando empezaron a trabajar en el interior del teatro, los restauradores se toparon con escenas desoladoras, con toneladas de basura y deshechos amontonados bajo los pisos de mosaico, el escenario y hasta en el interior del sistema de calefacción.

Más de mil personas han trabajado en la recuperación de este coloso de 60.000 metros cuadrados, el proyecto de restauración patrimonial "más grande de la historia de Argentina", según Mateo Goretti, coordinador de las obras.

El proyecto incluyó una restauración completa para dejar el teatro como estaba en su inauguración, el 25 de mayo de 1908, pero dotado, a la vez, del más moderno equipamiento.

El cuidado que se ha puesto en la restauración, utilizando en la medida de lo posible elementos originales, ha permitido conservar la mítica acústica del Colón.

En el salón principal los palcos lucieron esta noche sedas rojas y amarillas, y butacas rellenas con crin de caballo, lana y algodón, como hace un siglo.

El salón dorado, inaugurado con motivo de las fiestas del Centenario, en 1910, lució hoy sus láminas de oro y sus impresionantes arañas, restauradas por el artista de ascendencia catalana Juan Carlos Pallarols.

Pero esta nueva etapa del Colón tiene también una cara oscura que han denunciado los más de 200 trabajadores del teatro que han sido desplazados de sus funciones por el director general del Colón, Pedro Pablo García Caffi, y que hasta ayer mismo se manifestaron en las puertas del recinto para pedir su reincorporación.

El Telón del Colón se levanta de nuevo hoy

Como anunciáramos antes, el telón del Remozado Teatro Colón vuelve a levantarse después de anos de remodelaciones, y esperas interminables. Este lunes desde las 7:30 pm (5:30 hora de Lima) podremos ver en directo por televisión e internet la gala de reapertura de este Teatro, que coincide con las celebraciones del bicentenario de la independencia de la Argentina.

Los expertos encargados de la remodelacion aseguran que su acústica esta intacta, según mediciones certificadas bajo normas ISO.

El programa consta de dos partes: en la primera se apreciará en segundo acto de la ópera "La Boheme" de Puccini con Virginia Tola y Nicole Cabell. En la segunda parte se presentará el tercer acto del "Lago de los Cisnes" de Tchaikovsky

Al acto se esperan mas de dos mil invitados de la élite argentina, así como extranjeros, como presidentes de los países vecinos.

La temporada de ópera para este 2010 trae "La Boheme" en mayo, "Manon" en junio, "Don Giovanni" en julio, "Katia Kavanova" en agosto, "Falstaff" en noviembre, así como presentaciones de diversos artistas como Yo Yo Ma, Daniel Barenboim y la joven Orquesta del Diván Occidental-Oriental, Orquesta y Coro del Teatro alla Scala de Milán, La Filarmónica de Munich, así como ballet, con "El Corsario" y "La Bayadera".

Ya es posible seguir la gala en vivo, a través de la pagina del Teatro Colon, del gobierno de Buenos Aires

Agenda de Veramendi se incrementa: Madrid, Malaga, Kiev y Lima

Por Gonzalo Tello

(Operaperu.com)

El tenor Andrés Veramendi nos habla de sus proyectos en Europa durante este año, en el cual interpreta diversos roles en escena y en recitales. Este tenor volverá a Lima a interpretar a Turiddu en "Cavalleria Rusticana" en el mes de agosto.

Acabas de cantar "Madama Butterfly" por primera vez en España. ¿Cuéntanos cómo te fue?

Fue en el Teatro Municipal Concha Espina de Torrelavega en Santander junto a la soprano japonesa Miki Mori, de gran trayectoria internacional. Musicalizó la batuta de Vasily Vasylenko y la Orquesta del Coro del Teatro de la Ópera y Ballet Nacional de Donetsk de Ucrania. Tuvimos mucho éxito. A raíz de eso he sido invitado a Kiev, Ucrania, al Teatro estable de la Ópera de Donetsk para volver hacer el Pinkerton en la primera semana de Junio. Además tengo también otra invitación para el Festival de Música de Marbella en Málaga en su temporada de ópera en el mes de Agosto, nuevamente como Pinkerton.

También hiciste “Marina” antes de venir a Lima a cantar “Norma”…

Si, hice “Marina” en el mes de marzo en el Teatro Principal de Alicante, con la Orquesta Sinfónica de Alicante y la batuta de Joan Iborra , con la soprano Maria Elena Rivera y el Barítono Andrés del Pino. Tuvimos mucho éxito, y por eso he sido de nuevo invitado a volver a representarla en la primera semana de Octubre.

¿Cómo han ido estos ensayos de “Norma” en Madrid? ¿Qué te parece el reparto y qué has ganado de la experiencia en el Real?

Los ensayos de “Norma” han sido formidables y muy exigentes, de un gran nivel musical. La experiencia de trabajar en un teatro de primer nivel mundial es reconfortante. La batuta del maestro Massimo Zenetti que ha dirigido en La Scala, Covent Garden , etc, es fabulosa , el reparto es de primera calidad y me siento tan honrado de estar al lado de Violeta Urmana , Carlo Colombara , Sonia Ganassi. Es una gran experiencia y he tenido buenos comentarios de los directivos del teatro y de publico en general, a pesar de ser un rol breve (el de Flavio) se hace notar, como me lo comentó Antonio Moral (director del Real) que me felicitó y está muy contento con mi debut en el Real.

¿Cuáles son los proyectos ya cerrados antes de “Cavalleria Rusticana” en Lima?

En julio tengo una gala concierto de ópera y zarzuela. He sido invitado por la Orquesta Filarmónica de Málaga, una de las más importantes de España, a realizar un concierto, bajo la batuta del maestro Juan De Udaeta. También tengo previsto unos recitales en Madrid, cantar “Marina” en Octubre, “Macbeth” en Bilbao y otros posibles proyectos. Y por supuesto “Cavalleria Rusticana” en Perú.

Tenor Andrés Veramendi debuta en el Real con "Norma"

El tenor peruano Andrés Veramendi esta por debutar en la casa de ópera mas importante de España: El Teatro Real de Madrid.

Veramendi con esto se convierte en el siguiente cantante peruano que llega a un gran teatro. un lugar en el que pocos peruanos todavía tienen espacio y cabida, pero los que están lo van haciendo bien.

El rol si bien es pequeño, es una gran oportunidad para dejarse conocer en ese ambiente. La ópera es la misma que interpretó recientemente en el Teatro "Alejandro Granda" del Callao. Flavio en "Norma" de Vincenzo Bellini. Esta vez se ejecutará en forma de concierto.

Este reparto incluye a grandes figuras como Violeta Urmana, Sonia Ganassi y Carlo Colombara en los papeles principales. Completa el reparto el tenor Francesco Hong como Pollione. Todos acompañados del Coro y Orquesta titular del Teatro Real dirigidos por Peter Burian y Massimo Zenetti.

Las funciones son el jueves 20, domingo 23 y miércoles 26 de mayo, siendo la ultima transmitida por RNE Radio Clásica a partir de las 20:00 horas, hora de madrid (13:00 horas Lima)

I Pagliacci

"I Pagliacci" (Payasos) es una ópera con libreto y música de Ruggero Leoncavallo, estrenada el 21 de mayo de 1892 en el Teatro dal Verme de Milán.

Por lo general se representa y se graba con "Cavalleria Rusticana" de Mascagni. Ambas son las óperas más representativas del estilo denominado "verista" y cuya aria para tenor "Vesti la giubba" se ha convertido en emblemática para este tipo de cantante lírico desde Enrico Caruso, Miguel Fleta, Giovanni Martinelli, Beniamino Gigli, Mario del Mónaco, Jussi Björling a Giuseppe Di Stefano, Jon Vickers, Carlo Bergonzi, Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, José Cura y Roberto Alagna.

Ciclo Beethoven: Segundo Concierto para piano y Quinta Sinfonía

Pianista peruano - chilena Marcella Mazzini

La Orquesta Sinfónica Nacional del Perú, dirigida por su director titular, Matteo Pagliari, continua con la segunda fecha de su "Ciclo Beethoven" en el cual se interpretan los conciertos para piano y las sinfonías del compositor alemán.

En este segundo concierto del ciclo se apreciara el "Concierto para piano y orquesta No. 2 en Si bemol mayor, Op. 19" interpretado por la reconocida pianista peruano-chilena Marcella Mazzini, conocida de nuestro publico.

Marcella Mazzini realizó sus estudios musicales en la Academia Sas Rosay en Lima, Perú. Luego de graduarse, y por especial recomendación de Claudio Arrau, viajó a París a perfeccionarse en la Academia Internacional de Piano de Magda Tagliaferro. Ha actuado bajo la dirección de eminentes Maestros como P. Maag, K. Wöss, N. Flagello, E. Morelenbaum, E. Matta, B. Jinchev, J.C. Santos, D. del Pino, R. Fischer, L. Gorelik, G. Giorivanyi, entre otros.

Este concierto se llevara como siempre a las 11:30am en el Auditorio "Los Incas" del Museo de La Nación de San Borja. Las entradas se venden con anticipación en Teleticket de Wong y Metro a precios muy cómodos. No hay pretexto para faltar.

Aquí unos extractos de las obras de este programa:

Teatro Colón de Buenos Aires reabre este lunes

(Agencias) El Teatro Colón de Buenos Aires reabrirá el 24 de mayo próximo, luego de permanecer cuatro años cerrado para su restauración, con una solemne gala en el marco de los festejos por el Bicentenario del Primer Gobierno Patrio de Argentina.

El teatro, considerado como la mejor sala de ópera del mundo, fue remozado por casi 1.500 trabajadores que comenzaron sus tareas en 2001 y para las cuales la alcaldía de la ciudad invirtió 340 millones de pesos (86 millones de dólares).

Desde la Dirección de Cultura de la capital argentina explicaron a esta agencia que los trabajos incluyeron tareas en el frente y techo, en su interior y la sala principal, que tiene capacidad para 2.500 personas sentadas y 300 de pie.

Para la función del 24 por la noche se ha previsto un programa que permita el lucimiento de los cuerpos estables del teatro.

Quienes asistan a la gala de reapertura podrán disfrutar de La Bohème, de Giacomo Puccini,cuyo segundo acto será representado por la soprano argentina Virginia Tola en el papel de Mimí y la estadounidense Nicole Cabell como Musetta. Los amantes del ballet, en tanto, verán una selección del tercer acto de El lago de los cisnes, de Chaikovski.

El Teatro Colón, de unos 60.000 metros cuadrados de superficie, fue inaugurado el 25 de mayo de 1908 con la ópera Aída, de Verdi, que estrenó entonces la Compañía Lírica Italiana que dirigía Luigi Mancinelli.

Desde entonces, pasaron los directores Richard Strauss, Igor Stravinsky, Manuel de Falla, Daniel Baremboin y Arturo Toscanini, los cantantes líricos Enrico Caruso, María Callas, Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y Monserrat Caballé y bailarines de renombre mundial, como Anna Pavlova, Vaslav Nijinsky, Rudolf Nureyev y Maia Plissetskaya.

La función de reapertura será transmitida en directo por la televisión como, según dijo el alcalde de Buenos Aires, Mauricio Macri, "expresión de unión nacional en el Bicentenario Patrio".

Los presentes contemplarán además la puesta en valor del sitio, a través de la renovación de las 2.500 sillas, cuyas panas de seda roja y amarilla son ahora de carácter ignífugo, la restauración de la araña de tres toneladas de peso y 700 luces que engalana el salón principal y hasta los colores originales del inmueble obra de los arquitectos Francisco Tamburini, Víctor Meano y Jules Domal. Para ello, se procedió a limpiar con bisturíes las distintas capas de pintura con que se habían colocado en 102 años de historia.

Pagina web del gobierno de Buenos Aires sobre el Teatro Colón

Ópera "Rigoletto" se presenta en el C.C. Ricardo Palma

La Compañía lírica "José Mojica" de Lima prepara para este viernes 21 una versión al piano de la ópera "Rigoletto" de Giuseppe Verdi, probablemente la mas famosa y la mas tradicional para el publico limeño. Esta versión concertante que se presentará en el centro cultural Ricardo Palma cuenta con el siguiente reparto:

DUQUE DE MANTUA: John Schofield
RIGOLETTO: Humberto Zavalaga
GILDA: María del carmen Rondón
SPARAFUCILE: Sergio Sánchez
MADDALENA: Edda Paredes
GIOVANNA: Soledad Diaz
MONTERONE: Eduardo Borra
BORSA: Miguel Mañuico
MARULLO: Jorge Villón
CEPRANO: Augusto Pasco
CONDESA CEPRANO: Soledad Diaz
PAJE: Soledad Diaz

Esta función se repetirá el próximo viernes 28 en el mismo local. Las entradas están disponibles en boletería del Centro.

Dame Kiri Te Kanawa sobre Susan Boyle: "Me siento insultada"

Kiri Te Kanawa es práctica y da su clara opinión. Recientemente en una entrevista con una revista inglesa dijo que se sintió "insultada" al ser preguntada sobre la cantante inglesa Susan Boyle, que saltó a la fama cantando en un 'reality' de televisión y ser un fenómeno de ventas en el mundo.

"Salgamos de este tema. Yo estoy haciendo algo clásico, no "Whiz-Bang" (seria algo así como 'carrera intrascendente y meteórica). Lo "Whiz-Bang" desaparece, es "Whiz" y luego "Bang". Kiri le dijo a la Radio Times Magazine.

"Usted me insulta por el solo hecho de traer este tema a discusión. No estoy interesada" Agregó la Dama.

Susan Boyle saltó a la fama gracias al programa "Britain's got Talent", y su interpretación de "I dreamed a dream" de "Les Miserables" fue un éxito en internet, con mas de 100 millones de visitas en Youtube, . Logró un contrato millonario, y su álbum "I dreamed a dream" fue éxito de ventas en Gran Bretaña y Estados Unidos.

Sin embargo, es una cantante del Pop, que nada tiene que ver con el mundo clásico en el que Kiri Te Kanawa es reina indiscutible, con décadas de éxitos en los principales teatros del mundo.

El mundo clasico pasa ahora por una crisis sin precedentes en el sentido que la gente confunde lo mercantil, popular y meteorico como Susan Boyle, Paul Potts, Ten Tenors...incluso Andrea Bocelli, quien no pertenece al mundo operístico por merito propio, solo por ser un fenómeno de ventas. Esto causa confusion en la poblacion, algo que ni casas de opera ni disqueras se preocupan por diferenciar, todo lo contrario.

Aquí dos vídeos de ambas artistas, donde se aprecia la obvia diferencia de estilo y géneros

"Cavalleria Rusticana" e "I Pagliacci" inauguran temporada en Santiago

Los diarios chilenos "El Mercurio" y "La Tercera" cubrieron la inauguración de la temporada de ópera 2010 del Teatro Municipal de Santiago. Este se realizo en el Teatro de Carabineros, ya que el Municipal ha entrado en un periodo de refacciones debido a los daños que le provocó el reciente terremoto que afectó el centro de Chile.

Ambos elencos, el internacional y estelar, ya actuaron en este teatro. aqui las criticas a ambos elencos:

CRÍTICA DE ÓPERA: PASIÓN A MEDIAS

POR CLAUDIA RAMÍREZ HAIN LaTercera.com

Desgarros, traiciones, amores, celos, muerte… Toda esta gama de emociones debieran haberse vivido en pleno el jueves en el Teatro de Carabineros, recinto que tras los daños producidos por el terremoto en el Municipal, albergó la apertura de la Temporada Lírica 2010. Pero no fue así, a pesar de que los dos títulos elegidos, Cavalleria Rusticana de Mascagni y Pagliacci de Leoncavallo, trasuntan emociones primarias e inherentes.

La amplia sala, con gran visibilidad, escenario de escaso fondo, pero efectivo y amplia sonoridad, fue testigo de un estreno poco homogéneo. La disparidad para abordar ambos títulos vino de mano de Fabio Sparvoli (regie), Giorgio Ricchelli (escenografía) y Germán Doghetti (vestuario), con imprecisas intervenciones grupales y una oscuridad que indicaron cierto desconocimiento de la obra de Mascagni. Sin embargo, dieron en el clavo con Pagliacci, interiorizando a sus protagonistas con sus sentimientos y apelando a atractivos recursos, como las acrobacias circenses y una propuesta visual de funcional diseño. La expresividad que uno imaginaba con este programa, en su puesta total, sólo vino de la mano de esta segunda obra.

Marco Guidarini dirigió Cavalleria Rusticana con líneas de excesiva apacibilidad y absoluta falta de teatralidad, mientras su conducción de Pagliacci fue atinada, puso de relieve a sus protagonistas y extrajo de la orquesta los colores sugestivos y la duplicidad entre la tragedia y la brillantez de la comedia.

Centrada en los celos, la infidelidad y la venganza, la obra de Mascagni tuvo protagonistas que no siempre lograron el ímpetu del canto apasionado. Verónica Villarroel, que hoy luce serios problemas vocales, fue poco afín a la expresividad siciliana del rol de Santuzza, la mujer despechada por Turiddu, rol que recayó en Alfred Kim, tenor solvente en lo vocal, pero que pecó del uso constante del forte. Roman Burdenko fue un Alfio poderoso y dibujó eficazmente al ser que termina vengándose de los amoríos de su mujer, Lola, encarnada por Nancy Gómez, quien destacó por lo actoral. Adusta y de voz plena fue Lina Escobedo (Mamma Lucia).

En el triángulo amoroso de Pagliacci fue ideal la voz de Badri Maisuradze para Canio, el payaso engañado, que con su timbre oscuro, con ripios, asperezas y fraseos, dio el tinte vulgar al personaje. La gran figura fue Kelly Kaduce (Nedda), graciosa, de buena estampa y un canto parejo, bello y decidor. Burdenko, el instigador Tonio que desata la tragedia final, mostró una tesitura amplia y de gran personalidad. Elegante fue el Silvio, el amante, de Leonardo Neiva, mientras Joel Prieto fue un Arlequín que entregó una muy bien cantada serenata.

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"CAVALLERIA RUSTICANA" E "I PAGLIACCI", ELENCO ESTELAR: Mejorado desarrollo orquestal

Por Andrés Yaksic (EL MERCURIO)

Cuestión previa: reconocer el mérito enorme de la Corporación Cultural de Santiago y de la dirección del Teatro Municipal de llevar adelante la temporada de ópera 2010 sin cambios de programación, pese al terremoto, así como el de Carabineros de Chile, que facilitó gratuitamente su sala.

Los factores (para estos efectos) favorables y desfavorables de la sala temporal ya han sido comentados, pero es inevitable agregar que existe un tiempo natural para que la agrupación se calibre acústicamente a la nueva casa. Siendo recién la tercera función de ópera (y la primera estelar), la orquesta ya muestra signos de adaptación. Esto último es crucial para obras de la envergadura de "Cavalleria Rusticana" e "I Pagliacci", pues Mascagni y Leoncavallo -compositores de la escuela nueva posverdiana- se apoyan en un tejido orquestal de frecuente vocación sinfónica. Ambos están impregnados de Wagner (baste notar los cuatro verdaderos leitmotiv de "Pagliacci"). La dirección de José Luis Domínguez acrecentó el resultado orquestal de la versión estelar con un discurso más claro y menos personal en el manejo de los tempi , ofreciendo mayor brillo y nitidez, con varios pasajes bien logrados, como el intermezzo de "Pagliacci".

No obstante la excelente calidad interpretativa que mostró el coro, no se debe desconocer que las menores dimensiones del escenario llevan a que el volumen de los coros se amplifique fácilmente, aun con un conjunto reducido, lo que sucedió con el delicado coro de aldeanos al inicio de "Cavalleria...", que esta vez llegó a imponerse por sobre la orquesta.

Enriquecido enfrentamiento Santuzza-Turiddu, gracias a la entrega actoral de Adriana Mastrangelo y Gonzalo Tomckowiack, pese a que este último tiene una voz de poca anchura. Correcta Claudia Godoy como Lola, papel breve y sin altas exigencias. Teresa Lagarde fue una Mamma Lucia sin mayor atractivo. Además de Alfio, Lisandro Guinis interpretó a Tonio en "Pagliacci", con dificultades en los dos exigentes agudos hacia el final de su prólogo, pero destacando con un apropiado "So ben che difforme". José Azócar incorporó interesantes acentos dramáticos al severo Canio del final de la obra. El Silvio de Patricio Sabaté estuvo correcto en el registro agudo, interpretando un adecuado dúo con Nedda, caracterizada por Kristin Sampson, quien embellece su timbre en los piani , pero se desfavorece en los forti . El Beppe de Claudio Fernández sorprendió con una interpretación amistosa y un cálido y novedoso timbre en la serenata de Arlecchino.

3 años

Empezamos el tercer año de Ópera Perú con próximas mejoras y novedades, siempre tratando de ampliarnos y llevar la mejor información al Perú y al resto de Iberoamérica.

En estos tres años hemos cubierto cada vez mas el quehacer cultural a nivel local e internacional. Hemos conversado y entrevistado con leyendas de la música, así como con futuras estrellas. En este poco tiempo nos hemos consolidado como un portal referente, con la intención de promover la música clásica en el País, y difundirla de la mejor forma a nivel mundial gracias a los nuevos medios.

Este 2010 traerá cambios positivos a esta pagina, ampliando su llegada con innovadores nuevos productos. El primer gran paso sera la renovación del estilo de la web, de acuerdo a nuestro crecimiento, y mas adelante sabrás mas novedades.

Gracias por seguirnos!

OSN inicia un ciclo dedicado a Beethoven

Por Gonzalo Tello

(Operaperu.com)

La Orquesta Sinfónica Nacional inicia este domingo 16 de mayo un importante ciclo, dedicado a la música de uno de los más grandes compositores: Ludwig Van Beethoven. Tener un "Ciclo Beethoven" en Lima es algo muy importante, y sobretodo si se realiza dentro de la temporada de la Sinfónica. Este tipo de ciclos es común en las grandes ciudades del mundo y rinden homenaje a un compositor tan rico en estilo y revolucionario en técnica.

El director titular de la orquesta, el italiano Matteo Pagliari, me cuenta todo sobre este ciclo, sobre el estado de la orquesta y otros proyectos futuros:

Matteo ¿Qué balance le puedes hacer al trabajo hecho hasta ahora con la orquesta?

Hemos empezado un repaso artístico con algunos de los compositores mas significativos del repertorio sinfónico, interpretando algunas de las ultimas sinfonías de Mozart, las cuatro sinfonías de Brahms, la primera y cuarta sinfonías de Beethoven y algunas obras nuevas, que fueron un estreno en Lima, como la Primera Sinfonía de Carl Nielsen y “Appalachian Spring” de Aaron Copland. También hemos interpretado obras importantes de Tchaikovsky, Schumann... creo que se ha iniciado un buen camino con obras importantes y me parece que el público también esta satisfecho por esto.

¿Cómo nació la idea de hacer este "Ciclo Beethoven"?

Estoy convencido que Beethoven es el compositor mas importante de todos. Su música muestra una evolución en el tiempo de la cual ningún otro compositor ha sido capaz. Para una orquesta sinfónica, las sinfonías de Beethoven tienen que ser el "pan de cada día" y para el público creo que seria una experiencia importante de escuchar esta música concentrada en 5 semanas.

¿Qué obras del compositor incluirá y que solistas vendrán?

El ciclo empieza, como sabes, con los 5 Conciertos para Piano, con solistas como las peruanas Rosa Villar y Marcella Mazzini, y los italianos Ettore De Giorgi, Gesualdo Coggi y Pietro Ceresini. Después de cada concierto la OSN tocará una sinfonía: la tercera "Eroica", la quinta, la sexta "Pastoral", la segunda y la séptima, en este orden juntas con los Conciertos.
El ciclo no concluye con estos conciertos, porque faltan dos sinfonías (la octava y la novena "Coral") el Concierto para violín, el "Triple Concierto" para piano, violín y cello y la "Fantasía Coral". Son obras que se van a interpretar en el 2011.

¿Qué representa para ti como músico interpretar a Beethoven?

Interpretar la música de Beethoven para mi es, en primer lugar, un honor. Luego, claro, una gran satisfacción, pero primeramente un honor. Creo que, como siempre decía Arturo Benedetti Michelangeli, “la música es una responsabilidad, no un derecho”. En particular, cada músico siente una afinidad especial con algunos compositores y trata de mostrar cuan bella es esa música. Ese tendría que ser el reto de un músico: honrar al compositor.

¿Cuáles crees que son las exigencias de interpretar estas obras para ti como director y para la orquesta?

Como ya te había anticipado, pienso que la música de Beethoven es la que mas reúne diferentes características. Si se piensa en la Primera Sinfonía (que la OSN ha tocado en febrero conmigo) y a la Novena, bueno, esto es impactante, porque la evolución del estilo de Beethoven de una a otra ha sido impresionante. Además, si se piensa en los primeros dos Conciertos para piano y el ultimo, "Emperador", también se detecta una evolución importante.
La cosa que creo sea mas difícil hoy es pensar en la música de Beethoven como si uno no la conociera. Es decir, hay obras que todo el mundo conoce (la Quinta Sinfonia, el Quinto Concierto) porque existen mil grabaciones. Para un director que se ponga al frente de una partidura de Beethoven es importante olvidarse de todo y hacer que esa partitura hable con las palabras del compositor, y no con las de otros interpretes como Karajan, Böhm o Walter. Hay muchas "tradiciones" que en estos años algunos grandes directores están tratando de limpiar, sobretodo en el tema de los "tiempos" (si uno mira el metrónomo de la "Marcia Funebre" de la Tercera Sinfonía y escucha la ejecución de Wilhelm Furtwängler, entiende inmediatamente lo que estoy tratando de decir...)

¿Se piensa hacer en el futuro otros ciclos con otros compositores?

Este proyecto integral de Beethoven no será el único, aunque tampoco pienso transformar la OSN en una "enciclopedia" (ríe). Creo que fue importante el trabajo hecho, por ejemplo, con las Cuatro Sinfonías de Brahms (empezadas el 30 de Mayo 2009 con la Primera y terminadas el 14 de Marzo de este año con la Tercera) y el proyecto de tocar el "Réquiem Alemán" este próximo Setiembre. También será importante el trabajo con la música de Mahler que empezaremos en Junio. Seguramente en no mucho tiempo mas quiero tocar con la OSN todas las últimas Sinfonías de Mozart (ya hemos tocado la 36 "Linz", la 39 y la Sol menor)

¿Qué nuevos compositores se piensa incluir en el repertorio de la orquesta?

Seguramente haremos obras de Igor Stravinsky, Richard Strauss y Bela Bartók, pero quiero que sea un trabajo largo y bien pensado, entonces, todo a su tiempo.

CICLO BEETHOVEN

del 16 de mayo al 13 de junio

Auditorio Los Incas del Museo de la Nacion, 11:30 am.

Entradas en Teleticket

Orquesta Sinfónica Nacional

Matteo Pagliari, director

16 de mayo

Concierto para piano y orquesta No. 1 en do
Sinfonía No. 3 en mi bemol “Heroica”
Rosa Villar Córdova (piano)

23 de mayo
Concierto para piano y orquesta No. 2 en si bemol
Sinfonía No. 5 en do menor
Marcella Mazzini (piano)

30 de mayo
Concierto para piano y orquesta No. 3 en do menor
Sinfonía No. 6 en fa “Pastoral”
Ettore De Giorgi (piano)

6 de junio
Concierto para piano y orquesta No. 4 en sol
Sinfonía No. 2 en re mayor
Gesualdo Coggi (piano)

13 de junio
Concierto para piano y orquesta No. 5 en mi bemol “Emperador”
Sinfonía No. 7 en la mayor
Pietro Ceresini (piano)

El Royal Opera de Londres se convierte al 3D

El Royal Opera de Londres, en Covent Garden, anuncia que será la primera casa de ópera que filmará y distribuirá producciones en 3D para una audiencia masiva.

La primera ópera filmada en este formato sera "Carmen" de Bizet, una producción de Francesca Zambello que incluye en el reparto a Christine Rice, Bryan Hymel y Aris Argiris.

Para filmar en este nuevo formato se utilizarán cámaras especiales para 3D en dos sesiones. Royal Opera anunció también que planea filmar otras producciones así como ballet, para ser distribuidas en este formato.

La productora encargada de realizar y distribuir este proyecto es RealD, empresa que ha distribuido filmes como "Avatar", "Alice in Wonderland", "Ice Age", entre otros.

Esta primera filmación se realizará en el mes de junio y distribuida a partir del otoño londinense.

Dmitry Korchak, estrella en ascenso

Por Gonzalo Tello

Entrevista exclusiva para Operaperu.com

Lo primero que uno escucha apenas entra en la pagina web de este joven tenor es una difícil aria de la ópera Dom Sébastien "Deserto In Terra" de Gaetano Donizetti. Aria complicadisima por mantener la voz en los agudos y que requiere de una voz ni tan ligera ni tan pesada. Korchak tiene el registro ideal para este complicado repertorio.

Dmitry Korchak, ruso de 31 años, es una de las jóvenes promesas que la lírica mundial viene ofreciendo. A su favor tiene el haber ganado premios en dos concursos importantes, el Francisco Viñas en Barcelona y el muy famoso concurso de Plácido Domingo, Operalia, en el cual gano dos premios. Luego de eso se ha presentado exitosamente en escenarios importantes como Viena, Salzburgo, Milán, New York, Los Ángeles, y ahora Lima, donde acabamos de disfrutar de su arte como Fernand en la ópera "La Favorite", en la cual interpreta un rol muy adecuado para sus capacidades.

Acompañado de su esposa Anastasia, Dmitry disfrutó mucho de su estadía en el Perú, visitando Cuzco y Machu Picchu días antes de comenzar ensayos en el Callao.

¿Cómo te llegó el interés por la música, por cantar?

Desde que era pequeño, a los 7 años, yo cantaba en el coro de niños, en una academia muy famosa e importante. Ese coro es equivalente al de los Niños Cantores de Viena. Hacíamos giras por Japón, Europa y America. Era un coro muy famoso. Luego, cuando crecí, estudié dirección de orquesta. Al terminar la dirección de coro y orquesta, entré a estudiar a una escuela superior la dirección, pero también a otra facultad como cantante, porque yo ya había sido solista con el Coro de niños.

¿Solista ya con la voz de tenor?

Si, a los 19, 20 años, pero con una voz muy, muy ligera. Había cantado obras de Mozart, Jomelli, Bach. No cantaba con una voz estudiada, era natural. El director del Coro quería que todos, al menos una vez, canten la parte solista. Algo que aprendí en esa época es que ahora como director es muy difícil tener una orquesta propia, por lo que he optado por el canto, sin dejar de lado la parte de la dirección, que la seguiré haciendo libremente.

¿Cuál crees que fue tu entrada al mundo operístico?

La primera cosa que yo aprecio es los concursos, porque hacen más fácil entrar en el mundo de los agentes, que trabajan entre los cantantes y el teatro. En Moscú canté 3 a 4 años en teatro y eso me dió la experiencia de la escena con la orquesta y otros solistas, y ya había preparado roles. Luego de los concursos y haber conseguido un agente en Europa, se me permitió debutar en Italia en el 2005 en “Los Pescadores de Perlas” en un Festival “Tito Schipa” de Lecce, y luego un debut grande fue en el Teatro dell’Opera di Roma con “La Sonnambula”. Ese fue mi gran debut, especialmente con la música italiana que es muy difícil.

Como ruso, ¿crees que es difícil salir de tu país y triunfar en teatros extranjeros?

En Rusia hay muchísimos cantantes con la voz bellísima, pero no todos estudian, porque se piensa que la voz natural basta. Por eso tampoco cantan tantos años. También nos es difícil salir de Rusia y entrar en Europa, porque al inicio no tenemos tanto dinero para pagar la estadía, viajes y hacer audiciones por todo Europa. Sin embargo, esa ya no es una dificultad que tengamos tantos cantantes, y estoy contento de ver cada vez mas cantantes rusos en Europa porque verdaderamente cantan bien.

¿Cómo te sientes con el repertorio rossiniano, habiendo cantando títulos como “Il Barbiere di Siviglia”, “Viaggio a Reims”, etc?

Yo si canto cierto repertorio, pero Rossini no es un compositor que ha escrito para mi voz. Yo puedo cantar algunas cosas, pero no todo. He cantado muchas veces “Barbiere” pero es muy agudo y veloz, es menos central. La ultima vez en Los Ángeles, hice el “Barbiere” con el aria final ‘Cessa di piu resistere’ por primera vez. Muy difícil. También otros roles en Pesaro como “Viaggio a Reims” o “L’Equivoco Stravagante”

"La Gazza Ladra", Pesaro

¿Te sientes mejor en los agudos o en el medio?

No lo digo por los agudos, sino por el tipo de voz. Lo más importante es la coloratura. Cualquier cosa la puedo hacer, pero no es cómodo para mí. Yo prefiero el repertorio de Bellini o Donizetti o Mozart, esto es más cómodo para mi voz.

¿Cuáles son para ti son las dificultades del rol de Fernand?

Es un rol grande, que incluye diversos tipos de canto. Al inicio es lento, ‘piano’, a media voz, luego va creciendo y se vuelve fuerte ‘spinto’ hacia el final, con el aria “Ange si pur”. Es una ópera donde debe haber diversos tipos de emoción. Es un rol muy interesante para todos los cantantes, porque puedes tener éxito como actor pues es una obra escrita perfectamente, en que no puedes perder una nota de la partitura.

¿Para ti cuál es el secreto para poder llegar al aria final del tenor en la ópera, teniendo en cuenta la dificultad del personaje?

El secreto es no dar todo en la escena durante el tercer acto anterior. Aunque este acto se ha escrito con tanta pasión, fuerza y rabia, tener el cuidado de no darle tanta fuerza. Después de esa aria del cuarto acto, hay mas cosas por cantar aún.

¿Que nos puedes decir de tu experiencia con Juan Diego Flórez, ya que han alternado roles?

Tenemos tipos de voz diferentes, aunque hayamos hecho el mismo papel. (El rol del Conde) es un papel que lo cantan todos los tenores, bien, mal, o mas o menos, es como “Elisir”, lo cantan todos. La voz de Juan Diego es muy clara en el repertorio rossiniano y son pocos los cantantes que pueden cantar a ese nivel. Yo estoy contento de haber cantado el mismo rol junto a él en Los Ángeles, para mi fue una gran experiencia. Yo creo que debo cantar al menos dos roles de Rossini al año, porque eso me ayuda a tener la ligereza y coloratura en la voz, en los agudos. “La Favorite” es un rol mas central aunque tenga agudos.

¿Crees que tu voz pueda crecer a roles mas grandes, como del gran Verdi por ejemplo?

Yo debuté ya en “Rigoletto” hace un par de años. Siento que mi voz cambia y veré con el tiempo si asumiré roles más difíciles. También hay muchos roles ligeros que no hago y me gustaría cantar.

Como Fernand, junto a Daniela Barcellona en "La Favorite" en Lima

¿Qué percibes en general del público latinoamericano, habiendo cantado en Chile y Perú?

Yo percibo en Santiago y aquí que el público es muy parecido al ruso, es muy cálido y abierto a recibir emociones y retornarla durante la función y al final. Esto me gusta y estoy contento de estar en Perú, en esta compañía y con un gran elenco. Contento también porque tengo tantos amigos de Perú y estoy visitando el país de donde son, donde nacieron.

¿Qué crees que te falta para llegar al pico de tu carrera?

Yo pienso que todo viene como debe ser, de la mejor forma, pero la única cosa de debes trabajar todos los días es la técnica, el fraseo. Todo debe hacerse paso a paso, y si llega mi gran momento, llegará por tener una técnica sólida. No hay que mezclar repertorio y esperar hacer cada rol en su momento.

Sepa mas sobre Dmitry Korchak

Dmitry Korchak nació en Rusia en 1979. Luego de graduarse en el Alexander Sveshnikov Choral College de Moscú entró a la Chorus Academy de la misma ciudad donde siguió estudios de director de orquesta y de tenor.

Desde 2004, con su exitosa participación en los concursos Francisco Viñas de Barcelona y Operalia de Plácido Domingo en Los Ángeles, donde se dio a conocer, Dmitry Korchak ha desarrollado una rápida e intensa carrera en los más célebres teatros del mundo cantando los papeles más importantes del repertorio operístico.

Ha trabajado con importantes directores de orquesta como Riccardo Muti, Plácido Domingo, Kent Nagano, Lorin Maazel, Zubin Mehta, Jeffrey Tate, Eve Queler, Alberto Zedda, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Vladimir Fedoseev, José Cura, Kristof Penderezkyi, Riccardo Chailly, Michele Mariotti entre otros.
Dmitry Korchak ha cantado en la Scala de Milán La viuda alegre, Viaje a Reims y Stabat Mater de Rossini; en el Covent Garden de Londres Elíxir de amor; en la Ópera de París Elíxir de amor y Demofonte; en la Ópera de Viena Don Giovanni y Elíxir de amor; en el Festival de Salzburgo Demofonte; en el Carnegie Hall Sonámbula y Don Sebastián; en la Ópera de Roma Sonámbula; en la Ópera de Dresden La Favorita; en el Festival de Ópera Rossini La gazza ladra, Equivoco extravagante y Stabat Mater; en la Ópera de Zúrich La flauta mágica; en la Ópera de Berlín El barbero de Sevilla; en la Ópera de Los Ángeles El barbero de Sevilla; en el Sferisterio de Macerata La flauta mágica; en la Ópera de Valencia L’enfant et les sortileges y El árbol de Diana; en el Maestranza de Sevilla Sonámbula; en la Ópera de Ámsterdam Elíxir de amor; en la Ópera de Marsella El barbero de Sevilla y Cosi fan tutte; en La Monnaie de Bruselas La flauta mágica y en el Carlo Felice de Génova Eugene Onegin.

Ha grabado Corrado d’Altamura para Ópera Rara y La gazza ladra de Rossini en DVD.

Entre sus próximos compromisos están "El árbol de Diana" en el Real de Madrid, "Elíxir de amor" en Múnich, "Betullia liberata" de Jomelli en Salzburgo, Valencia y Ravena dirigido por Riccardo Muti, "Elisir" en Ámsterdam, "Barbiere di Siviglia" en Palermo y Toulouse, "Los Pescadores de Perlas" en París, "La Fille du Regiment" en Hamburgo, "Cosi fan tutte" en Tokio y "I Puritani" en Viena.

Crisis en Italia: "Un decreto infame"

"No al decreto infame" dice la banderola con que los trabajadores de La Scala de Milán se presentaron antes de iniciarse una función de "Simón Boccanegra". Protestan contra la nueva ley de fundaciones lírico-sinfónicas firmada por el presidente y que entra en vigor en dos meses.

Son 5600 trabajadores los que verían afectados sus ingresos entre 10% y 20%. Conciertos y funciones de ópera ya han sido cancelados y seguirán haciéndolo conforme pasen los días en diferentes instituciones en Italia.

Esta ley reformula la forma como el estado otorga las ayudas a estas instituciones, las cuales vienen sufriendo perdidas durante los últimos años. Italia es uno de los países en Europa que menos ayuda publica otorga a las instituciones culturales, pese a ser la cuna de la lírica.